Interview: 'Die Choreographie meines Vaters hat ein klares Gefühl von Zeremonie': Bühnenbildnerin Charlotte MacMillan über die Wiederbesinnung auf Dornröschen

Vor den Aufführungen des English National Ballets von Sir Kenneth MacMillans Dornröschen im Royal Albert Hall spricht Bühnenbildnerin Charlotte MacMillan darüber, wie sie auf Jahrhunderte des Theaterdesigns zurückgreift, Projektion nutzt, um einen schlafenden Palast einzufangen, der in der Zeit gefangen ist, und was es bedeutet, die gefeierte Produktion ihres Vaters einer neuen Generation von Zuschauern näherzubringen.

Wie sind Sie an das Design für ein so geliebtes klassisches Werk herangegangen?

Zunächst habe ich mir die bestehenden Kostümentwürfe von Nicholas Georgiadis angesehen. Georgiadis hatte einen Hintergrund in der Architektur, also habe ich versucht, mir vorzustellen, wo er vielleicht historische Designs zur Inspiration herangezogen hat. Das führte mich zu den Arbeiten der Familie Bibiena, einer italienischen Dynastie von Barocktheaterdesignern, die über drei Generationen hinweg ab den 1680er Jahren aktiv war. Ihr charakteristischer Beitrag war die scena per angolo; "Szene aus einem Winkel betrachtet", die die Einzelpunktperspektive durch mehrere Fluchtpunkte an den Seiten der Bühne ersetzt, anstatt auf einem zentralen Hintergrund. Das wiederum führte mich dazu, zu erkunden, wie moderne Projektionstechnologie und Animation meine Zeichnungen verwirklichen könnten.

Die Produktion wird im Royal Albert Hall aufgeführt. Hat die Dimension und die einzigartige Architektur des Ortes Ihre Designs beeinflusst?

Der Royal Albert Hall war tatsächlich ein sehr direkter Bezugspunkt. Ihr Inneres hat eine ganz besondere Qualität; es ist riesig, aber auch geschlossen, fast wie ein Kokon. Das Terrakotta, das tiefe Rot, die Schichtung von gildierten Kästen - es umhüllt einen.

Das fühlte sich wie der genau richtige Ausgangspunkt für einen schlafenden Palast an, einen Raum, der gleichzeitig zeremoniell und schwebend ist. Die Halle wurde erbaut, um ewig zu halten, und es gibt etwas leicht Luftloses daran, im besten Sinne. Die Zeit vergeht darin anders.

Lassen Sie sich bei der Erstellung der Projektionen von irgendwelchen Malereien, Landschaften, Filmen oder Literatur inspirieren?

Vor vielen Jahren, als ich etwa zehn Jahre alt war, tourte das Royal Ballet mit Romeo & Julia nach Venedig. Diese Erfahrung ließ mich weitgehend unberührt, das viele Laufen fand ich eher mühsam. An einem regnerischen Tag nahmen meine Eltern mich mit, um das Teatro Olimpico zu sehen, das von Andrea Palladio entworfen und 1585 von Vincenzo Scamozzi vollendet wurde.

Das permanente Bühnenbild hat mehrere durch Zwangsperspektive erzeugte Straßenansichten, die sich vom zentralen Bogen und zwei Seitenbögen ausströmen, und es war magisch. Es war, als wäre ich in einem Puppenhaus, und es hatte einen tiefgreifenden Effekt auf mich. Mitten im Entwurfsprozess für diese Produktion wurde mir klar, dass es eine direkte Inspiration gewesen war.

Welche Möglichkeiten bietet das Projektionsdesign, die traditionelle Kulissen nicht bieten können?

Projektion ist tatsächlich sehr direkt mit den ältesten Traditionen des Theaterhandwerks verbunden. Vor der Elektrizität schufen Szenenmaler ganze Welten durch trompe l’oeil: rollende Meere auf Holzpfählen, seidene Himmel, klappbare Waldflügel. Die ganze Kunst war darauf ausgerichtet, das Auge zu täuschen und eine Tiefe und einen Raum zu glauben, die physisch nicht vorhanden waren.

Für Dornröschen, eine Geschichte, die zwischen Wachsein und Träumen schwebt, fühlt sich diese Qualität der lichtbasierten Illusion sehr natürlich an. Projektion kann eine Welt im Handumdrehen verändern, was etwas ist, das bemalte Kulissen immer versucht haben, nur mit mehr Bühnenhelfern. Mit dem Vorschubbühnen des Royal Albert Hall können wir diese traditionelleren Formen von Kulisse nicht verwenden, sodass Projektion ein sehr nützliches Werkzeug wird.

Was hoffen Sie, dass die Projektionen zur Erfahrung des Publikums von Dornröschen hinzufügen?

Die Projektionen sind wirklich mehr über Maßstab und Atmosphäre als über Spektakel um seiner selbst willen. Der Royal Albert Hall ist ein riesiger Raum, und die Architektur des Designs muss ihn sowohl körperlich als auch emotional füllen. Die Projektionen lassen den Palast atmen und sich auf eine Weise bewegen, die bemalte Kulissen allein in diesem Maßstab nicht erreichen konnten.

Mehr als das wollte ich, dass sie das Gefühl des Zeitverlaufs - oder Nichtverlaufs - vermitteln. Der schlafende Palast sollte wirklich schwebend wirken. Licht verändert sich fast unmerklich, Staub scheint zu hängen, Schatten vertiefen sich über hundert Jahre. Das ist mit statischen Kulissen sehr schwer zu erreichen. Projektion lässt das Gebäude selbst gleichzeitig lebendig und ruhend wirken.

Als Tochter von Sir Kenneth MacMillan, was bedeutet es für Sie, kreativ zu einer seiner gefeiertsten Ballette beizutragen?

Es ist ehrlich gesagt eine ungewöhnliche Position. Mein Vater hat diese Produktion lange bevor ich im Theater arbeitete, geschaffen, und sie war achtzehn Jahre im Repertoire des American Ballet Theatre, bevor das English National Ballet sie übernahm, sodass ich sie tatsächlich nie inszeniert gesehen hatte. Ich kam fast wie eine Fremde dazu, was es in gewisser Weise einfacher machte. Ich musste keine Erinnerung daran reproduzieren.

Was ich fand, als ich auf sie stieß, war eine Produktion mit sehr starken Statik. Seine Choreographie hat ein klares Gefühl für Raum und Zeremonie, aber das Design musste für den Royal Albert Hall anders atmen. Der Prozess ging weniger darum, etwas treu wiederzugeben, mit dem ich aufgewachsen bin, sondern mehr darum zu fragen, was diese Produktion jetzt, in diesem Gebäude, in diesem Maßstab braucht.

Ihr Vater hat diese Produktion geschaffen, und Sie haben nun geholfen, sie für eine neue Generation neu zu gestalten. Was hat diese Reise für Sie persönlich bedeutet?

Die Verantwortung dafür war mir bewusst. Aber ich denke auch, dass er jemand war, der glaubte, dass Arbeiten leben und sich anpassen sollten; er war nicht damit heilig. Eine Produktion, die sich einfach in Bernstein konserviert, hätte ihn nicht viel interessiert. Ich habe versucht, das leicht zu halten und das Wesentliche zu ehren, ohne Angst davor zu haben, was das Werk jetzt braucht.

Was es mir persönlich bedeutet hat, ist schwer einfach zu sagen. Es fühlte sich an wie ein Gespräch über sehr lange Distanz. Und es gibt etwas ganz Außergewöhnliches daran, dass sein Werk in diesem Gebäude, in diesem Maßstab, für ein neues Publikum aufgeführt wird, das ihm zuvor möglicherweise nie begegnet ist. Das fühlt sich wichtig an.

Das Sleeping Beauty des English National Ballet läuft vom 25. bis 28. Juni im Royal Albert Hall