Rezension: ELECTRA/PERSONA, National Theatre

In Ingmar Bergmans modernistischem Klassiker Persona aus dem Jahr 1966 bricht eine Schauspielerin namens Elisabeth mitten in ihrer Darbietung zusammen, wird stumm und entwickelt eine eigenartige symbiotische Beziehung zu ihrer Krankenschwester Alma. Über den Film und seine vielfältigen psychologischen Deutungen wurde schon viel geschrieben, doch der australische Schriftsteller und Regisseur Benedict Andrews schlägt einen neuen Weg ein – er stellt die Frage, warum ausgerechnet während Sophokles' Electra Elisabets Zusammenbruch stattfinden sollte.

Eine zentrale Besonderheit von Andrews' Inszenierung ist, dass seine Hauptdarstellerinnen Cate Blanchett und Nina Hoss vor jeder Vorstellung eine Münze werfen, um zu bestimmen, wer Electra und Clytemnestra spielt (am Pressetag ist Blanchett Clytemnestra und Hoss ihre rachsüchtige Tochter). In der zweiten Hälfte – es gibt keine echte Pause – wird Electra zu Elisabeth, und diejenige, die zuvor Clytemnestra spielte, verwandelt sich in Alma.

Das ist alles andere als ein Gag. Sofort wird deutlich, dass die Rollen, die diese Schauspielerinnen übernehmen, nicht festgelegt, sondern durchlässig sind und ineinander übergehen werden. Unsere ersten Eindrücke von dieser Version von Electra und Clytemnestra sind vertraut sophokleisch – die kalte, gefühllose Mutter und die Tochter, die vor Wut über die Krankheit ihrer Familie gelähmt ist – doch wir wissen auch, dass dies nicht in Stein gemeißelt ist und eine andere Version dieser Mutter-Tochter-Beziehung irgendwo im Text lauert.

Hoss und Blanchett beginnen in komplett schwarzen Outfits, öffnen dann Müllsäcke voller Kostüme (von Merle Hensel), die sie aus dem Familien-Kleiderschrank ausgegraben haben – Agamemnons Militärjacke, Clytemnestras Pelze, Orestes Trainingsanzug. Die Grenzen der Realität verschwimmen noch mehr, als sie anfangen, Szenen aus der Familiengeschichte nachzuspielen (unterstützt von Ella Lily Hyland als jüngere Schwester Chrysothemis), als ob sie durch das Verlassen ihrer selbst diesen Figuren helfen könnten, ihre Trauer zu verarbeiten. Das Ergebnis ist jedoch keine Klarheit, sondern verwirrte Identitäten und inzestuöse Untertöne.

Das bedeutet, dass wir mit dem Eintreten von Persona mit der Schwierigkeit konfrontiert werden, dass Figuren ihr Selbstgefühl verlieren. Blanchetts Alma-Version betont ihre Unschuld, und ihre optimistische Behauptung von den heilenden Kräften der darstellenden Künste erscheint hoffnungslos naiv, besonders vor einer Frau, deren Hingabe an die Performance sie gerade zusammenbrechen ließ. (War Elisabets Darstellung der Electra die, die wir in der ersten Hälfte gesehen haben? Andrews lässt diese Möglichkeit offen.)

Später gibt es eine Schicht von Künstlichkeit und Unaufrichtigkeit im Verhalten von sowohl Alma als auch Elisabeth, als ob jede ständig der anderen bewusst wäre – Alma mit ihren Monologen, in denen sie explizit ihre sexuelle Vergangenheit und Fixierung auf Elisabeth beschreibt, und Elisabeth mit ihren verwunderten Mikroexpressionen als Reaktion, die per Handkamera auf eine Leinwand auf der Bühne projiziert werden.

Das offenbart, dass es eine Verletzlichkeit im Akt des Geständnisses gibt – das Offenbaren eines Aspekts von sich selbst – und auch darin, ein gefangenes Publikum für ein Geständnis zu sein. Die darstellende Kunst ist für Darsteller und Publikum eine kathartische Praxis, was nicht unbedingt immer etwas Gutes ist.

Andrews hat nicht immer volles Vertrauen in seine Vision. Oberflächliche Anspielungen auf Nachrichtenmedienmüdigkeit durch Social Media und die Klimakrise wirken unsubtil und stehen im Widerspruch zum nach innen gerichteten Selbstbesessenheit dieser Figuren. Die erwähnten Kameraeinsätze auf der Bühne erfüllen ihren thematischen Zweck und bieten eine großartige Plattform für die geschickte Mimik beider Darstellerinnen, gleiten aber oft in Jamie Lloyd

Doch diese Bedenken werden erst zum Problem, wenn sie von den Darbietungen von Blanchett und Hoss ablenken. Die Schauspielerinnen spielten zuvor ein zerrüttetes Ehepaar im Film Tar, und ihre Chemie ist abwechselnd erotisch, mütterlich und feindselig. Während Alma und Elisabeths Leben und Psychen sich auf immer unbequemere Weise verschmelzen, halten Blanchett und Hoss das Tempo, verschmelzen körperlich ineinander und übernehmen parasitär Verhaltensweisen voneinander sowie von ihren Charakteren aus dem ersten Akt.

Electra/Persona läuft im National Theatre bis zum 10. Oktober

Foto: Monika Rittershaus