Esclusiva: Jason Moore parla di come portare teatralità nel mondo di ELLE e del suo ritorno ad AVENUE Q

Jason Moore non è estraneo a lavorare con personaggi più grandi della vita. Avendo diretto spettacoli teatrali come Shrek the Musical e The Cher Show, Moore conosce intimamente l'arte di dare vita a figure amate in un modo completamente nuovo. Ed ecco Elle Woods.

Per il pubblico che ha conosciuto Legally Blonde nei primi anni 2000, Elle, con i suoi abiti rosa, regnava giustamente come uno dei personaggi femminili più iconici dell'epoca. Smantellando gli stereotipi di genere ed essendo se stessa senza scuse, Elle è rimasta una presenza costante nella cultura pop negli anni successivi e la nuova serie prequel di Prime Video con lo stesso nome dimostra che non andrà da nessuna parte presto.

Guidata dall’incredibilmente simpatica Lexi Minetree nel ruolo principale, la serie trasporta il personaggio nella città di Seattle intorno al 1995, dove Elle si sente fuori posto per la prima volta nella sua vita. Mentre si adatta al nuovo ambiente, scopre un complotto nefando nella sua comunità e, con l’aiuto di nuovi amici, cerca di scoprire il colpevole, imparando allo stesso tempo preziose lezioni su se stessa e sul tipo di persona che vuole essere per coloro che la circondano.

Per dare il via alla serie, Moore ha diretto i primi due episodi e ha anche ricoperto il ruolo di produttore esecutivo per tutta la stagione. Abbiamo incontrato il regista teatrale e cinematografico candidato al Tony, che ha parlato del lavoro con Minetree per trovare l'essenza di Elle, del suo stile di regia teatrale e del suo ritorno a dirigere Avenue Q, decenni dopo la produzione originale. Tutti gli episodi della Stagione Uno di Elle sono ora in streaming su Prime Video.

Questa intervista è stata condensata per chiarezza e lunghezza.

Hai lavorato in precedenza su altri franchise affermati, come Shrek the Musical. Cosa hai imparato lavorando su titoli così grandi che ti è stato utile per affrontare Elle?

Penso che inizi a farti domande come: "Cosa si aspettano di vedere le persone?" Con un prequel, questo è un po' meno definito, quindi diventa più simile a "Quale aspetto del personaggio vogliono vedere?" Per Elle, penso soprattutto al fatto che si tratta di un periodo pre-11 settembre, quando uscì, era un modo molto gioioso, molto ottimista, di vedere il mondo da parte di un personaggio. Trasportare questo aspetto in avanti era la cosa più importante. Inoltre, all’inizio ci sono persone che proteggono il franchise e ne sono nervose. Vuoi mostrare loro che lo capisci e che lo ami anche tu.

Questa è una generazione di giovani che ha bisogno del punto di vista di Elle Woods in un mondo cinico, in cui si viene esposti a tutto molto presto e ci sono molte cose che possono minare la fiducia in sé stessi. In realtà, quello che le persone vogliono vedere sono Shrek, Cher ed Elle Woods. Quindi diventa responsabilità di Brian d'Arcy James (Shrek), Stephanie J. Block (Cher) o Lexi Minetree interpretare l’essenza del personaggio. E per me, non è affatto vago.

Devi scegliere due o tre cose che sembrano naturali nel tuo attore e che erano anche presenti nell’originale. Per Lexi, è andata da una coach vocale di Broadway chiamata Kate Wilson. Hanno parlato di intonazione, respirazione, gesti e reazioni. Abbiamo scelto un paio di questi elementi e abbandonato gli altri. Fidati che se prendi qualche cosa giusta, richiami l’originale, ma non stai cercando di imitare o copiare.

La parte un po' audace di questa risposta è che devi amarlo e poi dimenticarlo. Perché se ti preoccupi costantemente di non essere all’altezza di qualcosa, o di essere migliore o peggiore, o che la gente pensi che non funzioni, non è affatto un buon punto di partenza per creare. Devi anche fidarti di aver fatto il lavoro e che il tuo amore per il progetto traspaia.

Quali erano alcune delle cose che sapevi di voler fare?

Ho accettato perché la sceneggiatura era così buona. Era un livello molto alto, e trovare Lexi significava che quel livello sarebbe stato mantenuto. Vuoi qualcosa di specifico ma senza tempo. La scenografia è molto, molto anni ’90. Telefoni colorati trasparenti e cercapersone, ma la fotografia è moderna. È come se avessi una fotografia moderna di una replica esatta di una camera da letto degli anni ’90. Apparirebbe moderna, ma quello che stai fotografando è autentico. È stato un principio guida per l’aspetto dello show.

Volevo girarlo in widescreen. Volevo che avesse un aspetto fotografico ricco e profondo perché il mondo di Elle è molto stratificato e lussuoso. Il film originale aveva una palette di colori molto vivace. La nostra palette ricorda quella, ma non è zuccherosa né tipo un vecchio Trapper Keeper.

Ha anche senso per il luogo in cui è ambientato, la Seattle più cupa.

Esatto. Sapendo che la maggior parte della serie si svolgerebbe a Seattle, il contrasto tra le due cose era sempre ben presente. L’idea di Elle come raggio di sole in un ambiente nuvoloso è stata un’immagine con cui abbiamo lavorato tutti. In effetti, se guardi il pilot, ci sono raggi di sole ogni volta che appare Elle. È come se portasse con sé una luce di proiezione personale.

Parte della performance di Lexi è stata decidere che Elle Woods è un personaggio teatrale. È più grande della vita, ma volevamo che si sentisse realistica e che potessimo approfondire l’emozione madre-figlia e quella tipica dell’adolescente problematico.

Abbiamo adottato un codice in scena tipo: “Facciamo la versione un po’ teatrale. Un respiro un po’ più ampio, una reazione più grande, una battuta improvvisata.” Eravamo molto consapevoli di come modulare tutto questo. Era molto preciso sul set, ma molte decisioni sono state prese in montaggio. Funziona o è troppo ampio? O è troppo quotidiano?

Dato che lavori nel teatro musicale, c’è qualcosa che hai tratto dal musical che ha influenzato il tuo approccio a questi episodi o al ruolo di produttore esecutivo?

Il mio lavoro tende a essere una commedia abbastanza esagerata, ma radicata nella realtà. Sono un grande fan del musical e penso di aver detto diverse volte a Courtney “prenditi una pausa”, all’inizio, dimenticando che non era presente nel film. Ma credo che il mio interesse, stile e teatralità abbiano influenzato di più rispetto al musical vero e proprio.

Volevo chiederti del compianto e grande James Van Der Beek. Ha un ruolo piuttosto significativo in questa stagione e credo avessi già lavorato con lui in Dawson’s Creek. Puoi parlarci di come siete riusciti a coinvolgerlo per questa serie e com’è stato lavorare con lui per Elle?

Ho diretto cinque episodi di Dawson's Creek anni fa e ho conosciuto James e tutto quel gruppo. Legally Blonde ha un po’ di nostalgia e siamo sempre stati consapevoli del tema anni ’90. In qualche modo, James era un altro richiamo, come la presenza di Reese nel film o nello show. Si è allineato su tanti livelli: il suo talento, il nostro amore per lui come persona e anche questo interessante fattore meta che ha portato. Abbiamo fatto un incontro ed è stato divertente rivederlo e ricollegarci. Ho diretto solo i primi due episodi e il suo personaggio compare al terzo, quindi non ho avuto l’onore di dirigere lui.

Era un uomo incredibile. C’è un motivo per cui il suo talento è durato nel tempo, e portava sul set un senso dell’umorismo malizioso. Ha un tocco molto generoso con gli altri. Ha anche tanti figli; è diventato un vero padre. Sul set ridevamo sempre perché era come: “Adesso sei il papà, non più il figlio.”

Hai recentemente diretto una produzione di Avenue Q a Londra, che ovviamente avevi già diretto a Broadway più di 20 anni fa. Hai accumulato molta esperienza di regia da allora. Come ha influenzato il tuo approccio al materiale, data tutta la tua esperienza?

Ora sono un regista molto migliore, quindi è stato divertente tornare indietro e vedere come sono maturato. Abbiamo fatto quello spettacolo su persone nei loro vent’anni quando avevamo vent’anni noi stessi. Ora non abbiamo più vent’anni. Lo vedi in modo diverso. Inoltre, lavorando con un nuovo gruppo di giovani collaboratori, cercavamo di farlo funzionare per i giovani di oggi.

Ho sentito anche di poter correggere molte cose che penso non fossero ben dirette la prima volta o aggiungere strati che hanno reso lo spettacolo più interessante. È sempre stato interessante, ma con questo gruppo ha preso una piega. Penso che abbia più cuore perché l'umorismo non è più scioccante.

All’epoca tutti erano distratti dal sesso tra pupazzi e dall’umorismo. Ora non è più un grosso problema; penso che la gente percepisca di più l’emozione, che è anche quella che sentivamo noi. È lo show che tutti conoscono, con tutte le grandi battute, ma con alcuni nuovi sketch davvero molto divertenti che affrontano in parte il gap temporale. Viviamo in un periodo in cui è ancora più difficile trovare un appartamento, perciò questo tema assume ancora più urgenza. Siamo riusciti a cambiare alcune cose per far sentire che poteva applicarsi oggi, anche se avrebbe funzionato anche 30 anni fa.

Photo Credit: Kevin Mazur/Getty Images for Prime Video/Prime Video