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Há uma certa ironia ordenada no cerne disso. Uma diretora mulher, retornando a esta ópera para uma segunda temporada (e para sua terceira apresentação na encenação semi-aberta de Holland Park), escolheu permanecer em grande parte fiel a uma obra cuja ideia central é que as mulheres são inerentemente infiéis.
Cecilia Stinton situa a ação em Nápoles pós-guerra, com ostensivamente soldados americanos estacionados lá e suas namoradas voando do outro lado do Atlântico. É uma ideia com verdadeiro potencial. Uma cidade ainda marcada pela ocupação, saturada de brilho turístico e desejo transacional, é um cenário muito mais incisivo para o cinismo de Alfonso do que o mundo original de Mozart. Mas Stinton se apega quase exclusivamente aos designs de Neil Irish para fundamentar essa ideia, e então acaba por deixá-la não expressa.
O cenário de Irish começa com um outdoor de Benvenuti a Napoli, com o Vesúvio ao fundo, e um palco que inicialmente remete a ruínas clássicas. A um olhar mais atento, essas ruínas parecem mais com danos de bombas polidos em algo pitoresco. É uma ideia inteligente, sugestiva de maneira discreta e não ostentosa. Uma única bilheteira muda de função ao longo da peça: de chegadas de aeroporto a balcão de hotel e, depois, entrada para Pompeia.
Então, no Ato Dois, o outdoor se levanta para revelar afrescos pompeianos com subtons inconfundíveis. A iluminação de Robert Price é quente e cuidadosamente calculada (especialmente após o intervalo) e o palco em forma de halo de Holland Park é usado com verdadeira fluidez, movendo-se facilmente entre a profundidade e a beira. Tudo parece seguro. O que falta é um argumento plenamente formado que una tudo isso.
Em outro lugar em Londres nesta temporada, duas produções tomaram abordagens muito diferentes. A sublime revitalização da ENO de Phelim McDermott também tem americanos da década de 1950, mas foi ambientada em Coney Island. O mundo de parque de diversões de Tom Pye está repleto de energia circense, brinquedos e excesso visual e, em um toque requintado, o título é convertido em uma pluralização deliberada para enfrentar a misoginia inerente da obra: tutte se torna tutti e assim "todas as mulheres" se torna "todos nós". Caótico e encantador na mesma medida, está absolutamente comprometido com sua ideia.
A encenação de alto conceito de Jan Philipp Gloger em Covent Garden, por outro lado, abordou a comédia de outra maneira. Agora aposentada após sua revitalização em 2024, transformou a casa de ópera no próprio cenário, colapsando a divisão entre a audiência e os intérpretes. Ambas foram abordagens inteligentes e modernas e, mais importante, fizeram uma declaração. A Nápoles de Stinton ocasionalmente faz o mesmo, depois esquece a si mesma e perde o fio.
Os momentos mais desconfortáveis ocorrem nas cenas de disfarce. Esses aparentes soldados, com nomes e sotaques italianos polidos, retornam como centuriões romanos, completos com espadas e lanças, parecendo figurantes de gladiadores vindos diretamente de Cinecittà. No Ato Dois, eles mudam para a toga, relaxando entre os afrescos de um restaurante que é, claro, administrado por Alfonso e Despina.
A enganação central da ópera sempre foi um pouco forçada; aqui parece ainda mais, os disfarces mal distinguíveis das identidades que devem ocultar. Isso é menos Superman e Clark Kent, mais o repórter sério que primeiro aparece em um terno e depois em fantasia. Se a produção não estabelece o que está realmente em jogo, os figurinos acabam fazendo muito pouco além de vestir a cena.
O que mantém a noite unida é a orquestra. Com apenas 29 anos e já em demanda internacional, Charlotte Corderoy conduz sem uma batuta e com clareza impressionante, já mostrando um domínio da partitura que parece estar além de seus anos. Quando o palco falha, ela aperta a linha musical, mantendo tudo em movimento com propósito. A City of London Sinfonia responde com verdadeiro character: sopros e metais com uma borda salgada, quase insolente, que se adapta perfeitamente ao cenário. Ela é claramente uma regente a ser observada.
O elenco é desigual, mas ancorado por fortes performances. Paul Carey Jones e Elizabeth Karani, como Alfonso e Despina, conduzem grande parte da noite. Karani transforma Despina em uma espécie de indústria de serviços solo, guiando as irmãs por cada etapa de sua jornada, desde sinais de rua até caixa de passaporte, café e além. Embora seja uma presença mais contida do que nas versões de McDermott ou Gloger, ela é mais que capaz de derrubar a casa com apenas um movimento do que quer que esteja segurando. Carey Jones traz uma presença pesada e imponente a Alfonso, seu baixo-barítono conferindo ao papel um peso que faz a travessura parecer genuinamente perigosa, em vez de meramente brincalhona. Entre eles, tendem a dominar as cenas iniciais.
Os quatro amantes demoram mais a se firmar. A Fiordiligi de Madeline Boreham faz Come scoglio ressoar com verdadeiro esforço e convicção. Em Per pietà, ela encontra algo mais interior e exploratório, e ao lado de Shakira Tsindos como Dorabella, ela se desenvolve no ato final com verdadeira intensidade emocional. Tsindos traz uma borda agridoce a È amore un ladroncello, e o Ferrando de Osian Wyn Bowen flutua Un’aura amorosa com uma postura sem esforço, os duetos do Ato Dois entre os dois homens e seus parceiros “errados” encontrando momentos de patos genuíno.
No entanto, os homens não se entregam completamente à sua própria absurdidade desde o início. Sem essa sensação de ridículo autoconfiante, a eventual rendição das mulheres arrisca parecer menos um colapso de certeza e mais uma fadiga emocional.
Isso traz a produção de volta à sua questão central, uma que ela circula sem nunca realmente responder. Stinton introduz moldes de morte pompeianos no ato final, formas humanas congeladas em cinzas vulcânicas, como uma espécie de pontuação moral. O amor cede ao morte, ela parece estar dizendo; enquanto o jogo é revelado como crueldade, o experimento de Alfonso assume um peso literal. Mas sublinha algo que a música já sugere com muito mais sutileza e força.
Uma finalização sugerida pelos moldes não é vista em um final que deixa as coisas deliberadamente não resolvidas: sem reconciliação, sem restauração neat, apenas os casais deixados nas consequências do experimento. É um feriado que termina em desilusão em vez de revelação. O único problema real é que Mozart já disse muito disso e o fez sem precisar dos corpos expostos.
Così fan tutte continua na Opera Holland Park até 13 de junho
Crédito da foto: Opera Holland Park
