Critique : PRIDE, Théâtre National

Avant même que les lumières ne s'éteignent à la fin du spectacle, le public est déjà en train de se lever. Des applaudissements assourdissants remplissent une salle qui, quelques secondes auparavant, était emplie de sanglots et de reniflements à peine contenus. Telle est l'énorme charge émotionnelle au cœur de la nouvelle comédie musicale Pride, basée sur le film de 2014 du même nom. 

De manière inhabituelle, cette adaptation musicale a été réalisée par le même réalisateur et scénariste que le film, Matthew Warchus et Steven Beresford. Tous deux racontent l'extraordinaire histoire vraie de Lesbians and Gays Support the Miners (LGSM), un groupe de collecte de fonds queer basé à Londres, et leur lien avec les habitants d'un village minier gallois – le tout dans le contexte politique des années 80 marqué par le thatchérisme et le début de la crise du SIDA. 

Les attentes ont longtemps été élevées pour cette comédie musicale, le film étant devenu un classique moderne largement adoré. Ici, Warchus & Beresford restent fidèles à leur scénario (si ce n'est pas cassé…) mais s'appuient sur la riche histoire queer du théâtre musical pour réimaginer et réinterpréter l'histoire avec un regard ludique. Ce changement de forme leur permet de extraire de nouveaux moments de caractère et de nouvelles opportunités de rire et d'émotion. 

Fidèle qu'elle soit, ce qui distingue le spectacle scénique du film est l'impact indéniable d'un auditorium entier. Cette histoire sur la connexion humaine devient infiniment plus profonde lorsqu'elle est vécue aux côtés d'une salle remplie d'inconnus, et nous rappelle non seulement le pouvoir de la solidarité politique, mais aussi la valeur inhérente du théâtre vivant. 

Warchus utilise son expertise dramatique pour transformer le théâtre en un outil de narration. L'ensemble central de LGSM devient nos narrateurs, interagissant avec le passé et le présent d'une manière qui commence par être légèrement déstabilisante mais finit par être profondément significative.

Le véritable triomphe de cette théâtralité, cependant, est l'ouverture de l'Acte 2 dirigée par Jonathan (Samuel Barnett). Une combinaison spectaculaire de bris du quatrième mur, d'introspection douloureuse et de pur showbiz, c'est un exemple parfait de cela, s'appuyant sur la riche histoire queer du théâtre musical en tant qu'art. Warchus sait quand être totalement flamboyant et quand revenir à l'essentiel, ce qui devient un succès déterminant du spectacle. 

Nulle part cela n'est plus évident que dans la bande sonore (par Christopher Nightingale, Josh Cohen, et DJ Wade), qui combine des numéros de comédie musicale à plein volume avec la musique influencée par le chœur du sud du Pays de Galles. C'est une manière astucieuse de contraster ces deux communautés très différentes, menant à des moments mémorables lorsque les deux moitiés se rejoignent. Il convient de dire qu'il y a au moins quelques numéros musicaux oubliables, qui auraient peut-être pu être imaginés de manière plus audacieuse. Le rythme également est peut-être légèrement déséquilibré - l'Acte 1 est une comédie musicale parfaitement amusante, bien qu'un peu lente, tandis que l'Acte 2 est constamment exceptionnel, et abrite la plupart des meilleures chansons du spectacle.

Beaucoup des numéros musicaux les plus mémorables sont ceux qui utilisent le poids de l'ensemble complet, tant vocalement que visuellement. Cela est vrai pour toutes les scènes iconiques situées sur la ligne de piquet et le défilé de fierté, ainsi que pour le concert des Pitts et Pervers. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas de moments calmes qui brillent - en particulier l'utilisation d'un motif de 'maman' utilisé par Lewis Cornay dans le rôle de Bromley et repris plus tard de manière très astucieuse et émouvante. 

Pride est un exemple de casting de théâtre musical réussi. Le directeur de casting David Grindrod a rassemblé une distribution talentueuse principalement composée d'interprètes gallois et/ou LGBTQ, et l'authenticité est palpable. Il n'y a pas de lien faible en vue, et presque chaque personnage a son moment sous les projecteurs. Pas de casting de célébrités ici : juste des acteurs de scène qui travaillent au sommet de leur art. 

Le point fort, cependant, est Samuel Barnett dans le rôle de Jonathan. Élargi par rapport au film, grâce à son affinité naturelle pour le théâtre, il exsude un camp rétro familier, ajoutant des éléments à des moments de fond. Ses numéros musicaux sont fabuleux et tellement amusants à regarder. Comme beaucoup de personnages, il lutte également contre le spectre du SIDA, et cet équilibre délicat est bien réalisé. 

Des performances marquantes viennent également de Jhon Lumsden dans le rôle du révolutionnaire Mark Ashton, incarnant parfaitement le jeune rebelle et un homme fort. Le charme de Cornay dans le rôle de Bromley à l'Acte 1 fonctionne bien, avant de finalement se lancer dans l'une des chansons les plus emblématiques du spectacle. C'est dommage que Courtney Barnett dans le rôle de la lesbienne isolée Stef ne soit pas davantage mise en avant (ou avec d'autres lesbiennes), mais elle se débrouille bien. 

Pride perdrait une grande partie de son cœur sans toutes les femmes de la vallée, qui ont un numéro de groupe hilarant lors de leur grande nuit à Londres. Cela, comme tant d'autres moments du spectacle, est rempli de joie, de surprise et de comédie, il est impossible de ne pas sourire tout au long. 

Cependant, des histoires avec autant d'émotion derrière elles sont un équilibre délicat - dans des mains moins compétentes, cela aurait pu devenir guindé ou excessif, essayant trop fort d'extorquer des larmes à son public. Heureusement, les moments poignants du deuxième acte sont traités avec respect et sensibilité (ce qui ne veut pas dire que les larmes ne coulaient pas). 

Il peut être dit qu'une histoire aussi révolutionnaire que celle-ci (avec Ashton, un communiste fier), mérite une adaptation plus expérimentale et radicale. Bien qu'il y ait quelque chose à rêver, présenter cette histoire comme une comédie musicale accessible, riche en divertissement, est sans doute plus audacieux - cela montre comment ce véritable morceau d'histoire britannique est universellement pertinent et s'adresse à un public beaucoup plus large, élargissant finalement la portée du message de solidarité du spectacle.

Dans une Grande-Bretagne plus divisée que jamais, ce message de solidarité ne pourrait pas arriver à un meilleur moment. Pride semble être sur le point de devenir la prochaine grande chose - et quelle gloire que la prochaine grande comédie musicale britannique soit si fièrement et intensément queer et ouvrière.

Pride se joue au Théâtre National (Dorfman) jusqu'au 12 septembre.

Crédit Image : Manuel Harlan
 

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