Exklusiv: Jason Moore über die Inszenierung von Theatralik in der Welt von ELLE und die Rückkehr zu AVENUE Q

Jason Moore ist kein Unbekannter, wenn es darum geht, mit charismatischen, überlebensgroßen Figuren zu arbeiten. Als Regisseur von Bühnenproduktionen wie Shrek the Musical und The Cher Show kennt Moore genau die Kunst, geliebte Figuren auf ganz neue Weise zum Leben zu erwecken. Hier tritt Elle Woods auf den Plan.

Für das Publikum, das Anfang der 2000er-Jahre mit Legally Blonde bekannt wurde, gab die pinktragende Elle zu Recht eine der ikonischsten weiblichen Figuren jener Zeit ab. Indem sie Geschlechterstereotype zerbrach und stets unapologetisch sie selbst war, blieb Elle über die Jahre hinweg eine feste Größe der Popkultur – und die neue Prequel-Serie von Prime Video mit demselben Namen beweist, dass sie so schnell nicht verschwinden wird.

Unter der Führung der ungemein sympathischen Lexi Minetree in der Titelrolle versetzt die Serie den Charakter in die Stadt Seattle um 1995, wo Elle sich zum ersten Mal in ihrem Leben fehl am Platz fühlt. Während sie sich an die neue Umgebung gewöhnt, entdeckt sie eine finstere Verschwörung in ihrer Gemeinde und versucht mit Hilfe neuer Freunde, den Täter aufzudecken – gleichzeitig lernt sie wertvolle Lektionen über sich selbst und darüber, welche Art von Person sie für ihr Umfeld sein möchte.

Zum Start der Serie inszenierte Moore die ersten beiden Episoden und war darüber hinaus ausführender Produzent der gesamten Staffel. Wir haben uns mit dem Tony-nominierten Regisseur für Bühne und Film unterhalten, der darüber sprach, wie er mit Minetree zusammenarbeitete, um das Wesen von Elle zu finden, seinen theatralischen Inszenierungsstil und seine Rückkehr als Regisseur von Avenue Q, Jahrzehnte nach der Originalproduktion. Alle Episoden der ersten Staffel von Elle sind jetzt auf Prime Video verfügbar.

Dieses Interview wurde zur Klarheit und Kürze gekürzt.

Sie haben bereits an anderen bekannten IPs gearbeitet, wie etwa Shrek the Musical. Was haben Sie daraus gelernt, das Ihnen bei Elle hilfreich war?

Ich denke, man stellt sich so Fragen wie: „Was erwarten die Leute zu sehen?“ Bei einem Prequel ist das etwas weniger vorgegeben, sodass es eher heißt: „Welche Aspekte der Figur wollen sie sehen?“ Für Elle war es vor allem wichtig, diesen vor 9/11 angesiedelten, sehr freudigen und optimistischen Blick auf die Welt weiterzuführen. Außerdem gibt es anfangs Leute, die die IP beschützen und eher skeptisch sind. Man möchte ihnen zeigen, dass man sie versteht und liebt.

Diese Generation junger Menschen braucht die Sicht von Elle Woods, gerade in einer Zeit, in der das Leben zynisch ist, man früh alles mitbekommt und vieles das Selbstvertrauen erschüttern kann. Im Endeffekt kommen die Leute, um Shrek, Cher und Elle Woods zu sehen. Daher liegt es an Brian d'Arcy James (Shrek), Stephanie J. Block (Cher) oder Lexi Minetree, das Wesen dieser Charaktere zu verkörpern. Für mich ist das alles andere als vage.

Man muss zwei oder drei Eigenschaften wählen, die beim Schauspieler natürlich wirken und die der Originalfigur entsprechen. Lexi ging etwa zu einer Broadway-Gesangslehrerin namens Kate Wilson. Sie haben Intonation, Atem, Verhaltensweisen und Reaktionen besprochen. Wir sammelten zwei bis drei dieser Merkmale und ließen den Rest weg. Wenn man ein paar Dinge richtig trifft, ruft man die Figur zurück, ohne dabei eine Nachahmung zu liefern.

Der etwas freche Teil der Antwort ist: Man muss sie lieben und dann vergessen. Wenn man sich ständig Sorgen macht, Erwartungen nicht zu erfüllen, besser zu sein oder dass andere denken, es funktioniert nicht – dann ist das kein guter Ausgangspunkt fürs Schaffen. Man muss auch darauf vertrauen, dass man seine Arbeit gemacht hat und die Liebe zur Figur gezeigt wird.

Was waren denn einige der Dinge, die Sie unbedingt umsetzen wollten?

Ich habe zugesagt, weil das Drehbuch so gut war. Es setzt sehr hohe Maßstäbe und mit Lexi war klar, dass wir dieses Niveau erreichen würden. Es soll spezifisch und zeitlos wirken. Das Produktionsdesign ist sehr, sehr 90er: bunte klare Telefone und Piepser. Die Fotografie hingegen modern. Es ist, als würde man ein Schlafzimmer aus den 90ern mit moderner Fototechnik ablichten – es wirkt frisch, aber authentisch. Das war ein Grundprinzip für das Aussehen der Serie.

Ich wollte im Breitbild drehen. Die Bildsprache sollte tief und üppig sein, denn Elles Welt ist vielschichtig und luxuriös. Der Originalfilm hatte eine sehr helle Farbpalette. Unsere erinnert daran, ist aber nicht so bonbonfarben oder kitschig wie ein alter Trapper Keeper.

Das macht auch Sinn, weil Seattle als dunkler Schauplatz dient.

Ja, da wusste man, dass der Großteil in Seattle spielt, und der Kontrast war bewusst eingebaut. Die Vorstellung, dass Elle wie ein Sonnenstrahl in einer wolkigen Umgebung ist, war ein Bild, mit dem wir alle arbeiteten. Im Piloten sieht man zum Beispiel bei jedem Auftritt von Elle Sonnenreflexe – sie trägt quasi ihr eigenes Spotlight mit sich.

Ein Teil von Lexis Performance war die Entscheidung, Elle Woods als theatralische Figur zu gestalten. Sie ist größer als das Leben, aber wir wollten, dass es geerdet wirkt und wir die Mutter-Tochter-Emotionen sowie die toxischen Teenager-Gefühle erforschen können.

Wir hatten am Set einen Code: „Okay, ein bisschen theatralisch, ein etwas größerer Atemzug, eine etwas stärkere Reaktion, improvisierte Zeile.“ Wir waren uns sehr bewusst, an welchen Reglern wir drehen. Im Schnitt haben wir viele dieser Entscheidungen überprüft: Wirkte es zu breit oder zu alltäglich?

Da Sie im Musical-Theater arbeiten: Haben Sie etwas aus dem Musical übernommen, das Ihre Herangehensweise an die Episoden oder Ihre Arbeit als ausführender Produzent beeinflusst hat?

Meine Arbeit ist meist ziemlich komödiantisch und überhöht, aber dennoch bodenständig. Ich bin großer Fan des Musicals, und ich sagte oft „Courtney, mach eine Pause“, ohne zu bedenken, dass das gar nicht im Film vorkommt. Mein allgemeines Interesse, mein Stil und die Theatralik haben mehr Einfluss genommen als das Musical selbst.

Ich wollte Sie auch fragen wegen des viel zu früh verstorbenen James Van Der Beek. Er spielt eine bedeutende Rolle in dieser Staffel und ich glaube, Sie hatten bereits bei Dawson’s Creek mit ihm gearbeitet. Können Sie erzählen, wie er für die Serie gewonnen wurde und wie die Zusammenarbeit bei Elle war?

Ich habe damals fünf Episoden von Dawson’s Creek inszeniert und dabei James und sein ganzes Team kennengelernt. Legally Blonde hat ein bisschen Nostalgie, und wir wussten, dass die 90er ein Thema waren. James war da eine weitere Erinnerung, ähnlich wie Reese im Film oder der Serie. Es passte auf vielen Ebenen: sein Talent, unsere Zuneigung zu ihm und die interessante Meta-Ebene, die das mitbrachte. Wir hatten ein Treffen, das einfach Spaß machte, ihn wiederzusehen und den Kontakt aufzufrischen. Ich habe nur die ersten beiden Episoden inszeniert, sein Charakter kommt erst ab Folge drei vor, daher hatte ich nicht die Ehre, ihn zu führen.

Er war ein großartiger Mann. Sein Talent hat Bestand, und er brachte eine schelmische Humor Note mit an den Set. Er geht sehr großzügig mit anderen um. Und da er inzwischen viele Kinder hat, ist er ein richtiger Vater geworden. Wir haben viel gelacht, denn es hieß immer: „Du bist jetzt der Papa, nicht mehr der Sohn.“

Sie haben kürzlich eine Inszenierung von Avenue Q in London geleitet, eine Show, die Sie vor über 20 Jahren auch am Broadway inszenierten. Sie haben seitdem viel Erfahrung gesammelt. Wie hat das Ihre Herangehensweise an das Material jetzt beeinflusst?

Ich bin heute ein viel besserer Regisseur, deshalb war es spannend zurückzukehren und zu sehen, wo ich mich weiterentwickelt habe. Wir haben die Show damals über Menschen in ihren 20ern gemacht – und das waren wir selbst in unseren 20ern. Heute sind wir das nicht mehr und sehen vieles anders. Auch mit einem anderen Team junger Mitwirkender haben wir versucht, die Show für die heutige junge Generation relevant zu machen.

Ich konnte ehrlich gesagt viele Dinge korrigieren, die ich beim ersten Mal nicht gut gemacht fand, und Schichten hinzufügen, die die Show interessanter machten. Sie war schon immer interessant, aber mit diesem Team hat sie eine neue Sichtweise bekommen. Jetzt hat sie mehr Herz, da der Humor nicht mehr schockieren muss.

Damals waren alle abgelenkt von Puppensex und Humor. Heute ist das kein großes Thema mehr, die Leute spüren mehr die Emotion dahinter, was wir auch bei der Wiederaufnahme empfunden haben. Es ist die bekannte Show mit allen großartigen Sprüchen, aber auch mit wirklich witzigen neuen Anspielungen, die den Zeitunterschied thematisieren. Wir leben heute in einer Zeit, in der es noch schwerer ist, eine Wohnung zu bekommen – das macht das Thema noch dringlicher. Wir konnten Dinge verändern, damit die Show sich zeitgemäß anfühlt, obwohl sie auch vor 30 Jahren gepasst hätte.

Foto-Credit: Kevin Mazur/Getty Images for Prime Video/Prime Video