Der nächste Akt: Idris Goodwin darüber, wie Theater wieder den Menschen gehören kann

In der ersten Ausgabe von The Next Act, einer neuen BroadwayWorld-Serie, die Künstler und kreative Führungskräfte beleuchtet, die die Zukunft des Theaters gestalten, habe ich mich mit Idris Goodwin zusammengesetzt, um über Geschichtenerzählen, Publikum, künstlerische Führung, Hip-Hop, junge schwarze Jungen und darüber zu sprechen, was das amerikanische Theater sich vielleicht wieder ins Gedächtnis rufen muss, bevor es voranschreiten kann.

Idris Goodwin denkt über seinen nächsten Akt nach.

Nicht weil der Dramatiker, Dichter, Romanautor, Regisseur, Pädagoge und Kunstleiter langsamer wird. Ganz im Gegenteil. Während er sich dem 50. Lebensjahr nähert und ein neues Kapitel als außerordentlicher Professor für Dramatisches Schreiben an der Arizona State University beginnt, denkt Goodwin tief darüber nach, wo er seine Zeit, sein Wissen und seine Geschichten investieren möchte.

„Es bedeutet, ein noch stärker geschichtenorientiertes Leben zu führen“, sagte er mir. „365 Tage im Jahr, rund um die Uhr, Geschichten, Geschichten erzählen, Gemeinschaft, Geschichten aufbauen, Geschichtenarchitektur.“

Für einen Künstler, dessen Karriere nie auf ein einziges Fachgebiet beschränkt war, geht es in diesem nächsten Kapitel nicht unbedingt darum, sich festzulegen. Es geht vielmehr darum, die verbindende Kraft aller Facetten zu erkennen.

Geschichte.

„Ich möchte dieses nächste bedeutende Kapitel meines Lebens wirklich in der Rolle als Meisterpädagoge, Meistermentor verbringen“, sagte Goodwin, „aber auch meine Fähigkeiten, meinen Intellekt und meine Energie darauf verwenden, diese uralte und essentielle Tradition des Geschichtenerzählens fortzuführen.“

Lehren, Schreiben, Mentoren, Regie führen, Leiten – für Goodwin sind das keine separaten Karrieren, sondern unterschiedliche Wege, dieselbe Arbeit zu tun.

Und während unseres Gesprächs über Goodwins eigenen nächsten Akt tauchte eine weitere Frage auf.

Wie sieht der nächste Akt des amerikanischen Theaters aus?

Goodwin hat eine besonders interessante Perspektive, da er die Branche von mehreren Seiten kennt.

Schon bevor er den Titel des künstlerischen oder geschäftsführenden Direktors trug, verstand er etwas über Künstler, das nicht immer gewürdigt wird.

„Jeder Schöpfer, jede kreative Person ist auf gewisse Weise ihr eigener CEO“, sagte er. „Man muss Zeit, Raum und Glauben investieren, und das ist eine Investition.“

Der Einstieg in die institutionelle Führung gab ihm eine andere Sicht auf das, was er „das Geschäft der Geschichte“ nennt.

Ein Großteil seiner Führungszeit fiel in die COVID-Pandemie. Eine Zeit nationaler Rassenaufarbeitung, sozialer Unruhen, wachsender politischer Feindseligkeit gegenüber People of Color und einer Branche, die öffentlich hinterfragte, wer die Macht innehat und ob ihre Institutionen tatsächlich bereit waren, Veränderungen zuzulassen.

Goodwin erhielt die Chance, hinter den Vorhang zu blicken.

Was er sah, half ihm zu klären, wo er seine kreative Energie einsetzen möchte – und wo nicht.

„Ich bewege mich schnell. Ich bin sehr kollaborativ. Ich bin sehr offen. Ich handle rasch und entschlossen“, sagte er. „Ich stellte fest, dass die Zahnräder des traditionellen gemeinnützigen Theaters, selbst eines Theater für junges Publikum, für mich einfach zu langsam liefen.“

Seinen größten Einfluss, erkannte er, könnte er nicht unbedingt hinter einem institutionellen Schreibtisch haben.

Er könnte dort sein, wo das Werk selbst entsteht.

„Ich wusste, mein Platz ist im Proberaum, im Workshop, wo wir schnell vorankommen können. Wo wir beweglich sind. Wo wir wirklichen Dialog führen können als kreative Menschen und Macher.“

Von dort aus, glaubt Goodwin, können Künstler den „richtigen Boden“ finden, um ihre Arbeit wurzeln und wachsen zu lassen.

Was er hinter dem Vorhang sah, prägte auch, wie er über die Menschen auf der anderen Seite denkt.

Also fragte ich ihn: Hat das amerikanische Theater ein Zuschauerproblem?

Ich kam kaum dazu, die Frage zu stellen.

„Ja.“

Goodwin spricht dabei nicht einfach über Ticketverkäufe oder das „Zurückgewinnen“ des Publikums nach der Pandemie. Er hinterfragt, wie Theater überhaupt über Publikum denkt.

„Das Theater hat ein Problem mit dem Publikum, weil wir oft sehr nach innen gerichtet sind“, sagte er.

Und er hat recht.

Theaterleute kennen die Sprache des Theaters. Wir verstehen die Technikprobenwoche. Wir wissen, warum alle kurz vor der Premiere verschwinden. Wir verstehen die Gespräche, die wir uns selbst als dringend eingeredet haben.

Aber alle anderen haben ihr eigenes Leben.

Die Vorstellung beginnt. Die Leute kommen. Sie sehen sie. Vielleicht gefällt es ihnen. Vielleicht nicht. Und dann, wie Goodwin sagte, „leben sie ihr Leben weiter.“

„Oft machen wir Theater für andere Theaterleute“, sagte er.

Die Branche spricht seit Jahrzehnten über Publikumsentwicklung. Diese Diskussion wurde schließlich eng mit Vielfalt und Repräsentation verwoben. Diversifiziere das Personal. Diversifiziere die Dramatiker. Diversifiziere die Geschichten. Dann, irgendwie, werden ganz neue Zielgruppen erscheinen.

Goodwin widerspricht dieser Annahme. Die Vorstellung, dass ein Stück eines schwarzen Dramatikers automatisch das schwarze Publikum anlockt, übersieht etwas Offensichtliches: Keine Gemeinschaft ist ein Monolith. Menschen haben unterschiedliche Geschmäcker, Interessen und schlicht unterschiedliche Dinge, die um ihre Zeit konkurrieren.

Und während Theater ihre Spielzeiten planen, wählen Zuschauer aus einer ganzen Welt von Unterhaltungsmöglichkeiten.

Vielleicht, so Goodwin, hat Christopher Nolan gerade einen Film veröffentlicht.

Die Leute wissen, was das ist.

Sie kennen vielleicht nicht das Stück, das letztes Jahr in einer anderen Stadt ein Hit war.

Was also tun wir?

„Wir müssen auf die Straße gehen.“

Goodwin kommt aus der Straßenpromotion in Chicago, und da ich selbst in Chicago gelebt und studiert habe, hörte ich diese Chi-Town-Herkunft in seiner Art, über Publikum zu sprechen.

„Manchmal sind wir einfach nicht bereit zuzuhören, uns wirklich auf Gemeinschaften einzulassen, weil wir das Wort Gemeinschaft und Publikum oft benutzen, aber was bedeutet das eigentlich?“

Für Goodwin bedeutet Publikumsgewinnung mehr, als Menschen nur durch die Tür zu bekommen. Es bedeutet zu verstehen, wer diese Menschen wirklich sind, ihnen zuzuhören und für sie relevant zu bleiben.

„Man muss diese Mitte finden und ständig relevant bleiben“, sagte er. „Ich denke, es ist ein Problem der Demut. Ich denke, es ist ein Problem der Risikoaversion.“

Die Unterscheidung ist wichtig.

Wenn das Problem nur Marketing ist, können Theater mehr Anzeigen kaufen. Wenn das Problem die Mentalität ist, braucht die Lösung etwas Tieferes.

Goodwin lernte diese Lektion lange bevor er hinter einem künstlerischen Direktorenschreibtisch saß.

Er lernte sie vom Hip-Hop.

Während unseres Gesprächs brachte Goodwin KRS-One und eine Philosophie darüber zur Sprache, was es bedeutet, ein MC zu sein.

„Die Menschen geben dir die Macht, ein MC zu sein“, sagte Goodwin. „Er sagte, wenn du auf die Bühne gehst und das Erste, was du machst, ist zu sagen: ‚Alle Hände in die Luft!‘ Und sie tun es nicht, dann liegt das an dir.“

Für Goodwin muss man das Publikum zuerst gewinnen.

„Du gehst raus und gibst ihnen deinen besten Reim. Du gibst ihnen dein Bestes. Und wenn sie dich spüren, wenn du diese Beziehung etabliert hast, dann kannst du sagen: ‚Wirf die Hände in die Luft.‘“

Diese Philosophie wurde grundlegend für Goodwins Herangehensweise an seine eigene Arbeit.

„Ich muss sicherstellen, dass ich meine Arbeit getan habe und die Menschen wirklich authentisch ansprechen kann – nicht nur mit dem, was ich schreibe, sondern mit meinem ganzen Wesen, mit dem, was ich bin, mit dem, wofür ich stehe, mit meinen Philosophien.“

Kleidung, Inszenierung, Spektakel – all das kann die Erfahrung bereichern. Aber nichts davon kann die Beziehung ersetzen.

„Ich kann das angesagteste Outfit tragen. Ich kann Pyrotechnik haben, all das – aber es ist zweitrangig gegenüber der Frage, ob ich eine authentische Beziehung zu diesem Publikum habe. Ob sie mich fühlen.“

Ob sie mich fühlen? Diese Frage beschäftigte mich sehr.

Theater verbringt viel Zeit damit, sich zu fragen, wie man das Publikum zurückgewinnen kann. Vielleicht ist die unbequeme Frage eher: Haben wir ihnen genug Grund gegeben, wiederzukommen?

Als ich Goodwin fragte, woran das amerikanische Theater festhalten muss, damit es vorankommt, bot er keinen weiteren Plan, keine Initiative oder ein neues Branchenmodell an. Stattdessen kehrte er zu den Grundlagen zurück.

„Wir müssen zu Aristoteles Poetik zurückkehren und zu dem, was er in Bezug auf die Grundlagen sagt“, sagte er. „Was brauchen Menschen, wenn sie sich an einem Ort versammeln? Wir brauchen Katharsis. Wir brauchen Pathos. Wir müssen zurück zu den Menschen.“

Zurück zu den Menschen zu kommen bedeutet auch, klar zu definieren, in welchem Geschäft das Theater eigentlich ist.

„Bist du im Immobiliengeschäft? Bist du im Geschichtenerzähler-Geschäft? Das ist die zentrale Frage“, sagte Goodwin. „Ist Theater das Ding, das wir machen? Ist es ein Verb? Machen wir Theater oder sind wir in einem Theater? Sind wir im Geschäft, ein Theater zu betreiben?“

Goodwin dachte nicht nur theoretisch darüber nach, wie eine Rückkehr zu diesen Grundlagen aussehen könnte. Er verwies auf Künstler, die bereits daran arbeiten und Modelle für die Zukunft schaffen.

Eines dieser Beispiele ist MEXODUS, geschaffen und aufgeführt von Brian Quijada und Nygel D. Robinson.

„Was sie gerade machen, ist elektrisierend“, sagte er.

Goodwins Beziehung zu Quijada reicht zurück bis zu How We Got On, das 2012 beim Humana Festival lief und eine von Quijadas ersten großen professionellen Produktionen war.

Mehr als ein Jahrzehnt später sieht Goodwin, was Quijada und Robinson gemeinsam geschaffen haben – zwei Künstler, die live loopen, komponieren, spielen und eine ganze theatralische Welt erschaffen –, als ein mögliches Modell für die Zukunft des Feldes.

„Das Stück ist klar, und sie hatten Theater, die sie von Anfang an unterstützten und an das glaubten, was sie taten“, sagte er. „Für mich ist dieses Stück das Modell, auf das wir alle als Zukunftsschablone schauen sollten.“

Für Goodwin bedeutet MEXODUS nicht, dass jede zukünftige Produktion zwei Schauspieler und Live-Looping braucht. Es geht darum, was passieren kann, wenn Künstler Raum erhalten, um gemeinsam ihre eigene Sprache zu entwickeln, zu experimentieren und zu entdecken, mit der Infrastruktur, die die Kunst unterstützt anstatt sie zu definieren.

Goodwins Vision für die Zukunft beschränkt sich nicht auf Institutionen oder die Künstler, die schon im Raum sind. Unser Gespräch kehrte immer wieder zu jungen Menschen zurück, die ihren Weg dorthin noch suchen.

Und bei einem Blick auf sein Werk gibt es eine Gruppe junger Menschen, für die er immer wieder Raum schafft: Schwarze Jungen.

Goodwins Vision für das, was als Nächstes kommt, beschränkt sich nicht nur auf Publikumsbindung und wie Institutionen Künstler unterstützen. Man kann nicht über einen nächsten Akt sprechen, ohne die nächste Generation zu berücksichtigen und wer sich in den Geschichten, die wir erzählen, wiederfinden darf.

Für Goodwin bedeutete das oft, Raum für schwarze Jungen zu schaffen.

Von How We Got On über seine Adaption von Jason Reynolds’ Ghost bis hin zu seinem eigenen Jugendroman King of the Neuro Verse stellt Goodwin immer wieder junge schwarze Jungen in den Mittelpunkt, deren Talente für die Erwachsenen oder Systeme um sie herum nicht immer sofort erkennbar sind.

Ich fragte ihn, was ihn immer wieder zu jungen Menschen zurückführt.

„Ich versuche, das zu schreiben, was ich gebraucht und gewollt habe, und denke dabei an all die anderen schwarzen Jungen da draußen“, sagte er.

Für Goodwin wurde diese Verantwortung noch persönlicher, als er selbst Vater wurde.

„Ich war ein relativ neuer Vater, und ich wollte, dass meine Kinder mit zur Arbeit kommen, sehen, was ich mache, und ich wollte auch einen echten Einfluss auf die nächste und zukünftige Generationen haben.“

Goodwin wuchs mit Marty McFly, Luke Skywalker, Han Solo auf. Er erinnert sich daran, nicht viele schwarze Jungen gespiegelt gesehen zu haben. Deshalb bemüht er sich in seiner Arbeit bewusst, die Vorstellungskraft schwarzer Jungen zu erweitern.

„Ich versuche, über nur tragische Geschichten hinauszugehen“, sagte er. „Ich möchte uns in der Science-Fiction sehen. Ich möchte uns in feierlichen Konzerten über Hip-Hop und das Erwachsenwerden sehen. Ich möchte uns in ungewöhnlichen, übernatürlichen Stücken sehen.“

Goodwin möchte, dass schwarze Jungen Zugang zu derselben Bandbreite an Vorstellungskraft haben, die er als Kind suchte, um sich nicht nur als Überlebende zu sehen, sondern als Entdecker, Schöpfer, Tüftler und Wesen in Welten, in denen ihre Möglichkeiten grenzenlos sind.

In dieser Branche gibt es oft enormen Druck, als eine Sache klar erkennbar zu werden.

Dramatiker.

Regisseur.

Produzent.

Pädagoge.

Wähle den Titel. Baue die Marke auf. Mach es für alle leicht verständlich, in welche Schublade man dich stecken soll.

Goodwins Karriere hat sich dagegen gewehrt.

Für multidisziplinäre Künstler, die ihren nächsten Akt gestalten wollen, teilte Goodwin einen einfachen Rat mit:

„Was auch immer du tun musst, gib nicht auf.“

Er verklärt nicht, was es braucht, um ein künstlerisches Leben aufzubauen.

„Es ist harte Arbeit“, sagte er. „Es ist nicht einfach, und es kommt von einem Ort, und es hat seinen Preis und all das.“

Dennoch ermutigt er Künstler, weiter zu forschen.

„Bleib neugierig, bleib demütig. Lieb es, lieb das Handwerk und schau einfach, wo es Möglichkeiten gibt“, sagte er. „Welche Geschichten werden nicht erzählt? Was sind die Dinge, die du sehen möchtest und von denen du denkst, dass andere sie auch mögen könnten?“

Weil eine künstlerische Karriere kein einmaliges Ausfinden ist. Sie bewegt sich. Sie verändert sich. Es gibt Jahreszeiten.

„Es ist ein Prozess. Es ist eine Reise, und du hast Aufs und Abs, Jahreszeiten und Kapitel, und du kannst nicht – du musst einfach weitermachen.“

Und durch all diese Jahreszeiten kehrt Goodwin auf eine Sache zurück.

„Du musst den Prozess lieben. Du musst einfach den Prozess lieben.“

Das fühlt sich passend an, besonders in diesem Moment seines Lebens. Er nähert sich 50, kehrt in den Klassenraum zurück und tritt bewusster in die Rolle des Pädagogen und Mentors. Er schreibt noch, erschafft weiterhin und erforscht, was Geschichten noch können.

Sein nächster Akt besteht nicht darin, all das hinter sich zu lassen, was er war, oder sich endlich auf eine Sache festzulegen.

Es geht darum, tiefer in das einzutauchen, was sie schon immer verband.

Geschichte.

Bevor wir unser Gespräch beendeten, stellte ich Goodwin die Frage, die ich jedem Künstler stellen möchte, der für The Next Act mit mir spricht.

Beende diesen Satz:

Der nächste Akt des amerikanischen Theaters wird sein...

„Eine entschlossene Rückkehr zu den Grundlagen des theatralischen Geschichtenerzählens.“

Bis dahin fühlte sich seine Antwort wie der Leitfaden an, auf den unser ganzes Gespräch gezielt hatte.

Zurück zu den Menschen.

Zurück dazu, dass Künstler Raum zum Schaffen haben und junge Menschen Raum zum Träumen. Zurück zur Erinnerung, dass ein Publikum uns seine Aufmerksamkeit nicht schuldig ist. Wir müssen sie verdienen.

Vielleicht erfordert der nächste Akt des Theaters nicht, dass wir alles neu erfinden.

Vielleicht erinnern wir uns daran, für wen wir Geschichten erzählen.

Wir gehen auf die Straße.

Wir hören zu.

Wir machen etwas, für das es sich zu versammeln lohnt.

Und dann – wenn wir Glück haben – werfen sie, wie KRS-One sagte, vielleicht die Hände in die Luft.

Foto-Credit: Idris Goodwin