이 작품의 중심에는 특정한 고상한 역설이 있습니다. 여성 감독이 이 오페라를 두 번째 시즌으로 가져오면서 (홀랜드 파크의 반개방 공연은 세 번째) 그녀는 여성들이 본질적으로 불충실하다는 주제를 가진 작품에 대하여 상당히 충실한 방식을 선택했습니다. 세실리아 스틴톤은 행동을 전후 나폴리로 설정하고, 그곳에 주둔 중인 미국 군인들과 대서양을 건너 날아온 그들의 여자친구들로 구성됩니다. 이는 실제로 유망한 아이디어입니다. 점령의 흔적이 남아 있고, 관광의 화려함과 거래의 욕망으로 가득한 도시는 알폰소의 냉소적 비판에 있어 모차르트의 원래 세계보다 훨씬 더 적합한 무대입니다. 하지만 스틴톤은 이 주장을 뒷받침하기 위해 거의 전적으로 닐 아이리시의 디자인에 의존하며, 그 주장을 명확히 하지 않습니다. 아이리시의 세트는 벤베누티 아 나폴리 광고판으로 시작하며, 그 너머에는 베수비오 화산이 있고, 처음에는 고전적인 유적을 나타내는 무대입니다. 더 가까이 살펴보면, 그 유적들은 실제로는 그림처럼 다듬어진 폭격 피해로 느껴집니다. 이는 화려함보다는 조용하게 제안하는 스마트한 아이디어입니다. 단일 티켓 부스는 공항 도착, 호텔 리셉션, 이후에는 폼페이 입구로 기능을 변경합니다. 그런데 2막에서 광고판이 들어올려져 폼페이의 프레스코가 드러나면서 명백한 함의가 있습니다. 로버트 프라이스의 조명은 따뜻하고 신중하게 조절되어 있으며(특히 인터벌 후), 홀랜드 파크 무대는 깊이와 턱을 쉽게 넘나드는 진정한 유연성으로 사용됩니다. 모든 것이 확신을 주며 보입니다. 이 모든 것들을 연결할 완전한 주장이 부족합니다. 올 시즌 런던의 다른 장소에서는 두 가지 다른 접근 방식의 프로덕션이 진행되고 있습니다. 펠림 맥더못의 절묘한 ENO 부활 공연은 1950년대 미국인들을 다루고 있지만 코니 아일랜드에 설정되었습니다. 톰 파이의 유원지 세계는 서커스의 에너지와 놀이기구, 그리고 시각적 과잉으로 가득 차 있으며, 절묘한 터치로 제목을 고의로 복수 형태로 변형하여 작품의 본질적인 여성 혐오에 저항합니다: 투떼가 투띠가 되고, 따라서 "모든 여성"이 "우리 모두"가 되었습니다. 혼란스럽고 매력적인 그것은 확고히 자신의 아이디어에 헌신했습니다. 얀 필립 글로거의 고개념 무대는 런던 코벤트 가든에서 공연되어, 또 다른 각도에서 희극을 설정했습니다. 2024년 부활 이후 은퇴한 이 공연은 오페라 하우스 자체를 세트로 만들어 관객과 공연자 사이의 경계를 허물었습니다. 두 번째 접근 방식 모두 똑똑하고 현대적이며, 더 중요한 것은 어떤 점을 분명히 했습니다. 스틴톤의 나폴리는 가끔 같은 역할을 하기도 하지만, 그 역할을 잃고 스레드를 놓쳐버립니다. 가장 불안한 순간은 변장 장면에서 나타납니다. 이들은 감정적으로 이탈리아 이름을 가지고 있고 매끄러운 이탈리아 억양을 지닌 군인들로 보이지만, 로마의 백병전사로 돌아오고, 검과 창을 들고 폼페이를 배경으로 한 영화 촬영장에서처럼 보입니다. 2막이 진행될수록 그들은 다시 토가로 바꾸고, 물론 알폰소와 데스피나가 운영하는 레스토랑의 프레스코 안에서 나른하게 느긋한 시간을 보냅니다. 오페라의 중심적인 속임수는 항상 어느 정도 긴장감이 있었지만, 여기서는 더욱 그렇습니다. 변장한 모습은 감추려는 정체성과 거의 구별할 수 없습니다. 이 상황은 슈퍼맨과 클락 켄트보다는, 정장을 입은 성실한 기자가 화려한 의상으로 바뀌는 것과 같습니다. 만약 프로덕션이 무엇이 진정으로 위험한지를 확립하지 않는다면, 의상은 장면을 꾸려주는 것을 넘어서 아무것도 하지 않게 됩니다. 저녁의 모든 것을 결합하는 것은 오케스트라입니다. 겨우 29세에 국제적으로 수요가 있는 샬롯 코더로이가 지휘봉 없이 놀라운 명확성으로 지휘하며, 이미 그녀의 나이를 넘어선 악보의 장악력을 보여줍니다. 무대가 흔들릴 때마다 그녀는 음악의 선을 조이고, 모든 것을 목적적으로 움직입니다. 시티 오브 런던 심포니아는 실제 성격으로 응답하며, 목관악기와 금관악기는 시큼하고 거의 무례하게 엣지를 추가하여 완벽하게 그 설정에 맞습니다. 그녀는 명백히 주목해야 할 지휘자입니다. 캐스트는 고르지는 않지만 강력한 공연으로 중심을 잡고 있습니다. 폴 케리 존스와 엘리자베스 카라니가 알폰소와 데스피나 역으로 많은 장면을 이끌며, 카라니는 데스피나를 일종의 일인 서비스 산업으로 바꿔, 자매들을 여정의 각 단계로 안내합니다. 비행기 신호에서 여권 부스, 카페에 이르기까지 그녀의 존재는 맥더못이나 글로거 버전보다 더 차분하지만, 손에 들고 있는 무엇이든지 휘둘러 단 번에 관객을 압도하기에 충분합니다. 케리 존스는 알폰소에게 무거운 존재감을 불어넣어, 그의 저음 바리톤이 역할에 무게를 주며 장난의 여지가 진정으로 위험하게 느껴지도록 하고 있습니다. 그들 둘은 초반 장면을 지배하는 경향이 있습니다. 네 연인은 자리를 잡는 데 더 오랜 시간이 필요합니다. 매들린 보어햄의 피오르딜리지는 컴 스콜리오에서 진정한 노력과 확신으로 성과를 거둡니다. 페르 피에타에서는 보다 내적이고 탐색적인 면모를 발견하며, 샤키라 친도스의 도라벨라와 함께 마지막 막으로 감정적 심리가 강하게 자란 모습입니다. 친도스는 에 아모레 운 라드론첼로에서 씁쓸한 엣지를 더하며, 오시안 윈 보웬의 페란도로는 운 아우라 아모로사를 effortlessly한 자세로 불며, 2막의 두 남성과 그들의 "잘못된" 파트너 간의 듀엣에서는 진정한 비애의 순간을 찾아냅니다. 하지만 남자들은 처음에 그들의 불합리함에 온전히 전념하지 않습니다. 자아 인식의 우스꽝스러움의 느낌이 없다면, 여성들이 결국 항복하게 되는 것은 확신의 붕괴가 아닌 감정적 피로감으로 느껴질 위험이 있습니다. 이로 인해 프로덕션은 중심 질문으로 돌아옵니다. 스틴톤은 마지막 막에서 폼페이의 죽음의 캐스트를 도입하며, 화산재에 얼어붙은 인간 형태로 도덕적인 구두점을 추가합니다. 사랑은 죽음으로 이어지며, 그녀는 말하는 것 같습니다; 게임은 잔인함으로 드러나고, 알폰소의 실험은 문자 그대로의 중량을 띱니다. 하지만 그것은 이미 음악이 더 섬세하고 강력하게 시사하는 것을 강조합니다. 캐스트에서 제안된 결말은 복잡하게도 해결되지 않은 결말에서 보이지 않으며: 화해도 없고, 깔끔한 복원도 없으며, 오직 실험의 여파 속에 남겨진 커플들만 존재합니다. 그것은 계시가 아니라 환멸로 끝나는 휴가입니다. 유일한 진정한 문제는 모차르트가 이것의 많은 것을 이미 말했다는 것이며, 그는 전시된 몸체 없이도 그것을 관리했습니다. 코지 판 투테는 6월 13일까지 오페라 홀랜드 파크에서 계속됩니다. 사진 제공: 오페라 홀랜드 파크
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