Crítica: RIGOLETTO, Royal Opera & Ballet

Quando este Rigoletto abriu pela primeira vez a primeira temporada completa da Royal Opera House após o longo silêncio pandêmico, parecia menos um retorno à normalidade e mais uma declaração de intenção. Reabrir com Rigoletto, provavelmente a obra mais sombria de Giuseppe Verdi, foi uma escolha ousada, quase confrontadora. Afinal, esta é uma ópera onde uma jovem é brutalmente sequestrada por capricho de um homem e assassinada por outro. Sem adoçantes, sem conforto operístico. Apenas escuridão, não diluída.

Cinco anos depois, o retorno da produção de Oliver Mears pela Royal Opera House não perdeu seu impacto. Na verdade, parece ainda mais segura em sua brutalidade. Naquela época, o público usava máscaras; agora, as únicas máscaras que permanecem são as metafóricas usadas pelo Duque e as literais vestidas por seus lacaios ao raptar Gilda. É um eco visual elegante e arrepiante de um mundo onde a dissimulação é tanto fantasia quanto moeda.

Visualmente, a produção permanece próxima da perfeição. O cenário de Simon Lima Holdsworth é dominado por uma parede da cor de sangue seco num tom tão hipnótico que Mark Rothko teria vendido uma parte do corpo por ele. Ela adere ao drama como uma segunda pele. Mais tarde, nuvens de tempestade se acumulam via projeção, relâmpagos estalando não apenas no palco, mas no próprio auditório. A iluminação sombria de Allan Ramsay nos atrai para o mal em espiral. Graças à paleta crepuscular, nunca há escapatória do crepúsculo moral da peça.

A direção de Mears se inclina, sem pedir desculpas, para os fundamentos eróticos da ópera. Não há nudez, mas também não há timidez. Os apetites do Duque são encenados à vista de todos, sua corte cúmplice de voyeurs. O desejo de Maddalena é igualmente cru, sua urgência física rompendo o lirismo da partitura. Estes não são gestos simbólicos; são instrumentos contundentes.

A arquitetura do cenário permite uma duplicação constante da ação. Quartos em níveis médios criam uma verticalidade que espelha a estratificação moral da ópera: homens abaixo conspirando, mulheres acima expostas. No Ato I, um grupo de figuras com sobretudos silenciosamente olha para cima enquanto Gilda se despe; no Ato III, o furioso acoplamento do Duque com Maddalena ocorre acima enquanto Rigoletto negocia pela sua morte abaixo. Sexo e morte, empilhados um sobre o outro.

E a tensão nunca cessa. Onde a interpretação influenciada por gângsters de Jonathan Miller, recentemente vista na English National Opera, oferecia certa distância estilizada, a visão de Mears impõe um estrangulamento sensorial. Não há alívio, não há distanciamento irônico. Apenas um aperto constante do parafuso.

Como o libertino Duque de Mântua, o tenor peruano Iván Ayón Rivas segue a direção de Mears e corre desenfreado. Sua atuação destaca os altos e baixos da busca de seu personagem pela próxima conquista, seja na forma de carne feminina ou obras de arte. Ele evoca um nível de auto-entitlement à moda Trump (particularmente no que diz respeito às mulheres e outros objetos de desejo) que contrasta agudamente com o Rigoletto do barítono romeno George Petean, o bobo da corte que tenta - e falha - proteger sua filha dos encantos do chefe e falha tragicamente novamente ao buscar vingança. Ligando-os está a magnífica Aida Garufullina. A soprano russa se aprofunda no dilema de Gilda, encantada pelo Duque apesar das súplicas de seu pai. Este trio de performances estelares dá à visão claustrofóbica de Mears o lastro dramático necessário para manter o foco.

Este é Rigoletto como talvez sempre tenha sido destinado a ser: um estudo sombrio, sensual e destemido sobre o poder e seus abusos. Não pede sua simpatia. Exige sua cumplicidade.

Rigoletto continua na Royal Opera House até 23 de abril.

Crédito da foto: Marc Brenner