Reseña: RIGOLETTO, Royal Opera & Ballet

Cuando este Rigoletto abrió la primera temporada completa de la Royal Opera House después del largo silencio pandémico, se sintió menos como un regreso a la normalidad y más como una declaración de intenciones. Relanzar con Rigoletto, posiblemente la obra más sombría de Giuseppe Verdi, fue una elección audaz, casi confrontacional. Al fin y al cabo, se trata de una ópera en la que una joven es raptada de manera brusca a capricho de un hombre y asesinada por otro. Sin edulcorar, sin manta de confort operístico. Solo oscuridad, sin diluir.

Cinco años después, el renacimiento de la producción de Oliver Mears en la Royal Opera House no ha perdido ni un ápice de su filo. Si acaso, ahora se siente incluso más segura en su brutalidad. En aquel entonces, el público usaba mascarillas; ahora, las únicas máscaras que quedan son las metafóricas del Duque y las literales que usan sus secuaces al secuestrar a Gilda. Es un eco visual elegante y escalofriante de un mundo donde el engaño es tanto disfraz como moneda de cambio.

Visualmente, la producción se mantiene casi impecable. El decorado de Simon Lima Holdsworth está dominado por un muro del color de la sangre seca, en un tono hipnótico profundo por el que Mark Rothko habría vendido una parte de su cuerpo. Se adhiere al drama como una segunda piel. Más tarde, las nubes de tormenta se reúnen mediante proyección, el relámpago se quiebra no solo en el escenario, sino en el mismo auditorio. La iluminación sombría de Allan Ramsay nos atrae hacia el mal en espiral. Gracias a la paleta crepuscular, nunca hay escape del ocaso moral de la obra.

La dirección de Mears se inclina sin disculpas hacia los fundamentos eróticos de la ópera. No hay desnudez, pero tampoco pudor. Los apetitos del Duque se escenifican a plena vista, su corte voyeurs cómplices. El deseo de Maddalena es igualmente sin barnizar, su urgencia física atraviesa el lirismo de la partitura. Estos no son gestos simbólicos; son instrumentos contundentes.

La arquitectura del escenario permite una duplicación constante de la acción. Las habitaciones en niveles medios crean una verticalidad que refleja la estratificación moral de la ópera: hombres abajo conspirando, mujeres arriba expuestas. En el Acto I, una multitud de figuras con gabardinas observa silenciosamente hacia arriba mientras Gilda se desviste; en el Acto III, el furioso apareamiento del Duque con Maddalena se desarrolla arriba mientras Rigoletto negocia por su asesinato abajo. Sexo y muerte, apilados uno sobre otro.

Y la tensión nunca disminuye. Donde la interpretación con tintes de gánster de Jonathan Miller, vista recientemente en la English National Opera, ofrecía una cierta distancia estilizada, la visión de Mears impone un estrangulamiento a los sentidos. No hay liberación, no hay desapego irónico. Solo un constante ajuste del tornillo.

Como el libertino Duque de Mantua, el tenor peruano Iván Ayón Rivas toma la dirección de Mears y se desata. Su actuación pone de relieve los altibajos de la búsqueda de su personaje por la siguiente adquisición, ya sea en forma de carne femenina o de obras de arte. Evoca un nivel de autoentitlement similar al de Trump (especialmente en lo que respecta a mujeres y otros objetos de deseo) que contrasta agudamente con el Rigoletto del barítono rumano George Petean, el bufón de la corte que intenta, y fracasa, proteger a su hija de los encantos de su jefe y nuevamente fracasa trágicamente cuando busca venganza. Uniendo a ambos está la magnífica Aida Garifullina. La soprano rusa profundiza en el dilema de Gilda, hechizada por el Duque a pesar de las súplicas de su padre. Este trío de actuaciones estelares le da a la visión claustrofóbica de Mears el lastre dramático que necesita para mantenerse enfocado.

Este es Rigoletto tal como quizás siempre estuvo destinado a ser: un estudio oscuro, sensual e implacable del poder y sus abusos. No pide tu simpatía. Exige tu complicidad.

Rigoletto continúa en la Royal Opera House hasta el 23 de abril.

Crédito de la foto: Marc Brenner