Exclusif : Jason Moore parle de l'introduction de la théâtralité dans l'univers d'ELLE, et de son retour à AVENUE Q

Jason Moore n'est pas un inconnu quand il s'agit de travailler avec des personnages plus grands que nature. Ayant dirigé des spectacles comme Shrek the Musical et The Cher Show, Moore connaît intimement l'art de faire revivre des figures adorées d'une toute nouvelle manière. Entrée en scène : Elle Woods.

Pour les spectateurs découverts à Legally Blonde au début des années 2000, Elle, vêtue de rose, régnait légitimement comme l'une des figures féminines les plus emblématiques de l'époque. En démantelant les stéréotypes de genre et en s'assumant pleinement, Elle est restée une présence solide dans la culture pop depuis, et la nouvelle série préquelle de Prime Video du même nom prouve qu'elle ne disparaîtra pas de sitôt. 

Portée par la très attachante Lexi Minetree dans le rôle-titre, la série transporte le personnage à Seattle vers 1995, où Elle se sent pour la première fois de sa vie décalée. En s'adaptant à ce nouvel environnement, elle découvre un complot néfaste dans sa communauté et, avec l'aide de nouveaux amis, tente de démasquer le coupable tout en apprenant de précieuses leçons sur elle-même et sur la personne qu'elle souhaite devenir pour son entourage.

Pour lancer la série, Moore a réalisé les deux premiers épisodes et a également été producteur exécutif de toute la saison. Nous avons rencontré ce metteur en scène de théâtre et cinéma nommé aux Tony, qui a parlé de son travail avec Minetree pour capturer l'essence d'Elle, de son style de mise en scène théâtrale et de son retour à la direction d'Avenue Q des décennies après la production originale. Tous les épisodes de la saison 1 d'Elle sont désormais disponibles en streaming sur Prime Video.

Cette interview a été condensée pour plus de clarté et de concision.

Vous avez déjà travaillé sur des franchises établies, comme Shrek the Musical. Qu'avez-vous appris en travaillant sur de grands titres de franchise qui vous a été utile pour aborder Elle ?

Je pense qu'on commence par se poser des questions comme "Qu'attendent les gens de voir ?" [Avec] une préquelle, c'est un peu moins défini, donc la question devient plutôt "Qu'est-ce du personnage qu'ils veulent voir ?" Pour Elle, surtout, [le fait que ce soit] avant le 11 septembre, c'était une façon très joyeuse et optimiste que le personnage avait de voir le monde. Transposer cela était la partie la plus importante. Il y a aussi, au début, des personnes qui protègent la propriété intellectuelle et qui en ont un peu peur. Vous voulez leur montrer que vous la comprenez et que vous l'aimez aussi.

Il s'agit d'une génération de jeunes qui ont besoin du point de vue d'Elle Woods quand la vie est cynique, que les gens sont exposés à tout très tôt, et qu'il y a beaucoup de choses qui peuvent ébranler votre confiance en vous. Vraiment, ce que le public vient voir, c'est Shrek, Cher et Elle Woods. Cela repose donc sur Brian d'Arcy James [en Shrek], Stephanie J. Block [en Cher] ou Lexi Minetree pour incarner l'essence du personnage. Et pour moi, ce n'est pas du tout vague.

Il faut choisir deux ou trois traits qui apparaissent naturels chez votre acteur et qui sont aussi ce que l'original avait. Pour Lexi, elle a travaillé avec une coach vocale de Broadway nommée Kate Wilson. Elles ont parlé de l'intonation, de la respiration, des gestes et des réactions. Il s'agissait de sélectionner deux ou trois éléments et d'abandonner le reste. Avoir confiance qu'en réussissant quelques points, vous faites référence à l'original, sans pour autant faire une imitation ou une copie.

Le côté espiègle de la réponse, c'est qu'il faut l'aimer, puis l'oublier. Parce que si vous êtes constamment inquiet de ne pas être à la hauteur, de ne pas faire mieux, ou que les gens pensent que ça ne fonctionne pas, ce n'est pas l'état d'esprit pour créer. Il faut aussi avoir confiance dans le travail accompli, et croire que votre amour pour ce projet transparaîtra.

Quels étaient certains de ces éléments que vous vouliez absolument inclure ? 

Je me suis engagé dans ce projet parce que le scénario était excellent. La barre était très haute, et trouver Lexi signifiait que cette barre serait tenue. On voulait quelque chose de précis mais intemporel. Le design de production est très années 90. On y trouve des téléphones colorés transparents et des pagers, mais la photographie est moderne. C'est comme si vous preniez une photo moderne d'une chambre des années 90 parfaitement reconstituée. Cela donne un aspect un peu contemporain, mais l'objet photographié est authentique. C'était un principe directeur pour l'aspect visuel de la série.

Je voulais filmer en grand écran. Je voulais une photographie riche et profonde parce que le monde d'Elle est très stratifié et luxueux. Le film original avait une palette de couleurs très vive. Notre palette rappelle cela, mais sans être trop bonbon acidulé. Ce n'est pas comme un vieux classeur Trapper Keeper, forcément.

Cela a aussi du sens au regard du lieu où se déroule l'action, soit le Seattle plus sombre.

Oui. Sachant que la majeure partie de la série se passe à Seattle, le contraste entre ces deux éléments était toujours inscrit dans l'écriture. L'idée qu'Elle soit un rayon de soleil dans un environnement plutôt nuageux était une image que nous avons tous cultivée. En fait, si vous regardez le pilote, il y a des halos lumineux chaque fois qu'Elle apparaît. Elle porte sa propre lumière de projecteur.

Une partie de la performance de Lexi a été de décider qu'Elle Woods est un personnage théâtral. Elle est plus grande que nature, mais nous voulions tout de même que cela semble ancré et que nous puissions explorer les émotions mère-fille ainsi que celles d'adolescents toxiques.

Nous avions un code sur le plateau : "Faisons-le un peu plus théâtral. Un souffle un peu plus grand, une réaction un peu plus marquée, une réplique improvisée." Nous étions très conscients de régler ces détails. C'était très précis sur le plateau, mais beaucoup de ces décisions ont été prises au montage. Est-ce un peu trop large ? Ou au contraire trop quotidien ?

Travaillant dans le théâtre musical, y a-t-il des éléments tirés de la comédie musicale qui ont influencé votre approche de ces épisodes ou votre rôle de producteur exécutif ?

[Mon travail] tend à être une comédie assez exacerbée, mais réalisée de façon très ancrée. Je suis un grand fan de la comédie musicale, et je crois que je disais souvent : "Courtney, prends ta pause," au début, oubliant que ce n'était pas dans le film. Mais je pense que mon intérêt général, mon style et ma théâtralité ont plus influencé la série que la comédie musicale elle-même.

Je voulais vous parler du regretté et talentueux James Van Der Beek. Il joue un rôle important cette saison, et je crois que vous aviez travaillé avec lui auparavant sur Dawson's Creek. Pouvez-vous nous parler de sa venue dans cette série et de votre expérience à travailler avec lui pour Elle ?

J'ai réalisé cinq épisodes de Dawson's Creek il y a longtemps, et j'ai appris à connaître James et tout ce groupe. Legally Blonde a une dimension nostalgique, et nous étions toujours conscients qu'il y avait cette vibe des années 90. D'une certaine manière, James était un autre rappel, comme la présence de Reese dans le film ou la série. Cela coïncidait à bien des niveaux : son talent, notre affection pour lui comme personne, et aussi ce facteur méta intéressant que cela apportait. Nous avons eu une réunion, et c'était juste un plaisir de le revoir et de se reconnecter. Je n'ai réalisé que les deux premiers épisodes, et son personnage n'apparaît qu'au troisième, donc je n'ai pas eu l'honneur de le diriger.

C'était un homme incroyable. Il y a une raison pour laquelle son talent a duré, et il apportait une touche d'humour malicieux sur le plateau. Il a une manière douce et généreuse avec les autres. Il a aussi beaucoup d'enfants ; il est devenu un vrai père. Sur le plateau, on riait souvent car on disait : "Tu es le père maintenant. Tu n'es plus le fils." 

Vous avez récemment dirigé une production d'Avenue Q à Londres, que vous aviez déjà dirigée à Broadway il y a plus de 20 ans. Vous avez eu beaucoup d'expérience de mise en scène depuis. En quoi cela a-t-il influencé votre approche du matériel cette fois-ci, au regard de toutes vos réalisations depuis ?

Je suis un bien meilleur metteur en scène aujourd'hui, donc c'était amusant de revenir et de voir où j'ai mûri. Nous avons fait ce spectacle à propos de personnes dans la vingtaine alors que nous étions dans la vingtaine. Nous ne sommes plus dans la vingtaine aujourd'hui. On voit les choses différemment. Et aussi, avec une nouvelle génération de jeunes collaborateurs, j'ai essayé de rendre cela pertinent pour les jeunes d'aujourd'hui.

J'ai senti que je pouvais en fait corriger beaucoup de choses qui n'étaient pas parfaites lors de la première mise en scène, ou ajouter des couches qui rendent le spectacle plus intéressant. Il était déjà intéressant, mais ce groupe de personnes lui a donné une nouvelle dimension. Je pense que cela a plus de cœur car l'humour n'est plus choquant.

À l'époque, tout le monde était intrigué par l'humour lié au sexe des marionnettes. Maintenant, ce n'est plus un gros sujet; les gens ressentent davantage les émotions. C'est aussi ce que nous ressentions. C'est le spectacle connu avec toutes ses répliques cultes, mais avec quelques blagues vraiment drôles qui abordent en partie le décalage temporel. Nous vivons une époque où il est encore plus difficile de trouver un appartement, ce qui rend cela plus urgent. Nous avons pu changer des éléments pour que ça parle aussi bien aujourd'hui que cela aurait pu il y a 30 ans.

Crédit photo : Kevin Mazur/Getty Images for Prime Video/Prime Video