Recensie: ELECTRA/PERSONA, National Theatre

In Ingmar Bergman’s modernistische klassieker uit 1966 Persona stort een actrice genaamd Elisabeth halverwege haar optreden in, wordt sprakeloos, en ontwikkelt vervolgens een vreemd co-dependant verband met haar verpleegster, Alma. Er is al veel geschreven over de film en de verschillende psychologische interpretaties ervan, maar de Australische schrijver-regisseur Benedict Andrews kiest een nieuwe invalshoek – hij stelt de vraag waarom juist, van alle toneelstukken, de inzinking van Elisabet plaatsvindt tijdens Sophocles’ Electra.

Een centraal element in Andrews’ productie is dat zijn sterren, Cate Blanchett en Nina Hoss, voor elke voorstelling een muntje gooien om te bepalen wie Electra en Clytemnestra zal spelen (op de premièreavond is Blanchett Clytemnestra en Hoss haar wraakzuchtige dochter). In het tweede bedrijf – waarbij er geen echte pauze is – zal Electra veranderen in Elisabeth en degene die Clytemnestra speelde zal transformeren in Alma.

Het is verre van een gimmick. We krijgen direct het gevoel dat de rollen die deze acteurs spelen niet vastliggen, maar doorlaatbaar zijn en in elkaar zullen overvloeien. Onze eerste indrukken van deze versie van Electra en Clytemnestra zijn bekend Sophocleïsch – de kille, ongevoelige moeder en de dochter die verteerd wordt door woede over de ziekte in haar familie – maar we weten ook dat dit niet in steen gebeiteld is, en een andere vorm van deze moeder-dochterrelatie ergens in de tekst verborgen ligt.

Hoss en Blanchett beginnen in zwarte outfits, maar nemen vuilniszakken kostuums (ontworpen door Merle Hensel) uit de familiekast tevoorschijn – Agamemnon’s militaire jas, Clytemnestra’s bontmantels, Orestes’ trainingspak. De grenzen van de werkelijkheid vervagen verder als ze scènes uit hun familieverleden naspelen (met Ella Lily Hyland als jongere zus Chrysothemis), alsof het buiten zichzelf stappen deze personages helpt hun verdriet te verwerken. Het resultaat is echter geen helderheid, maar verwarde identiteiten en incestueuze ondertonen.

Dit betekent dat wanneer we bij Persona aankomen, we worden geconfronteerd met het idee dat personages hun gevoel van zelf verliezen. Blanchett’s versie van Alma benadrukt haar onschuld, en haar optimistische overtuiging over de helende kwaliteiten van podiumkunsten voelt hopeloos naïef, vooral tegenover een vrouw wiens toewijding aan optreden haar net tot een inzinking heeft geleid. (Was Elisabeth’s optreden als Electra datgene wat we in het eerste bedrijf zagen? Andrews laat die mogelijkheid open.)

Later is er een laag van kunstmatigheid en onnatuurlijkheid in het gedrag van zowel Alma als Elisabeth, alsof ze zich voortdurend bewust zijn van de ander – Alma met haar monologen waarin ze expliciet haar seksuele verleden en haar fixatie op Elisabeth beschrijft, en Elisabeth met haar gevleide micro-expressies als reactie daarop, geprojecteerd via een handheld camera op een scherm op het toneel.

Dit onthult dat er kwetsbaarheid schuilt in de daad van bekentenis – het blootgeven van een aspect van jezelf – en ook in het zijn van een gevangen publiek voor een bekentenis. Performen is een cathartische praktijk voor zowel acteur als publiek, en dat hoeft niet per se iets positiefs te zijn.

Andrews heeft niet altijd volledige vertrouwen in zijn visie. Oppervlakkige verwijzingen naar nieuwsmoeheid door sociale media en de klimaatcrisis missen subtiliteit en staan haaks op de narcistische zelfgerichtheid van deze personages. De genoemde camerawerk op het toneel dient weliswaar zijn thematisch doel en laat de vaardige gezichtsacteerprestaties van beide acteurs goed zien, maar vervalt vaak in Jamie Lloyd zelfgenoegzaamheid of imiteert memorabele shots uit de Bergman-film zonder ze verder uit te diepen.

Electra/Persona speelt in het The National Theatre tot en met 10 oktober

Fotocredits: Monika Rittershaus