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Das dünne Thema, das die diesjährige Sommersaison im Shakespeare’s Globe zusammenhält, lautet „1599 oder 1939“, was es ihnen erlaubte, ein Stück von Brecht sowie mehrere häufig gespielte Shakespeare-Stücke in diesem Theaterkomplex aufzuführen. Glücklicherweise bleibt Raum für etwas, das seit Michelle Terrys Eröffnungssaison 2018 nicht mehr auf irgendeiner Bühne inszeniert wurde; dieses Love’s Labour’s Lost spielt jedoch im Freilichttheater Globe und erhält eine unverwechselbare spanische Note.
Das Stück spielt in Navarra, einem Königreich im Norden Spaniens, und hier treffen wir am Anfang den König und seine Freunde Berowne, Longaville und Dumaine; sie haben einen Pakt geschlossen, drei Jahre lang zusammen zu lernen und auf den Umgang mit Frauen zu verzichten – dabei vergessen sie, dass bald die Prinzessin von Spanien mit ihrem Gefolge ankommen wird. Um seinen Eid nicht sofort zu brechen, aber auch diplomatisch zu zeigen, empfängt der König die Frauen und erlaubt ihnen, ihr Lager außerhalb des Hofes aufzuschlagen. Der Pakt gerät für alle vier Männer ins Wanken, jeder gesteht heimlich seine Gefühle gegenüber Mitgliedern der Reisegruppe – und die Verwirrung wird durch Briefe von Berowne und dem Besucher Don Armado, die versehentlich an die falsche Frau geschickt werden, noch verstärkt. Kann die Situation gelöst werden?
Beim Betreten des Theaters fällt sofort Katie Lias Bühnenbild ins Auge – das blau-goldene Design funktioniert wunderbar im Nachbau des elisabethanischen Raums. Ob diese Farbkombination eine Anspielung auf Navarras historische Verbindungen zum nahegelegenen Königreich Asturien ist oder einfach eine ästhetisch ansprechende Wahl, sie bildet einen schönen Kontrast zum Rest der Inszenierung und lässt die Kostüme vor dem Hintergrund hervorstechen. Während Navarra und seine Männer mit ihren weißen Outfits an die berüchtigte Kleidung des Liverpool FC im FA-Cup-Finale 1996 erinnern (aber mit spanischem Thema), sind die Prinzessin und ihre Damen viel bunter gekleidet – das rote Samtkostüm der Prinzessin mit goldenen Details ist ein Höhepunkt, Spaniens Flagge als tragbares Kleidungsstück interpretiert. Der Einsatz von Gegants und Cabezudos (Riesenpuppen und Pappmaché-Köpfe) in der Szene der Neun Würdenträger ist auch eine gelungene Ergänzung.
Shakespeare-Kenner wissen, dass normalerweise die Prinzessin von Frankreich die zentrale weibliche Figur ist, doch als Spanierin gewinnt das Flamenco-Konzept deutlich an Bedeutung; es wäre vielleicht etwas merkwürdig, wenn eine französische Prinzessin so versiert in diesem Tanzstil wäre, und jeglicher Flamenco würde eher angefügt als integraler Teil der Handlung wirken. Die Prinzessin von Spanien nutzt Tanz und Bewegung, um sich auszudrücken, wodurch sich ihr Charakter auf eine Weise entwickelt, die ihr sonst nicht offenstünde. Auch wenn Flamenco eigentlich aus dem Süden Spaniens stammt und alles andere fest im Norden angesiedelt ist.
Die zentrale Handlung funktioniert wunderbar und ist offensichtlich gut durchdacht. Das nicht-traditionelle Ende (für eine frühneuzeitliche Komödie) schlägt dank der leidenschaftlichen Trauerbekundung der Prinzessin noch stärker ein. Schwächen zeigt die Don-Armado-Handlung, trotz einer großartig flamboyanten Darbietung von Andro Crespo. Seine Interaktionen mit Moth (ein entzückender Jax Guerrero) sorgen zwar für den nötigen Humor, jedoch verwässert später Katy Stephens als Holofernes unter dem Einfluss von Su Pollard die Sache – es zieht sich zu lange hin und erscheint völlig überflüssig.
Auch wenn es kein neuer Weg ist, denn Viel Lärm um nichts ist ebenfalls Teil der Saison, hätte es Spaß gemacht, den Weg von Love’s Labour’s Lost und Love’s Labour’s Won zu gehen und die beiden Stücke so miteinander zu verknüpfen, wie Shakespeare’s Globe es zuvor mit der Henriad gemacht hat. Während des finalen Tanzes erinnerte ich mich auch an Matthew Dunsterns mexikanisch angehauchte Inszenierung von Viel Lärm aus dem Jahr 2017 – eine Wiederaufnahme davon in einem Doppeltagesprogramm mit der aktuellen Love’s Labour’s Lost wäre wirklich magisch gewesen. Leider ist das nicht der Fall.
Abgesehen von den verschiedenen Tanzsequenzen (angeführt von den fantastischen Pablo Egea und Anita La Maltesa, begleitet vom Cantaor Carlos Lobo Cordón), sind für mich die herausragenden Momente der Produktion Akt 4, Szene 3. Diese Szene zeigt Berowne, der öffentlich seine Liebe zu Rosaline gesteht und sich dann versteckt, als der König seine Liebe zur Prinzessin gesteht – anschließend erscheinen (jeweils separat) Longaville und Dumain, die ihre Gefühle für Maria und Katherine gestehen, während sich die anderen verstecken. Das ist brillant von Indiana Lown-Collins inszeniert und zeigt die körperlichen Komödienfähigkeiten der Schauspieler – besonders Philip Arditti als Berowne.
Die Liebesgeständnisse nehmen im Text die Form von Sonetten oder anderen Gedichten an, die in dieser Produktion mit Melodien bekannter spanischsprachiger Künstler untermalt werden; die Melodien von „Despacito“, „Livin’ La Vida Loca“ und „Hips Don’t Lie“ sind schnell erkennbar und ermöglichen es, den Originaltext zeitgemäß und für ein modernes Publikum ansprechend zu präsentieren. Dieser kreative Ansatz ist das Beste aus zwei Welten.
Ned Costello liefert eine urkomische Darstellung des unsicheren Königs von Navarra, der zwar viel Getöse macht, oft aber seine Männer zur Unterstützung bei seinen Entscheidungen braucht. Jimena Larraguivel bleibt trotz minimierter Bühnenzeit als Jaquenetta unvergesslich; ihre Leidenschaft ist jederzeit spürbar und kaum zu bändigen – später steht sie einem verzweifelten Weib am Abgrund gegenüber. Joshua Hill bietet als Costard exzellente komische Einlagen, setzt seine Pointen perfekt und stiehlt dabei die eine oder andere Szene.
Norah Lopez Holden ist zweifellos der Star der Show. Ihre Darstellung der Prinzessin von Spanien ist punktgenau ausgewogen zwischen Humor, Autorität und Emotion, zudem übernimmt sie bei jeder Gelegenheit die Führung beim Tanz; ihr finaler, von Trauer erfüllter Tanz ist ein kraftvoller Moment der Produktion, der seinen Nachhall im Ensemble findet. Lopez Holden ist definitiv ein Talent, das man im Auge behalten sollte.
Obwohl dies keine perfekte, polierte Produktion ist, zeigt sie Spitzen von Brillanz, die sicherstellen, dass die Zuschauer mit einem Lächeln im Gesicht und einem Flamenco-Rhythmus in den Zehen nach Hause gehen. Ein theatrales Fest passend zur Sommerhitze.
Love’s Labour’s Lost ist im Globe Theatre bis zum 13. September zu sehen
Foto: Tristram Kenton
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