En la entrega inaugural de The Next Act, una nueva serie de BroadwayWorld que pone el foco en los artistas y líderes creativos que están moldeando el futuro del teatro, me senté con Idris Goodwin para hablar sobre narración, audiencias, liderazgo artístico, Hip-Hop, niños negros jóvenes y lo que el teatro estadounidense puede necesitar recordar antes de avanzar.
Idris Goodwin está pensando en su próximo acto.
No porque el dramaturgo, poeta, novelista, director, educador y líder artístico esté desacelerando. Todo lo contrario. Al acercarse a los 50 y comenzar un nuevo capítulo como Profesor Asociado de Escritura Dramática en la Universidad Estatal de Arizona, Goodwin está reflexionando profundamente sobre dónde quiere poner su tiempo, su conocimiento y sus historias.
“Es vivir una vida aún más centrada en la historia,” me dijo. “365 días al año, 24/7, historia, contar historias, comunidad, construcción de historias, arquitectura de historias.”
Para un artista cuya carrera nunca ha estado interesada en permanecer en un solo camino, este próximo capítulo no se trata necesariamente de elegir uno. Se trata de reconocer aquello que los ha conectado a todos.
La historia.
“Quiero dedicar este próximo capítulo significativo de mi vida realmente a asumir el rol de maestro educador, mentor maestro,” dijo Goodwin, “pero también a dedicar mis habilidades, mi intelecto y mi energía a continuar esta tradición antigua y esencial de la narración.”
Enseñar, escribir, mentorizar, dirigir, liderar. Para Goodwin, no son carreras separadas tanto como diferentes maneras de hacer el mismo trabajo.
Y en algún punto de nuestra conversación sobre el propio próximo acto de Goodwin, comenzó a surgir otra pregunta.
¿Cómo se ve el próximo acto del teatro estadounidense?
Goodwin tiene un punto de vista particularmente interesante porque ha visto la industria desde múltiples lados.
Antes de que tuviera el título de director artístico o director ejecutivo, comprendía algo sobre los artistas que no siempre se reconoce.
“Cada creador, cada persona creativa, es su propio CEO en cierto modo,” indicó. “Tienes que invertir en el tiempo, el espacio, la creencia, y eso es una inversión.”
Entrar en el liderazgo institucional le dio una vista diferente de lo que llama “el negocio de la historia.”
Mucho del tiempo de liderazgo de Goodwin se desarrolló durante el COVID. Un tiempo de ajuste de cuentas racial nacional, disturbios sociales, creciente hostilidad política hacia las personas de color y una industria cuestionándose públicamente quién tiene el poder y si sus instituciones realmente están dispuestas a desafiarlo.
Goodwin tuvo la oportunidad de mirar detrás del telón.
Lo que vio ayudó a clarificar dónde sí y dónde no quería poner su energía creativa.
“Me muevo rápido. Soy muy colaborativo. Soy muy abierto. Me muevo ágil y de manera decidida,” dijo. “Descubrí que las ruedas del teatro tradicional sin fines de lucro, incluso un teatro para jóvenes, simplemente se movían demasiado lentamente para mí.”
Se dio cuenta de que su mayor impacto podría no ocurrir detrás de un escritorio institucional.
Podría suceder donde la cosa misma se está creando.
“Sabía que mi lugar estaba básicamente en la sala de ensayos, en el taller, donde podemos movernos rápido. Podemos movernos con agilidad. Podemos estar en verdadero diálogo como personas creativas y como creadores.”
Desde ahí, Goodwin cree que los artistas pueden encontrar lo que llama “el suelo adecuado” para que su trabajo eche raíces y crezca.
Lo que vio detrás del telón también moldeó cómo piensa sobre las personas que están al otro lado.
Así que le pregunté: ¿El teatro estadounidense tiene un problema de audiencia?
Apenas alcancé a formular la pregunta.
“Sí.”
Goodwin no habla simplemente de ventas de entradas o de que las audiencias “regresen” después de la pandemia. Está cuestionando cómo piensa el teatro sobre las audiencias en primer lugar.
“El teatro tiene un problema de audiencia porque hacemos mucho de esto muy cerrado,” dijo.
Y tiene razón.
Los que estamos en el teatro conocemos su lenguaje. Entendemos la semana de tecnología. Entendemos por qué todos desaparecen a medida que se acerca la noche de estreno. Entendemos las conversaciones que nos hemos convencido a nosotros mismos que son urgentes.
Pero todos los demás tienen una vida.
El espectáculo se estrena. La gente va. Lo ven. Tal vez les guste. Tal vez no. Y luego, como dijo Goodwin, “siguen con sus vidas.”
“Muchas veces hacemos teatro para otras personas de teatro,” dijo.
La industria ha pasado décadas hablando de desarrollo de audiencia. Esa conversación eventualmente se entrelazó con diversidad y representación. Diversificar el personal. Diversificar a los dramaturgos. Diversificar las historias. Entonces, de alguna manera, aparecerán audiencias completamente nuevas.
Goodwin rechaza esa suposición. La idea de que programar una obra de un dramaturgo negro significa que automáticamente aparecerá la comunidad negra ignora algo bastante obvio: ninguna comunidad es un monolito. La gente tiene distintos gustos, intereses diferentes y, simplemente, cosas distintas compitiendo por su tiempo.
Y mientras los teatros planean temporadas, las audiencias eligen de un mundo entero de entretenimiento.
Quizás, como señaló Goodwin, Christopher Nolan acaba de lanzar una película.
La gente sabe qué es eso.
Tal vez no conocen la obra que fue un éxito en otra ciudad el año pasado.
¿Entonces qué hacemos?
“Tenemos que salir a las calles.”
Goodwin viene de la promoción callejera en Chicago, y habiendo vivido y estudiado en Chicago yo mismo, podía escuchar esa historia de Chi-Town en la forma en que habla sobre las audiencias.
“A veces no estamos dispuestos simplemente a escuchar, a realmente meternos en las comunidades porque usamos esta palabra comunidad y audiencia, pero ¿qué significa eso?”
Para Goodwin, alcanzar audiencias requiere más que hacer que la gente entre por la puerta. Requiere entender quiénes son en realidad esas personas, escucharlas y mantenerse relevante para ellas.
“Tienes que encontrar ese punto medio y tienes que mantenerte constantemente relevante,” dijo. “Creo que es un problema de humildad. Creo que es un problema de aversión al riesgo.”
Esa distinción importa.
Si el problema es simplemente marketing, los teatros pueden comprar más anuncios. Si el problema es mentalidad, la solución requiere algo más profundo.
Goodwin aprendió esa lección mucho antes de sentarse detrás de un escritorio de director artístico.
La aprendió del Hip-Hop.
Durante nuestra conversación, Goodwin mencionó a KRS-One y una filosofía sobre lo que significa ser un MC.
“La gente te empodera para ser un MC,” dijo Goodwin. “Él dijo que si subes al escenario y lo primero que haces es decir, ‘Todos levanten las manos en el aire,’ y no lo hacen, esa es tu culpa.”
Para Goodwin, primero tienes que ganarte a la audiencia.
“Sales y les das tu mejor rima. Les das lo mejor de ti. Y una vez que te están sintiendo, una vez que has establecido esa relación, entonces puedes decirles, ‘Levanten las manos en el aire.’”
Esa filosofía se volvió fundamental en cómo Goodwin aborda su propio trabajo.
“Tengo que asegurarme de haber hecho mi trabajo y poder conectar con la gente auténticamente, no solo con lo que escribo, sino con todo mi espíritu, con lo que soy, con lo que represento, con mis filosofías.”
La ropa, la producción, el espectáculo, todo eso puede sumar a la experiencia. Pero nada de eso puede reemplazar la relación.
“Puedo tener el atuendo más elegante. Puedo tener pirotecnia, todo eso, pero eso es secundario a si tengo una relación auténtica con esta audiencia. ¿Me están sintiendo?”
¿Me están sintiendo? Esa pregunta se quedó conmigo.
El teatro pasa mucho tiempo preguntándose cómo recuperar a las audiencias. Tal vez la pregunta más incómoda sea: ¿Les hemos dado suficiente razón para volver?
Cuando le pregunté a Goodwin qué necesita soltar el teatro estadounidense para avanzar, no ofreció otra iniciativa, plan estratégico o nuevo modelo industrial. En cambio, volvió a lo fundamental.
“Necesitamos regresar a las Poéticas de Aristóteles y a lo que él habla en términos de solo los fundamentos,” dijo. “¿Qué es lo que los seres humanos necesitan cuando se reúnen en un espacio? Necesitamos catarsis. Necesitamos pathos. Necesitamos volver a la gente.”
Volver a la gente también significa ser claros sobre a qué negocio pertenece realmente el teatro.
“¿Estás en el negocio inmobiliario? ¿Estás en el negocio de contar historias? Esa es la pregunta central,” dijo Goodwin. “¿Es el teatro lo que hacemos? ¿Es un verbo? ¿Estamos haciendo teatro o estamos en un teatro? ¿Estamos en el negocio de operar un teatro?”
Goodwin no pensaba solo teóricamente en cómo podría lucir un regreso a esos fundamentos. Señaló a artistas que ya están haciendo el trabajo y creando modelos para lo que podría venir.
Uno de esos ejemplos es MEXODUS, creado e interpretado por Brian Quijada y Nygel D. Robinson.
“Lo que están haciendo ahora es electrizante,” dijo.
La relación de Goodwin con Quijada se remonta a How We Got On, que apareció en el Festival Humana en 2012 y fue una de las primeras producciones profesionales importantes de Quijada.
Más de una década después, Goodwin ve lo que Quijada y Robinson han creado juntos, dos artistas haciendo live-looping, componiendo, actuando y construyendo un mundo teatral entero, como un posible modelo para hacia dónde puede ir el campo.
“El espectáculo es claro, y tuvieron teatros que los apoyaron desde el principio y creyeron en lo que estaban haciendo,” dijo. “Esa obra, para mí, es lo que todos deberíamos estar mirando como modelo para el futuro.”
Para Goodwin, MEXODUS no significa que toda producción futura necesite dos actores y live looping. Se trata de lo que puede suceder cuando se da espacio a los artistas para construir, experimentar y descubrir su propia lengua juntos, con la infraestructura llegando para apoyar el arte en lugar de definirlo.
La visión de Goodwin para el futuro no se limita a las instituciones o a los artistas ya presentes en la sala. Nuestra conversación seguía regresando a los jóvenes que todavía están encontrando su camino allí.
Y al mirar a lo largo de su obra, hay un grupo de jóvenes para el que sigue haciendo espacio: niños negros.
La visión de Goodwin para lo que viene no se limita al compromiso de audiencias y a cómo las instituciones apoyan a los artistas. No se puede hablar de un próximo acto sin reconocer a la siguiente generación y quién logra verse reflejado en las historias que contamos.
Para Goodwin, eso muchas veces ha significado hacer espacio para los niños negros.
Desde How We Got On hasta su adaptación de Ghost de Jason Reynolds y su propia novela para jóvenes adultos King of the Neuro Verse, Goodwin centra repetidamente a niños negros jóvenes cuyos dones no siempre son inmediatamente legibles para los adultos o los sistemas que los rodean.
Le pregunté qué es lo que lo sigue trayendo de vuelta a los jóvenes.
“Estoy tratando de escribir las cosas que necesitaba y quería y pensando en todos los otros niños negros ahí fuera,” dijo.
Para Goodwin, esa responsabilidad se volvió aún más personal cuando se convirtió en padre.
“Era un papá relativamente nuevo, y quería que mis hijos vinieran al trabajo y vieran lo que hago, y también quería tener un impacto real en la próxima generación, en las generaciones futuras.”
Goodwin creció amando a Marty McFly, Luke Skywalker, Han Solo. Recuerda no verse reflejado en muchos niños negros. Así que en su propio trabajo ha sido intencional en expandir lo que los niños negros pueden imaginar para sí mismos.
“Estoy tratando de ir más allá de solo relatos trágicos,” dijo. “Quiero vernos en ciencia ficción. Quiero vernos en obras celebratorias sobre Hip-Hop y el paso a la adultez. Quiero vernos en piezas extrañas y sobrenaturales.”
Goodwin quiere que los niños negros tengan acceso a la misma amplitud de imaginación que él buscó cuando era niño, que se vean no solo sobreviviendo, sino explorando, creando, experimentando y existiendo en mundos donde sus posibilidades son amplias.
Puede haber una tremenda presión en esta industria para volverse legible como una sola cosa.
Dramaturgo.
Director.
Productor.
Educador.
Escoge el título. Construye la marca. Facilita que todos los demás entiendan en qué casilla ponerte.
La carrera de Goodwin ha resistido eso.
Para artistas multidisciplinarios que están tratando de definir el alcance de su propio próximo acto, Goodwin compartió un consejo simple:
“Lo que tengas que hacer, simplemente no te rindas.”
No romantiza lo que se necesita para construir una vida artística.
“Es trabajo duro,” dijo. “No es fácil y viene de un lugar y tiene un costo y todo eso.”
Aun así, anima a los artistas a seguir explorando.
“Mantente curioso, mantente humilde. Ámalo, ama el oficio, y también mira dónde hay oportunidades,” dijo. “¿Qué historias no se están contando? ¿Cuáles son las cosas que quieres ver y que crees que a otros también podrían gustarles?”
Porque una carrera artística no es algo que resuelves una vez. Se mueve. Cambia. Hay temporadas.
“Es un proceso. Es un viaje, y tienes altibajos, temporadas y capítulos, y simplemente no puedes, tienes que seguir avanzando.”
Y a través de todas esas temporadas, Goodwin regresa a una cosa.
“Tienes que estar enamorado del proceso. Simplemente tienes que amar el proceso.”
Suena apropiado viniendo de Goodwin en este momento particular de su vida. Se acerca a los 50, vuelve al aula y asume de manera más intencional el rol de educador y mentor. Sigue escribiendo, creando y explorando qué más puede hacer la historia.
Su próximo acto no se trata de abandonar todo lo que ha sido ni de finalmente elegir uno.
Se trata de profundizar en aquello que siempre los ha conectado.
La historia.
Antes de terminar nuestra conversación, le pregunté a Goodwin la pregunta que planeo hacer a cada artista que se siente conmigo para The Next Act.
Termina esta frase:
El próximo acto del teatro estadounidense será...
“Un retorno comprometido a los fundamentos de la narración teatral.”
Para entonces, su respuesta ya se sentía como el lugar hacia donde toda nuestra conversación nos había llevado.
De regreso a la gente.
De regreso a los artistas teniendo espacio para crear y a los jóvenes teniendo espacio para imaginar. A recordar que una audiencia no nos debe su atención. Tenemos que ganárnosla.
Tal vez llegar al próximo acto del teatro no requiera reinventar todo.
Quizás recordemos para quién contamos historias.
Salimos a las calles.
Escuchamos.
Hacemos algo que vale la pena para reunirse.
Y luego, si tenemos suerte, como dijo KRS-One, tal vez levanten las manos en el aire.
Crédito de la foto: Idris Goodwin
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