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C’è una certa ironia nel cuore di tutto questo. Una regista donna, che torna a questa opera per una seconda stagione (e per la sua terza rappresentazione nella scenografia semi-aperta di Holland Park), ha scelto di rimanere perlopiù fedele a un’opera il cui concetto centrale è che le donne sono intrinsecamente infedeli.
Cecilia Stinton colloca l'azione nella Napoli del dopoguerra, con apparenti soldati americani di stanza lì e le loro fidanzate che volano dall'Atlantico. È un’idea che ha un vero potenziale. Una città ancora segnata dall’occupazione, saturata dal gloss turistico e dal desiderio transazionale, è una cornice decisamente più pungente per il cinismo di Alfonso rispetto al mondo originale di Mozart. Ma Stinton si affida quasi esclusivamente ai disegni di Neil Irish per presentare questa idea, e poi la lascia piuttosto non detta.
Il set di Irish inizia con un cartellone di Benvenuti a Napoli, con il Vesuvio che si erge oltre e un palcoscenico che inizialmente appare come rovine classiche. A un’ispezione più attenta, quelle rovine sembrano più come danni da bombardamento levigati in qualcosa di pittoresco. È un’idea intelligente, suggestiva in modo sottile piuttosto che appariscente. Una sola biglietteria cambia funzione nel corso della serata: arrivi in aeroporto, quindi reception dell’hotel e più tardi ingresso a Pompei.
Poi nel Secondo Atto, il cartellone si solleva per rivelare affreschi pompeiani con sottotoni inconfondibili. Robert Price’s l’illuminazione è calda e ben calibrata (soprattutto dopo l’intervallo) e il palco a forma di aureola di Holland Park è utilizzato con vera fluidità, muovendosi facilmente tra profondità e davanzale. Tutto appare sicuro. Ciò che manca è un argomento completamente sviluppato per legare il tutto insieme.
Altrove a Londra in questa stagione, altre due produzioni hanno adottato approcci molto diversi. Phelim McDermott’s sublime revival dell’ENO ha anch’esso americani degli anni '50 ma è ambientato a Coney Island. Il mondo di Tom Pye è pieno di energia circense, giostre ed eccesso visivo e, in un tocco squisito, il titolo è convertito in una pluralizzazione deliberata per opporsi al misoginia intrinseca dell’opera: tutte diventa tutti e così "tutte le donne" diventa "tutti noi". Caotico e affascinante in egual misura, si è completamente impegnato nella sua idea.
La messa in scena ad alto concetto di Jan Philipp Gloger al Covent Garden, d'altra parte, affrontava la commedia da un altro angolo. Ora ritirato dopo il suo revival del 2024, ha trasformato l’opera stessa in un set, annullando il confine tra pubblico e performer. Entrambi erano approcci intelligenti e moderni e, cosa più importante, avevano un significato. La Napoli di Stinton occasionalmente fa lo stesso, per poi dimenticarsi e perdere il filo.
I momenti più scomodi arrivano nelle scene di travestimento. Questi apparenti soldati, con nomi marcatamente italiani e accenti italiani levigati, tornano come centurioni romani, completi di spade e lance che sembrano attori di un film di gladiatori tirati direttamente da Cinecittà. Nel Secondo Atto sono passati a toghe, si rilassano tra gli affreschi di un ristorante che è gestito, ovviamente, da Alfonso e Despina.
Il inganno centrale dell’opera è sempre stato un po’ teso; qui sembra ancor di più, i travestimenti sono barely distinguibili dalle identità che sono destinati a nascondere. Questo è meno Superman e Clark Kent, più il reporter serio vestito prima in un abito e poi in costume da festa. Se la produzione non stabilisce qual è davvero in gioco, i costumi finiscono per fare ben poco oltre a vestire la scena.
Ciò che tiene insieme la serata è l'orchestra. A soli 29 anni e già molto richiesta a livello internazionale, Charlotte Corderoy dirige senza bacchetta e con straordinaria chiarezza, mostrando già un dominio della partitura che sembra oltre i suoi anni. Quando il palco vacilla, lei stringe la linea musicale, mantenendo tutto in movimento con uno scopo. La City of London Sinfonia risponde con vero carattere: legni e ottoni con un bordo salato, quasi impertinente, che si adatta perfettamente all'ambientazione. È chiaramente un direttore d'orchestra da tenere d'occhio.
Il cast è irregolare, ma ancorato da forti interpretazioni. Paul Carey Jones ed Elizabeth Karani, nei ruoli di Alfonso e Despina, guidano gran parte della serata. Karani trasforma Despina in una sorta di industria dei servizi monodimensionale, guidando le sorelle attraverso ogni fase del loro viaggio, da segnali di sbarco a cabina per passaporti a caffè e oltre. Anche se è una presenza più contenuta rispetto alle versioni di McDermott o Gloger, è più che capace di far cadere il teatro con un semplice movimento di ciò che ha in mano. Carey Jones porta una presenza pesante e dominante ad Alfonso, il suo basso-baritono conferisce al ruolo un peso che rende la malefatte genuine piuttosto che semplicemente ludiche. Tra di loro, tendono a dominare le prime scene.
I quattro innamorati impiegano più tempo a sistemarsi. Madeline Boreham’s Fiordiligi rende Come scoglio veramente incisivo e convinto. Con Per pietà, trova qualcosa di più interiore e riflessivo, e insieme a Shakira Tsindos’s Dorabella, cresce nel atto finale con reale mordente emotivo. Tsindos porta una sfumatura agrodolce a È amore un ladroncello, e Osian Wyn Bowen’s Ferrando fluttua Un’aura amorosa con disinvoltura, i duetti del Secondo Atto tra entrambi gli uomini e i loro partner “sbagliati” trovano momenti di autentica pathos.
Eppure, gli uomini stessi non si impegnano mai completamente alla loro stessa assurdità all’inizio. Senza quel senso di assurdità consapevole, la resa finale delle donne rischia di sembrare meno un crollo di certezza e più una fatica emotiva.
Questo riporta la produzione alla sua domanda centrale, una domanda che circola senza mai rispondere completamente. Stinton introduce calchi di morte pompeiani nel atto finale, forme umane cristallizzate nella cenere vulcanica, come una sorta di segno di punteggiatura morale. L’amore cede il passo alla morte, sembra dire; mentre il gioco si rivela come crudeltà, l’esperimento di Alfonso acquisisce un peso letterale. Ma sottolinea qualcosa che la musica suggerisce già con molta più sottigliezza e forza.
Una finalità suggerita dai calchi non si vede in una conclusione che lascia le cose deliberatamente irrisolte: nessuna riconciliazione, nessuna risoluzione netta, solo le coppie lasciate nell’immediato dopo dell’esperimento. È una vacanza che termina in disillusione piuttosto che in rivelazione. L'unico vero problema è che Mozart ha già detto molto di questo, e lo ha fatto senza aver bisogno dei corpi in mostra.
Così fan tutte continua all'Opera Holland Park fino al 13 Giugno
Crediti foto: Opera Holland Park
