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La débil temática que une la temporada de verano de este año en Shakespeare’s Globe es ‘1599 o 1939’, lo que les ha permitido montar una obra de Brecht además de varias piezas de Shakespeare que son habituales en este complejo teatral. Afortunadamente, deja espacio para algo que no se ha producido en ninguno de los dos escenarios desde la temporada inaugural de Michelle Terry en 2018; este Love’s Labour’s Lost, sin embargo, se encuentra en el Teatro Globe al aire libre y con un marcado sabor español.
La obra está ambientada en Navarra, un reino al norte de España, y aquí encontramos a su rey y sus amigos Berowne, Longaville y Dumaine al comienzo; han firmado un pacto para estudiar juntos durante tres años y renunciar a la compañía de mujeres, olvidando que pronto llegará la princesa de España con su séquito. No queriendo romper su juramento de inmediato, pero deseando mostrar cierta diplomacia, el rey acoge a las mujeres y les permite acampar fuera de la corte. El pacto se tensa para los cuatro hombres, cada uno confesando en privado sus sentimientos hacia miembros del grupo de viajantes, y la situación se complica aún más con cartas de Berowne y del visitante Don Armado que por error llegan a la mujer equivocada. ¿Podrá resolverse esta situación?
Al entrar en el teatro, el diseño escenográfico de Katie Lias te impacta de inmediato: el diseño azul y dorado funciona a la perfección en el espacio réplica isabelino. Si esta paleta es un guiño a los vínculos históricos de Navarra con el cercano Reino de Asturias o simplemente una elección estética, compensa bien el resto de la producción y permite que los vestuarios destaquen sobre el fondo. Mientras Navarra y sus hombres recuerdan a los infames atuendos blancos del Liverpool FC en la final de la FA Cup de 1996 (pero con una temática española), la princesa y sus damas van mucho más coloridas: el traje de terciopelo rojo con detalles dorados de la princesa es un punto culminante, haciendo que la bandera española sea llevable. El uso de gegants y cabezudos (títeres gigantes y cabezas de papel maché) en la escena de los Nueve Dignatarios es también un detalle genial.
Los aficionados a Shakespeare sabrán que habitualmente la princesa central femenina es la de Francia, sin embargo hacerla española permite que el concepto flamenco tome realmente protagonismo en la producción; sería algo raro que una princesa francesa dominara tan bien ese estilo de baile, por lo que cualquier flamenco aplicado sería un añadido forzado y no parte integral de la narrativa. La princesa de España usa la danza y el movimiento para expresarse, desarrollando su personaje de una forma que de otro modo no estaría abierta para ella, incluso si el flamenco realmente se originó en el sur de España y todo lo demás está firmemente ubicado en el norte.
La narrativa central funciona maravillosamente y claramente ha sido bien pensada, con un final no tradicional (para una comedia temprana moderna) que impacta más gracias a la apasionada muestra de dolor de la princesa. Es la trama de Don Armado la que no logra cuajar del todo, pese a la actuación maravillosamente extravagante de Andro Crespo. Sus interacciones con Moth (un encantador Jax Guerrero) proporcionan el humor necesario, sin embargo que Katy Stephens canalice a Su Pollard como Holofernes más adelante solo enreda más las cosas —se alarga demasiado y no se siente para nada necesaria.
Aunque no es un camino nuevo, ya que Much Ado About Nothing también forma parte de esta temporada, hubiera sido divertido explorar la ruta de Love’s Labour’s Lost y Love’s Labour’s Won, uniendo ambas obras al modo en que Shakespeare’s Globe ha abordado la Henriad anteriormente. Durante el baile final, también me encontré recordando la producción de 2017 de Matthew Dunster con temática mexicana de Much Ado; un reestreno de esta junto con el actual Love’s Labour’s Lost en un día doble sería verdaderamente mágico. Lamentablemente, no fue así.
Aparte de las diversas secuencias de baile (lideradas por el increíble Pablo Egea y Anita La Maltesa, acompañados por el cantaor Carlos Lobo Cordón), para mí los momentos destacados de la producción se encuentran en el acto 4, escena 3. En esta secuencia, Berowne declara públicamente su amor por Rosaline, y luego busca un lugar para esconderse cuando llega el rey y profesa su amor por la princesa; posteriormente (pero por separado) aparecen Longaville y Dumaine, confesando su amor por Maria y Katherine mientras los otros se ocultan. Está bien dirigido por Indiana Lown-Collins y muestra las habilidades de comedia física de los actores, en particular de Philip Arditti como Berowne.
Las confesiones de amor toman la forma de sonetos u otra poesía en el texto, que en esta producción se acompañan con melodías de música popular de artistas hispanos; las canciones de “Despacito”, “Livin’ La Vida Loca” y “Hips Don’t Lie” son rápidamente reconocibles y permiten presentar la escritura original de una manera que conecta con la audiencia moderna. Este enfoque creativo es lo mejor de ambos mundos.
Ned Costello realiza una actuación hilarante como el rey de Navarra no muy seguro de sí mismo, lleno de bravuconería pero frecuentemente buscando en sus hombres seguridad para sus acciones. Jimena Larraguivel es memorable, a pesar del poco tiempo en escena de Jaquenetta; su pasión siempre a flor de piel, apenas contenida —más tarde contrastando con una mujer desesperada al borde del abismo. Joshua Hill destaca por su excelente entrega cómica como Costard, con intervenciones perfectamente cronometradas para maximizar las risas, y robando alguna que otra escena en el proceso.
Norah Lopez Holden es sin duda la estrella del espectáculo. No solo su interpretación de la princesa de España es impecable, equilibrando humor, autoridad y emoción, sino que también toma el mando de la danza en cada oportunidad; su danza final cargada de dolor es un momento poderoso de la producción, mostrando su fuerza que se propaga al resto del elenco. Lopez Holden es definitivamente alguien a quien seguir de cerca.
Aunque esta no sea una producción perfecta o pulida, muestra destellos de brillantez que aseguran que el público se irá a casa con una sonrisa y un ritmo flamenco en sus pies. Una fiesta teatral perfecta para la ola de calor veraniega.
Love’s Labour’s Lost estará en The Globe Theatre hasta el 13 de septiembre
Crédito de foto: Tristram Kenton
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