Il prossimo atto: Idris Goodwin su come riportare il teatro al popolo

Nel primo episodio di The Next Act, una nuova serie di BroadwayWorld che mette in luce gli artisti e i leader creativi che stanno plasmando il futuro del teatro, mi sono seduto con Idris Goodwin per parlare di narrazione, pubblico, leadership artistica, Hip-Hop, giovani ragazzi neri e di cosa il teatro americano potrebbe dover ricordare prima di poter andare avanti.

Idris Goodwin sta pensando al suo prossimo atto.

Non perché il drammaturgo, poeta, romanziere, regista, educatore e leader artistico stia rallentando. Anzi, tutt'altro. Avvicinandosi ai 50 anni e iniziando un nuovo capitolo come Professore Associato di Scrittura Drammatica presso la Arizona State University, Goodwin riflette profondamente su dove vuole investire il suo tempo, la sua conoscenza e le sue storie.

"È vivere una vita ancora più centrata sulla storia", mi ha detto. "365 giorni all'anno, 24/7, storia, raccontare storie, comunità, costruzione di storie, architettura della storia."

Per un artista la cui carriera non è mai stata interessata a rimanere in una sola corsia, questo nuovo capitolo non riguarda necessariamente la scelta di una sola strada. Si tratta di riconoscere la cosa che le ha connesse tutte.

La storia.

"Voglio trascorrere questo prossimo capitolo significativo della mia vita davvero assumendo il ruolo di maestro educatore, maestro mentore", ha detto Goodwin, "ma anche dedicando le mie competenze, il mio intelletto e la mia energia a portare avanti questa tradizione antica ed essenziale della narrazione."

Insegnare, scrivere, fare da mentore, dirigere, guidare. Per Goodwin, non sono carriere separate quanto modi diversi di fare lo stesso lavoro.

E da qualche parte nella nostra conversazione sul prossimo atto di Goodwin, è emersa un'altra domanda.

Come sarà il prossimo atto del teatro americano?

Goodwin ha una prospettiva particolarmente interessante perché ha visto l'industria da molteplici lati.

Prima ancora di ricoprire i ruoli di direttore artistico o direttore esecutivo, ha compreso qualcosa sugli artisti che non sempre viene riconosciuto.

"Ogni creatore, ogni persona creativa, è in un certo senso il proprio CEO", ha detto. "Devi investire tempo, spazio, fiducia, e si tratta di un investimento."

Entrare nella leadership istituzionale gli ha dato una visione diversa di ciò che chiama "l'affare della storia."

Gran parte del periodo in cui Goodwin ha ricoperto ruoli di leadership si è svolto durante la pandemia di COVID. Un momento di consapevolezza razziale nazionale, di disordini sociali, di crescente ostilità politica verso le persone di colore e un'industria che metteva pubblicamente in discussione chi deteneva il potere e se le istituzioni fossero veramente disposte a cambiare.

Goodwin ha avuto la possibilità di guardare dietro le quinte.

Ciò che ha visto ha contribuito a chiarire dove voleva e non voleva investire la sua energia creativa.

"Io mi muovo velocemente. Sono molto collaborativo. Sono molto aperto. Mi muovo rapido e deciso", ha detto. "Ho scoperto che gli ingranaggi del teatro nonprofit tradizionale, persino di un teatro per ragazzi (TYA), si muovevano troppo lentamente per me."

Ha capito che il suo impatto più grande potrebbe non avvenire dietro una scrivania istituzionale.

Potrebbe avvenire proprio dove la cosa stessa viene creata.

"Sapevo che il mio posto era fondamentalmente nella sala prove, nel laboratorio, dove possiamo muoverci veloci. Possiamo essere agili. Possiamo essere in vero dialogo come creativi e come artisti."

Da lì, Goodwin crede che gli artisti possano trovare quel che chiama "il terreno giusto" affinché il loro lavoro possa mettere radici e crescere.

Quanto visto dietro le quinte ha anche influenzato il modo in cui pensa alle persone che stanno dall'altra parte del sipario.

Così gli ho chiesto: il teatro americano ha un problema con il pubblico?

Non ho fatto in tempo a finire la domanda.

"Sì."

Goodwin non parla semplicemente delle vendite dei biglietti o di far tornare il pubblico dopo la pandemia. Sta mettendo in discussione il modo in cui il teatro pensa al pubblico fin dall'inizio.

"Il teatro ha un problema di pubblico perché facciamo molto, è tutto molto autoreferenziale", ha spiegato.

Ed è vero.

Chi lavora nel teatro conosce il linguaggio teatrale. Comprendiamo la settimana tecnica. Capisci perché tutti scompaiono con l'avvicinarsi della prima. Comprendiamo le conversazioni che ci siamo convinti essere urgenti.

Ma tutti gli altri hanno una vita.

Lo spettacolo apre. La gente arriva. Lo vede. Forse piace. Forse no. E poi, come ha detto Goodwin, "vanno avanti con la loro vita."

"Spesso facciamo teatro per altri addetti ai lavori," ha detto.

L'industria ha passato decenni a parlare di sviluppo del pubblico. Questa conversazione si è infine intrecciata con diversità e rappresentanza. Diversificare lo staff. Diversificare i drammaturghi. Diversificare le storie. Poi, in qualche modo, arriveranno pubblici completamente nuovi.

Goodwin mette in discussione questa supposizione. L'idea che programmare un'opera di un drammaturgo nero significhi automaticamente che la comunità nera si presenterà ignora qualcosa di abbastanza ovvio: nessuna comunità è un monolite. Le persone hanno gusti diversi, interessi diversi e, semplicemente, cose diverse che competono per il loro tempo.

E mentre i teatri pianificano le stagioni, i pubblici scelgono da un intero mondo di intrattenimento.

Forse, come ha fatto notare Goodwin, Christopher Nolan ha appena rilasciato un film.

La gente sa cos'è quello.

Potrebbero non conoscere il pezzo teatrale che è stato un successo in un'altra città l'anno scorso.

Allora, cosa facciamo?

"Dobbiamo scendere in strada."

Goodwin viene dalla promozione di strada a Chicago, e avendo vissuto e studiato a Chicago, ho potuto percepire quella storia chi-town nel modo in cui parla del pubblico.

"A volte non siamo disposti ad ascoltare davvero, a entrare a fondo nelle comunità perché usiamo parole come comunità e pubblico, ma cosa significa veramente?"

Per Goodwin, raggiungere il pubblico richiede più che far entrare le persone dalle porte. Richiede capire chi sono effettivamente queste persone, ascoltarle e rimanere rilevanti per loro.

"Devi trovare un terreno di mezzo e devi costantemente restare rilevante," ha detto. "Penso sia un problema di umiltà. Penso sia un problema di avversione al rischio."

Questa distinzione conta.

Se il problema è solo di marketing, i teatri possono comprare più pubblicità. Se il problema è mentale, la soluzione richiede qualcosa di più profondo.

Goodwin ha imparato questa lezione molto prima di sedersi dietro una scrivania da direttore artistico.

L'ha imparata dall'Hip-Hop.

Durante la nostra conversazione, Goodwin ha citato KRS-One e una filosofia su cosa significhi essere un MC.

"Le persone ti danno il potere di essere un MC," ha detto Goodwin. "KRS-One dice che se vai sul palco e la prima cosa che fai è dire, 'Tutti alzate le mani in aria,' e loro non lo fanno, la colpa è tua."

Per Goodwin, devi guadagnarti prima il pubblico.

"Vai là fuori e dai loro il tuo miglior verso. Dai loro il tuo meglio. E una volta che ti sentono, una volta stabilito quel rapporto, allora puoi dire, 'Alzate le mani in aria.'"

Quella filosofia è diventata fondamentale nell'approccio di Goodwin al proprio lavoro.

"Devo assicurarmi di aver fatto il mio lavoro e di poter coinvolgere le persone in modo autentico, non solo con quello che scrivo, ma con tutto il mio spirito, con chi sono, con ciò che rappresento, con le mie filosofie."

I vestiti, la produzione, lo spettacolo, tutto ciò può aggiungere all'esperienza. Ma nulla può sostituire la relazione.

"Posso avere l'outfit più figo. Posso avere i fuochi d'artificio, tutto questo, ma è secondario rispetto a: ho una relazione autentica con questo pubblico? Loro sentono me?"

Loro sentono me? Questa domanda mi è rimasta impressa. 

Il teatro spende molto tempo a chiedersi come riportare il pubblico. Forse la domanda più scomoda è: gli abbiamo dato abbastanza motivi per tornare?

Quando ho chiesto a Goodwin cosa il teatro americano dovrebbe abbandonare per andare avanti, non ha proposto un'altra iniziativa, un piano strategico o un nuovo modello industriale. Invece, è tornato ai fondamentali.

"Dobbiamo tornare alla Poetica di Aristotele e a ciò di cui parla riguardo ai fondamentali", ha detto. "Cosa serve agli esseri umani che si raccolgono in uno spazio? Abbiamo bisogno di catarsi. Abbiamo bisogno di pathos. Dobbiamo tornare al popolo."

Tornare al popolo significa anche essere chiari sul vero business in cui il teatro opera.

"Sei nel settore immobiliare? Sei nel settore della narrazione? Questa è la domanda centrale," ha detto Goodwin. "Il teatro è la cosa che facciamo? È un verbo? Stiamo facendo teatro o siamo in un teatro? Siamo nel business di gestire un teatro?"

Goodwin non stava solo pensando in modo teorico a cosa potrebbe significare un ritorno a quei fondamentali. Ha indicato artisti che stanno già facendo questo lavoro e creando modelli per ciò che potrebbe accadere dopo.

Uno di questi esempi è MEXODUS, creato e interpretato da Brian Quijada e Nygel D. Robinson.

"Quello che stanno facendo adesso è elettrizzante," ha detto.

Il rapporto di Goodwin con Quijada risale a How We Got On, che si è presentato al Festival Humana nel 2012 ed è stata una delle prime produzioni professionali importanti di Quijada.

Più di un decennio dopo, Goodwin vede ciò che Quijada e Robinson hanno creato insieme, due artisti che fanno live-looping, colonna sonora, recitazione e costruzione di un intero mondo teatrale, come un modello possibile per la direzione futura del settore.

"Lo spettacolo è chiaro, e hanno avuto teatri che li hanno supportati fin dall'inizio, credendo in quello che facevano," ha detto. "Quell'opera, per me, è ciò a cui dovremmo tutti guardare come modello per il futuro."

Per Goodwin, MEXODUS non significa che ogni futura produzione debba avere due attori e live looping. Si tratta di cosa può succedere quando agli artisti viene dato lo spazio per costruire, sperimentare e scoprire il proprio linguaggio insieme, con un'infrastruttura che arriva a supportare l'arte anziché a definirla.

La visione di Goodwin per il futuro non è limitata alle istituzioni o agli artisti già presenti in sala. La nostra conversazione tornava continuamente ai giovani che stanno ancora trovando la loro strada.

E guardando il suo lavoro, c'è un gruppo di giovani per cui continua a creare spazi: i ragazzi neri.

La visione di Goodwin per ciò che viene dopo non si limita all'engagement del pubblico o a come le istituzioni supportano gli artisti. Non si può parlare di un prossimo atto senza riconoscere la prossima generazione e chi ha la possibilità di vedersi riflesso nelle storie che raccontiamo.

Per Goodwin questo ha spesso significato fare spazio ai ragazzi neri.

Da How We Got On alla sua adattamento del romanzo di Jason Reynolds Ghost fino al suo romanzo Young Adult King of the Neuro Verse, Goodwin pone ripetutamente al centro giovani ragazzi neri i cui talenti non sono sempre immediatamente evidenti agli adulti o ai sistemi che li circondano.

Gli ho chiesto cosa lo riporti continuamente ai giovani.

"Sto cercando di scrivere le cose di cui avevo bisogno e che volevo e pensando a tutti gli altri ragazzi neri là fuori," ha detto.

Per Goodwin, questa responsabilità è diventata ancora più personale quando è diventato padre.

"Ero un papà abbastanza nuovo e volevo che i miei figli venissero al lavoro a vedere cosa faccio, e volevo anche avere un vero impatto sulla prossima generazione, sulle generazioni future."

Goodwin è cresciuto amando Marty McFly, Luke Skywalker, Han Solo. Ricorda di non aver visto molti ragazzi neri riflessi in quelle immagini. Così nel suo lavoro è stato intenzionale nell'ampliare ciò che i ragazzi neri possono immaginare per sé.

"Sto cercando di andare oltre le storie tragiche," ha detto. "Voglio vederci nella fantascienza. Voglio vederci in spettacoli celebrativi sul Hip-Hop e il passaggio all'età adulta. Voglio vederci in pezzi strani e soprannaturali."

Goodwin vuole che i ragazzi neri abbiano accesso alla stessa ampiezza di immaginazione che lui cercava da bambino, per vedersi non solo sopravvivere, ma esplorare, creare, inventare e esistere in mondi in cui le loro possibilità sono vaste.

Nell'industria può esserci una enorme pressione a diventare leggibile come una sola cosa.

Drammaturgo.

Regista.

Produttore.

Educatore.

Scegli il titolo. Costruisci il marchio. Rendi facile per tutti capire in quale scatola metterti.

La carriera di Goodwin ha resistito a questo.

Per artisti multidisciplinari che cercano di capire il campo del proprio prossimo atto, Goodwin ha condiviso un consiglio semplice:

"Qualunque cosa devi fare, non mollare."

Non idealizza ciò che serve per costruire una vita artistica.

"È duro lavoro," ha detto. "Non è facile, viene da un posto e ha un costo e tutto quello."

Eppure, incoraggia gli artisti a continuare a esplorare.

"Resta curioso, resta umile. Amalo, ama l’arte, e guarda anche dove ci sono opportunità," ha detto. "Quali storie non vengono raccontate? Quali sono le cose che vuoi vedere e che pensi che anche altri potrebbero apprezzare?"

Perché una carriera artistica non è qualcosa che si capisce una volta sola. Si muove. Cambia. Ci sono stagioni.

"È un processo. È un viaggio, e hai alti e bassi, stagioni e capitoli, e non puoi, devi solo continuare ad andare avanti."

E attraverso tutte quelle stagioni, Goodwin torna a una sola cosa.

"Devi amare il processo. Devi solo amare il processo."

È significativo che queste parole vengano da Goodwin in questo momento particolare della sua vita. Sta per compiere 50 anni, torna in aula e si sta facendo più intenzionalmente educatore e mentore. Sta ancora scrivendo, creando e esplorando cos'altro possa fare la storia.

Il suo prossimo atto non riguarda l'abbandono di tutto ciò che è stato o la scelta finale di uno solo.

Si tratta di andare più a fondo nella cosa che li ha sempre connessi.

La storia.

Prima di concludere la nostra conversazione, ho posto a Goodwin la domanda che intendo fare a ogni artista che si siede con me per The Next Act.

Completa questa frase:

Il prossimo atto del teatro americano sarà...

"Un ritorno impegnato ai fondamenti della narrazione teatrale."

Da quel momento, la sua risposta è sembrata il punto verso cui tutta la nostra conversazione ci aveva condotto.

Di nuovo al popolo.

Di nuovo ad artisti che hanno spazio per creare e giovani che hanno spazio per immaginare. Di nuovo a ricordare che un pubblico non ci deve la sua attenzione. Dobbiamo guadagnarcela.

Forse arrivare al prossimo atto del teatro non richiede di reinventare tutto.

Forse ricordiamo per chi stiamo raccontando storie.

Scendiamo in strada.

Ascoltiamo.

Creiamo qualcosa per cui valga la pena radunarsi.

E poi, se siamo fortunati, come ha detto KRS-One, forse alzeranno le mani in aria.

Photo Credit: Idris Goodwin