Le prochain acte : Idris Goodwin sur la renaissance du théâtre auprès du public

Dans le premier épisode de The Next Act, une nouvelle série de BroadwayWorld mettant en lumière les artistes et les leaders créatifs qui façonnent l'avenir du théâtre, je me suis entretenu avec Idris Goodwin pour parler narration, publics, direction artistique, Hip-Hop, jeunes garçons noirs et ce que le théâtre américain doit peut-être se rappeler avant de pouvoir avancer.

Idris Goodwin réfléchit à son prochain acte.

Non pas que le dramaturge, poète, romancier, metteur en scène, éducateur et leader artistique ralentisse. Bien au contraire. Approchant de la cinquantaine et entamant un nouveau chapitre en tant que professeur associé en écriture dramatique à l'Université d'État de l'Arizona, Goodwin réfléchit profondément à l’endroit où il souhaite investir son temps, son savoir et ses histoires.

« C’est vivre une vie encore plus centrée sur l’histoire », m’a-t-il confié. « 365 jours par an, 24 heures sur 24, histoire, raconter des histoires, communauté, construction d’histoires, architecture de l’histoire. »

Pour un artiste dont la carrière n’a jamais voulu rester cantonnée à un seul domaine, ce nouveau chapitre ne consiste pas nécessairement à en choisir un. Il s’agit de reconnaître ce qui les relie tous.

L’histoire.

« Je veux passer ce prochain chapitre important de ma vie à vraiment assumer le rôle de maître éducateur, maître mentor », a déclaré Goodwin, « mais aussi à consacrer mes compétences, mon intellect et mon énergie à porter cette tradition ancienne et essentielle qu’est la narration d’histoires. »

Enseigner, écrire, encadrer, diriger, guider. Pour Goodwin, ce ne sont pas des carrières séparées, mais plutôt différentes manières d’accomplir le même travail.

Et quelque part dans notre conversation sur son propre prochain acte, une autre question a commencé à émerger.

À quoi ressemblera le prochain acte du théâtre américain ?

Goodwin a un point de vue particulièrement intéressant car il a observé l’industrie sous plusieurs angles.

Avant même de porter le titre de directeur artistique ou directeur exécutif, il comprenait quelque chose sur les artistes qui n’est pas toujours reconnu.

« Chaque créateur, chaque personne créative, est en quelque sorte son propre PDG », a-t-il dit. « Il faut investir du temps, de l’espace, de la confiance, et c’est un investissement. »

Passer à la direction institutionnelle lui a donné une autre perspective sur ce qu’il appelle « le business de l’histoire ».

Une grande partie de son mandat de leader s’est déroulée pendant la période du COVID. Une époque de prise de conscience nationale sur la race, de troubles sociaux, d’hostilité politique croissante envers les personnes de couleur et d’une industrie remettant publiquement en question qui détient le pouvoir et si ses institutions sont réellement prêtes à le challenger.

Goodwin a eu la chance de regarder derrière le rideau.

Ce qu’il a vu l’a aidé à clarifier où il voulait ou ne voulait pas investir son énergie créative.

« Je bouge vite. Je suis très collaboratif. Je suis très ouvert. J’agis rapidement et avec décision », a-t-il dit. « J’ai découvert que les rouages du théâtre à but non lucratif traditionnel, même d’un théâtre pour jeune public, avançaient d’une lenteur glaciaire pour moi. »

Il a compris que son plus grand impact ne se ferait peut-être pas derrière un bureau institutionnel.

Il pourrait se faire là où la création a réellement lieu.

« Je savais que ma place était essentiellement dans la salle de répétition, dans l’atelier, où nous pouvons agir vite. Nous pouvons être agiles. Nous pouvons être en véritable dialogue en tant que créateurs et artisans. »

À partir de là, Goodwin pense que les artistes peuvent trouver ce qu’il appelle « les bons sols » pour que leur travail prenne racine et grandisse.

Ce qu’il a vu derrière le rideau a aussi influencé sa manière de considérer les personnes de l’autre côté.

Je lui ai donc posé la question : le théâtre américain a-t-il un problème d’audience ?

À peine avais-je formulé la question.

« Oui. »

Goodwin ne parle pas simplement des ventes de billets ou de ramener le public « à la maison » après la pandémie. Il remet en question la manière dont le théâtre considère les publics en premier lieu.

« Le théâtre a un problème d’audience parce qu’on fait beaucoup de choses très réservées à notre milieu », a-t-il expliqué.

Et il a raison.

Les gens du théâtre connaissent le langage du théâtre. Nous comprenons la semaine technique. Nous savons pourquoi tout le monde disparaît à l’approche de la première. Nous comprenons les conversations que nous nous sommes convaincus d’être urgentes.

Mais tout le monde a une vie en dehors.

Le spectacle s’ouvre. Les gens viennent. Ils le voient. Peut-être qu’ils aiment. Peut-être pas. Puis, comme le dit Goodwin, « ils reprennent leur vie ».

« Souvent, on fait du théâtre pour d’autres gens du théâtre », a-t-il dit.

L’industrie a passé des décennies à discuter du développement de l’audience. Cette conversation s’est finalement imbriquée avec la diversité et la représentation. Diversifier les équipes. Diversifier les dramaturges. Diversifier les histoires. Et puis, d’une façon ou d’une autre, de nouveaux publics apparaîtront.

Goodwin remet en cause cette hypothèse. L’idée que programmer une pièce d’un dramaturge noir implique automatiquement que la communauté noire y assistera ignore une chose assez évidente : aucune communauté n’est un monolithe. Les personnes ont des goûts, des intérêts différents et, tout simplement, d’autres choses qui concurrencent leur temps.

Et pendant que les théâtres planifient leurs saisons, les publics choisissent parmi un monde entier de divertissements.

Peut-être, comme l’a fait remarquer Goodwin, que Christopher Nolan vient de sortir un film.

Les gens savent ce que c’est.

Ils ne connaissent peut-être pas la pièce qui a cartonné dans une autre ville l’année dernière.

Alors, que fait-on ?

« Il faut sortir dans la rue. »

Goodwin vient de la promotion de rue à Chicago, et ayant moi-même vécu et étudié à Chicago, j’entendais cette histoire de Chi-Town dans sa manière de parler des publics.

« Parfois, nous ne sommes pas disposés à écouter vraiment, à nous immerger dans les communautés, car nous utilisons souvent les mots communauté et audience, mais qu’est-ce que ça signifie vraiment ? »

Pour Goodwin, atteindre les publics nécessite plus que les faire entrer dans les lieux. Il faut comprendre qui ils sont vraiment, les écouter, et rester pertinent à leurs yeux.

« Il faut trouver ce terrain d’entente et rester constamment pertinent », a-t-il dit. « Je pense que c’est une question d’humilité. Je pense que c’est une question d’aversion au risque. »

Cette nuance est importante.

Si le problème est simplement marketing, les théâtres peuvent acheter plus de publicités. Si c’est une question de mentalité, la solution est plus profonde.

Goodwin a appris cette leçon bien avant de s’asseoir derrière le bureau d’un directeur artistique.

Il l’a apprise grâce au Hip-Hop.

Au cours de notre conversation, Goodwin a évoqué KRS-One et une philosophie sur ce que signifie être un MC.

« Ce sont les gens qui te donnent le pouvoir d’être MC », a dit Goodwin. « Il disait que si tu montes sur scène et que la première chose que tu dis est : ‘Tout le monde, lève les mains en l’air’, et qu’ils ne le font pas, c’est de ta faute. »

Pour Goodwin, il faut d’abord gagner le public.

« Tu sors là et tu leur donnes ta meilleure rime, ton meilleur flow. Et une fois qu’ils te ressentent, que tu as établi cette relation, alors tu peux dire : ‘Levez les mains en l’air.’ »

Cette philosophie est devenue la base de l’approche de Goodwin dans son propre travail.

« Je dois m’assurer d’avoir fait mon travail et d’engager les gens de manière authentique, pas seulement avec ce que j’écris, mais avec tout mon être, ce que je suis, mes valeurs, mes philosophies. »

Les costumes, la production, le spectacle, tout cela peut enrichir l’expérience. Mais rien ne peut remplacer la relation.

« Je peux avoir la tenue la plus stylée. Je peux avoir des effets pyrotechniques, tout ça, mais c’est secondaire par rapport à la question : ai-je une vraie relation authentique avec ce public ? Est-ce qu’ils me ressentent ? »

Est-ce qu’ils me ressentent ? Cette question m’est restée en tête.

Le théâtre passe beaucoup de temps à se demander comment ramener les publics. Peut-être que la question plus inconfortable est : leur avons-nous donné suffisamment de raisons de revenir ?

Lorsque je lui ai demandé ce dont le théâtre américain doit se débarrasser pour avancer, il n’a pas proposé d’initiative, de plan stratégique ou de nouveau modèle industriel. Il est revenu aux fondamentaux.

« Nous devons revenir à la Poétique d’Aristote et à ce qu’il dit en termes de fondamentaux », a-t-il dit. « Qu’est-ce que les êtres humains réunis dans un espace ont besoin ? Nous avons besoin de catharsis, de pathos. Il faut revenir au peuple. »

Revenir au peuple signifie aussi clarifier quel métier le théâtre exerce réellement.

« Êtes-vous dans le secteur immobilier ? Êtes-vous dans le storytelling ? C’est la question centrale », a déclaré Goodwin. « Le théâtre est-il la chose que nous faisons ? Est-ce un verbe ? Est-ce que nous faisons du théâtre ou sommes-nous dans un théâtre ? Sommes-nous dans le business de la gestion d’un théâtre ? »

Goodwin ne réfléchissait pas seulement de manière théorique à ce qu’un retour à ces fondamentaux pourrait donner. Il a cité des artistes qui font déjà ce travail et créent des modèles pour ce qui pourrait venir.

Un de ces exemples est MEXODUS, créé et joué par Brian Quijada et Nygel D. Robinson.

« Ce qu’ils font en ce moment est électrisant », a-t-il affirmé.

Goodwin connaît Quijada depuis How We Got On, présenté au Festival Humana en 2012 et qui fut l’une des premières grandes productions professionnelles de Quijada.

Plus d’une décennie plus tard, Goodwin voit dans ce que Quijada et Robinson ont créé ensemble, deux artistes en boucle live, composant, jouant et construisant un univers théâtral entier, un modèle possible pour l’avenir du théâtre.

« Le spectacle est clair, et ils ont eu dès le début des théâtres qui les ont soutenus et qui croyaient en ce qu’ils faisaient », a-t-il dit. « Cette pièce est, pour moi, un modèle pour la suite. »

Pour Goodwin, MEXODUS ne signifie pas que chaque production future doive avoir deux acteurs utilisant la boucle live. Il s’agit de ce qui peut arriver lorsque les artistes ont l’espace pour construire, expérimenter et découvrir leur propre langage ensemble, avec une infrastructure qui soutient l’art au lieu de le définir.

La vision de Goodwin pour l’avenir ne se limite pas aux institutions ou aux artistes déjà présents. Notre conversation revenait sans cesse vers les jeunes qui cherchent encore leur voie.

Et en regardant son travail, il y a un groupe de jeunes pour lequel il continue à faire de la place : les garçons noirs.

La vision de Goodwin pour ce qui vient après ne se limite pas à l’engagement du public ou au soutien institutionnel aux artistes. On ne peut parler d’un prochain acte sans reconnaître la génération suivante et qui a la chance de se voir dans les histoires que nous racontons.

Pour Goodwin, cela signifie souvent faire de la place pour les garçons noirs.

De How We Got On à son adaptation de Ghost de Jason Reynolds en passant par son propre roman jeunesse King of the Neuro Verse, Goodwin met régulièrement en lumière de jeunes garçons noirs dont les talents ne sont pas toujours immédiatement perceptibles par les adultes ou les systèmes qui les entourent.

Je lui ai demandé ce qui le ramène sans cesse vers les jeunes.

« J’essaie d’écrire ce dont j’avais besoin et envie, en pensant à tous les autres garçons noirs là-bas », a-t-il dit.

Pour Goodwin, cette responsabilité est devenue encore plus personnelle quand il est devenu père.

« J’étais un papa tout nouveau, et je voulais que mes enfants viennent au travail et voient ce que je fais, et je voulais aussi avoir un vrai impact sur la génération suivante, les générations futures. »

Goodwin a grandi en aimant Marty McFly, Luke Skywalker, Han Solo. Il se souvient de ne pas avoir vu beaucoup de garçons noirs qui lui ressemblaient reflétés autour de lui. Alors, dans son propre travail, il a été intentionnel pour élargir ce que les garçons noirs peuvent imaginer pour eux-mêmes.

« J’essaie d’aller au-delà des récits tragiques », a-t-il dit. « Je veux nous voir dans la science-fiction. Je veux nous voir dans des pièces célébrant le Hip-Hop et le passage à l’âge adulte. Je veux nous voir dans des pièces étranges, surnaturelles. »

Goodwin veut que les garçons noirs aient accès à la même étendue d’imagination qu’il cherchait enfant, afin de se voir non seulement survivre, mais explorer, créer, bricoler et exister dans des mondes où leurs possibilités sont vastes.

Il peut y avoir une énorme pression dans cette industrie à devenir lisible comme une seule chose.

Dramaturge.

Metteur en scène.

Producteur.

Éducateur.

Choisissez le titre. Construisez la marque. Facilitez la compréhension des autres quant à la case dans laquelle vous mettre.

La carrière de Goodwin a résisté à cela.

Pour les artistes multidisciplinaires qui cherchent à définir la portée de leur prochain acte, Goodwin partage un conseil simple :

« Quoi que tu doives faire, n’abandonne pas. »

Il ne romantise pas le chemin pour construire une vie artistique.

« C’est du travail acharné », a-t-il dit. « Ce n’est pas facile, ça vient d’un endroit, ça a un coût, tout ça. »

Pourtant, il encourage les artistes à continuer d’explorer.

« Reste curieux, reste humble. Aime ça, aime l’artisanat, et vois aussi où se trouvent les opportunités », a-t-il dit. « Quelles histoires ne sont pas racontées ? Quelles choses veux-tu voir et que d’autres pourraient aussi apprécier ? »

Car une carrière artistique n’est pas quelque chose qu’on trouve une bonne fois pour toutes. Elle évolue. Elle change. Il y a des saisons.

« C’est un processus. C’est un voyage, avec des hauts, des bas, des saisons, des chapitres, et tu ne peux pas, tu dois continuer à avancer. »

Et à travers toutes ces saisons, Goodwin revient toujours à une chose.

« Tu dois être amoureux du processus. Tu dois juste aimer le processus. »

Cela paraît évident venant de Goodwin en ce moment précis de sa vie. Il approche de la cinquantaine, retourne en salle de classe et embrasse plus intentionnellement le rôle d’éducateur et de mentor. Il écrit toujours, crée encore et explore ce que l’histoire peut encore accomplir.

Son prochain acte ne signifie pas abandonner tout ce qu’il a été ni choisir finalement une voie.

Il consiste à aller plus profondément dans ce qui les a toujours liés.

L’histoire.

Avant de clore notre conversation, je lui ai posé la question que je prévois de poser à tous les artistes qui s’asseoiront avec moi pour The Next Act :

Finissez cette phrase :

Le prochain acte du théâtre américain sera...

« Un retour engagé aux fondamentaux de la narration théâtrale. »

À ce moment-là, sa réponse semblait être le point vers lequel toute notre conversation nous avait conduits.

Retour au peuple.

Retour aux artistes ayant l’espace pour créer et aux jeunes ayant l’espace pour imaginer. Retour au souvenir qu’un public ne nous doit pas son attention. Nous devons la mériter.

Peut-être que pour arriver au prochain acte du théâtre, il ne faut pas tout réinventer.

Peut-être que nous nous rappelons pour qui nous racontons des histoires.

Nous sortons dans la rue.

Nous écoutons.

Nous créons quelque chose qui vaut d’être partagé.

Et ensuite, si nous avons de la chance, comme l’a dit KRS-One, peut-être qu’ils lèveront les mains en l’air.

Crédit photo : Idris Goodwin