워크숍에서 브로드웨이까지: 새로운 뮤지컬의 세계 내부

새로운 뮤지컬에서 연기하기 위해 필요한 것은 무엇일까요? 대부분의 배우들은 캐스트 레코딩과 공연 전날 변경되지 않는 고정된 대본을 가진 기존 작품들에서 공연하는 것에 익숙합니다. 하지만 뉴욕시에서는 배우들이 매일 크고 작은 무대에서 원작 쇼가 쓰이고 공연되는 활기찬 새로운 작품 현장에 발을 들일 수 있습니다.

새로운 뮤지컬 현장이 가진 독자적인 풍경과 산업 동태가 있으므로, 공연자들이 뛰어들기 전에 무엇을 알아야 할까요? 이 가이드는 기본적인 풍경 개요부터 배우들이 성공을 위해 준비할 수 있는 특정 기술들까지 새로운 뮤지컬에서 연기하는 것에 대한 간단한 소개를 제공합니다.

뮤지컬 극장 산업에서 “신작”이란 무엇인가요?

뉴욕시의 신작 현장은 다양하며, 원작 뮤지컬은 비공식적인 거실 낭독회부터 브로드웨이 향의 새로운 쇼에 이르기까지 모든 규모에서 생명을 얻습니다. 작품의 초기 개발 단계에서 작가들은 초대된 사람만 참석할 수 있는 테이블 리딩을 개최하여 초안이 소규모 관객 앞에서 어떻게 공연되는지를 파악할 수 있습니다. 다른 경우에는 뮤지컬이 카바레 또는 페스티벌에서 먼저 공개적으로 발표됩니다. 경험이 풍부한 프로듀서의 지원을 받는 자본이 충분한 쇼는 종종 산업 표준인 29시간 리딩을 개최합니다. 이 리딩은 모든 리허설과 공연의 총합이 29시간 이내여야 한다는 등 특정 배우 연합 규칙을 따릅니다 (그래서 이름이 붙여졌죠), 또한 티켓 판매나 비디오 녹화는 금지되어 있습니다.

“신작은 다양한 형태를 취할 수 있으며 서로 다른 약속 수준을 수반할 수 있습니다. 하지만 만약 당신이 신작에 대해 열정이 있다면, 아마도 당신에게 그런 기회가 있을 것입니다,”라고 멜로디 무니츠, 신작 중심으로 설립된 가상 스테이지 연구소의 공동 창립자이자 배우 겸 프로듀서가 말했습니다. 초기 경력의 배우들에게, “어쩌면 그것은 29시간 리딩이 아닐 수도 있고, 당신이 대본 작업을 해온 친구일 수도 있습니다. 당신은 아직 존재하지 않는 캐릭터를 위해 대사를 읽는 게 어떤 것인지 경험할 수 있습니다.” 무니츠는  1년 동안 애드ams 가족의 웬즈데이 역할을 맡았던 경험이 있는 그녀는 신작 작업을 창의적 충족감과 전문적 성장의 기회로 소중히 여깁니다.

신작들은 끊임없이 창작되고 다양한 수준에서 공연되기 때문에, 원작 뮤지컬은 배우들이 뮤지컬 극장 산업에 발을 들이고 전문적인 네트워크를 구축할 수 있는 귀중한 장소를 제공합니다. 때로는 신작이 카바레나 워크숍에서 단일 곡으로 처음 발표되기도 합니다. 그래서 만약 당신이 원작 뮤지컬에 발을 담그고 싶지만 풀레인지 공연에 헌신하고 싶지 않다면, 새로운 뮤지컬 극장 곡들이 포함된 카바레에서 시작하는 것이 좋습니다.

어떻게 배우들이 신작에서 역할을 찾을 수 있을까요?

신작에서 연기하려면, 작가와 프로듀서들이 초기 단계의 뮤지컬에서 어떻게 캐스팅을 진행하는지 이해하는 것이 중요합니다. 쇼가 무대에 올라오기 전, 제작진은 종종 배우들에게 직접 연락을 취하는데, 이때 네트워킹과 좋은 전문 평판을 쌓는 것이 특히 중요합니다.

“그린 룸 42 또는 54 아래에서 콘서트를 진행하다 보면, 당신은 다른 공연자들과 연결되고, ‘아, 저들은 이 프로젝트에 딱 맞는 배우들이야’라고 생각하게 될 것입니다,”라고 레만 엔겔 워크숍에서 활동하고 소셜 미디어에서 수백만 회의 조회수를 기록한 원작 뮤지컬 극장 곡의 배우이자 작곡가인 야엘 카롤리가 말했습니다. “하지만 저는 누구에게나 보일 수 있는 기회를 주는 것이 중요하다고 믿습니다. 왜냐하면 모두가 이 뮤지컬 극장 대학에 들어가거나 이러한 네트워크에 들어갈 수 있는 것은 아니기 때문입니다.” 그녀가 쇼를 작성할 때 프로젝트가 공개 오디션에 적합하다면, 카롤리는 폭넓은 인재 Pool을 위해 오디션을 공개적으로 게시합니다.

오픈 오디션 기회를 찾으려면, 배우들은 브로드웨이 월드의 공정 및 비공정 목록에서 새로운 뮤지컬을 찾아볼 수 있으며, 액터스 액세스와 같은 사이트를 통해 역할에 직접 지원할 수 있습니다. 대리인을 둔 배우들은 오디션이 종종 대리인을 통해 들어오기 때문에, 캐스팅 디렉터와 직접 일하지 않는 더 높은 프로파일의 프로젝트에 대한 문을 여는 경우가 많습니다.

그렇지만 많은 신작에서는 역할이 오디션으로 캐스팅되지 않습니다. 특히 29시간 리딩은 “보통 큰 프로젝트이며, 일부 A급 스타들이 붙어 있을 수 있습니다,”라고 무니츠가 말합니다. “이 방에 들어가기 위해 신작 경험으로 탄탄한 경력을 갖고 있어야 한다고는 할 수 없지만, 그 공간에 가기 위해서는 정말로 연결이 필요합니다.” 규모가 작더라도, 작가들은 종종 그들이 알고 있거나 다른 쇼에서 존경하는 배우들과 작업하기를 원합니다. 따라서 새로운 뮤지컬에서 연기하기 위해서는 업계에서 좋은 평판을 쌓는 것이 특히 중요합니다.

신작에서 가장 중요한 기술은 무엇인가요?

신작에서 정기적으로 공연할 계획이라면, 음악을 잘 읽는 것이 중요합니다. “가장 좋은 기술 중 하나는 음악을 빠르게 익히고 시점 읽기를 할 수 있는 능력입니다,”라고 카롤리가 말합니다. 종종 새로운 작품은 리허설 시간이 매우 제한된 상태에서 음악 스탠드에서 공연으로 시작합니다. “페이지의 음이 가장 중요하지 않아야 합니다. 왜냐하면 당신은 캐릭터를 창조해야 하고, 이 세계의 일원이 되어야 하며, 이야기 속에 몰입해야 하기 때문입니다.” 학교에 다니는 배우들에게 카롤리는 가능한 한 음악 이론 수업을 수강하는 것을 추천합니다.

또한 다양한 연출 스타일을 해석할 수 있는 것도 중요합니다. 특히 쇼에서 새로운 순간을 찾고 있을 때 그렇습니다. “우리는 항상 ‘Defying Gravity’의 순간이 무엇인지 알고 있지만, 여기서는 아직 그것이 무엇인지 모릅니다,”라고 무니츠가 말합니다. 새로운 순간을 만드는 것은 주어진 장면에서 감독과 작가가 찾으려는 것을 해석해야 하며, 고전 작품에서의 청사진에 의존할 수 없습니다.

조직력도 중요한 요소입니다. “당신은 합리적인 시스템을 개발하는 배우가 되어야 합니다,”라고 무니츠가 말합니다. “모든 차단이 한 페이지에 쓰여 있고, 그 페이지의 절반의 대사가 완전히 수정된다면, 당신의 방법은 무엇이 될까요?” 비대본 워크숍을 진행하는 경우, 배우들은 누구나 믿기 어려운 짧은 시간 안에 정확한 대사를 숙지할 수 있는 전략이 필요합니다. 창작자들이 리허설 과정에서 계속 변경을 할 때에도 여전히 유효한 전략입니다. 모든 변경 사항에 대한 좋은 메모를 작성하는 것은 배우들이 작품을 계속 통제하는 데 도움이 되는 단순하지만 중요한 단계입니다.

왜 유연성이 그렇게 중요할까요?

신작의 과정이 기존 뮤지컬의 일반적인 제작보다 훨씬 덜 표준화되고 구조화되어 있기 때문에 유연성이 중요합니다. “만약 당신이 주로 지역 극장에서 작업하거나, 기존 뮤지컬에서만 활동했던 배우이라면, 당신은 그 같은 구조—리허설, 작업 과정, 팀의 기능—를 기대한다면, 약간의 놀라움이 있을 것이라고 무니츠가 말합니다. 새로운 작업에서 연기하는 것은 변동 중인 작품에서 협력하는 것을 의미하며, 모든 과정의 부침을 수용하고(그리고 즐기는) 것입니다.

배우들이 원작 뮤지컬을 배우기 위해 받는 자료들도 작품마다 다릅니다. 대부분의 신작에서 배우들은 악보와 자신의 멜로디 라인이 피아노로 연주된 데모 또는 플렁크 트랙을 받습니다. 하지만 무니츠와 카롤리 모두 단지 가사 시트와 알아보기 어렵게 만들어진 데모만으로 새로 작성된 노래를 배우라는 요구를 받는 상황을 경험한 바 있습니다. 악보가 전혀 없는 상태에서도 그들은 그걸 해결했습니다. 적응력이 뛰어나고 기꺼이 뛰어드는 자세가 배우들이 성공할 수 있는 요소입니다.

당신이 창작자들이 계속하고 싶어하는 배우가 되려면 어떻게 해야 할까요?

많은 신작이 오디션으로 캐스팅되지 않기 때문에, 작가와 감독이 자신의 작업을 신뢰하고 다른 창작자에게 추천하는 배우로서 신뢰할 수 있는 평판을 쌓는 것이 중요합니다. 종종 그것은 진실하고 진정한 사람으로, 협업 과정 자체에 대한 열정을 가지고 시작됩니다.

다음 단계는 협업 과정에서 가치가 있는 인물이 되는 것입니다. 무니츠는 창작자들이 배우를 찾는다고 말합니다. “작품에 대해 적절한 방식으로 대화할 수 있는, 의견을 제시할 수 있는 배우를 의미합니다.” 여러 특성이 있는 배우들은 협업 과정에서 창작 팀의 의도를 존중하면서도 추가적인 견해를 제공할 수 있어 특히 가치가 높습니다.

새로운 뮤지컬에 자신의 창의적인 흔적을 남기는 것은 창작 팀에게는 큰 선물이 될 수 있습니다. 카롤리는 배우들이 작품을 생동감 있게 만드는데 강한 선택을 하면서도 첫 충동이 창작 팀의 비전과 일치하지 않을 때에는 선회할 수 있는 “강하지만 잘못된” 접근 방식을 높이 평가합니다. 협업 과정에 열려 있는 작가에게는 배우들이 새로운 가능성의 문을 여는 대담한 접근 방식을 취하는 것이 보너스가 됩니다. “귀하의 곡을 가져가서, 당신이 결코 상상하지 못했던 방식으로 실제로 노래를 부를 수 있는 사람이 있습니다,”라고 카롤리가 말합니다. “그리고 이는 작가에게는 보너스입니다, 곡에 대한 다른 해석을 보는 것입니다.”

신작의 단점

신작에서 연기하는 것은 창의적으로 보람을 느끼게 하지만, 모든 사람에게 맞는 것은 아닙니다. “일부 배우들은 수개월동안 대본 작업을 하고, 단어를 완벽히 익히고 싶으며, 변화하는 것을 원치 않기 때문입니다,”라고 무니츠가 말했습니다. 신작에서 번창하려면 유동성과 개방성을 흥미롭게 여기는 사람이 되어야 합니다. 만약 당신의 과정에 자료 변경에 대한 개방성이 포함되지 않는다면, 기존 작품에서 더 큰 만족을 찾을 수 있습니다.

신작에서 일하는 것은 재정적인 관점에서도 유용한 연기 경력을 쌓는 실질적인 방법이 아니기도 합니다. 이는 보수가 없거나 매우 낮은 보수를 제공하며, 심지어 Equity 29시간 리딩조차도 적은 수당을 받습니다. “새로운 작품을 좋아하는 많은 배우에게도 저에게는 그들을 감당할 수 없는 시점이 올 수 있습니다”라고 무니츠가 말합니다. 활동 중인 배우들은 더 높은 보수를 제공하는 역할을 맡기 위해 리딩을 거절해야 할 수도 있고, 단순히 하루 일을 해야 할 수도 있습니다.

신작에서의 역할이 미래의 작업에 대한 연줄을 형성하는 데 도움이 될 수 있지만, 안타깝게도 배우들은 신작을 개발하는 것이 재정적으로 보상받을 것이라고 기대해서는 안 됩니다. 물론 햄플턴의 원래 캐스트와 같이 널리 알려진 예외도 있습니다. 브로드웨이의 순이익 1%를 위해 싸운 것처럼. 하지만 대부분의 신작은 오프 브로드웨이 또는 지역 시도 단계에 도달하지 못하고, 브로드웨이에 진출할 가능성은 더 낮습니다. 신작을 개발하는 배우들은 개별 신작이 성공의 길로 가는 지름길이라는 현실을 잘 이해해야 합니다.

신작에서 연기하는 것은 높은 수준의 음악성, 연기기술, 협업 본능을 요합니다. 그럼에도 불구하고 왜 새로운 작품에 전념해야 할까요? 창작 과정을 사랑하는 배우들에게 신작을 개발하는 것은 활기찬 공동체의 일원이 될 기회입니다. 그 기쁨은 쇼를 만들고 그 개발 과정을 만드는 여정에 있습니다.

배우로서 새로운 작품을 만드는 것은 캐릭터에 대한 소유의 추가 층을 허락합니다. 잘 알려진 캐릭터를 연기할 때는 “창작 팀, 감독 또는 관객으로부터 실제 압박이 있을 수 있습니다”라고 무니츠는 말합니다. “하지만 당신이 그 기준을 설정하는 사람이라면, 당신의 예술성을 생생하게 표현할 기회가 훨씬 더 많습니다.”

신작에 참여할 수 있는 배우들은 기존 작품에서는 찾을 수 없는 보상을 얻습니다. 뮤지컬 극회의 미래를 만들어가는 데 도움을 주고 있습니다. “당신이 얻는 것도 뮤지컬 극장 역사에 참여하는 것”이라고 카롤리는 말합니다. “모든 신작은 진화하며 뮤지컬 극장이 어떤 모습이 될지를 형성하고 있습니다.”

브로드웨이의 미래는 뉴욕시에서 훨씬 작은 극장들에서 뮤지컬을 생명을 불어넣는 창작자들에 의해 영향을 받습니다. “당신이 산업을 함께 구축할 다른 사람들을 아는 것만으로도 얼마나 많은 흥미로운 우정과 협력이 생길 수 있는지,”라고 무니츠가 말합니다. “그들이 지금 작성하는 작품이 20년, 40년 후의 오클라호마와 풋루스이 될 것입니다.”

신작 현장에 대한 도전을 받아들일 준비가 되었다면, 뮤지컬 극장이 진화하는 과정에 참여하고 예술 장르의 미래를 만드는 데 능동적인 역할을 맡을 수 있게 됩니다.