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Für einen Mann eines gewissen Alters birgt Leonard Bernsteins einaktige Oper,
Wie jene beiden Meister der psychologischen Lethargie bietet Bernstein auch etwas leichte Auflockerung mit einer scharfen und witzigen Kritik an suburbanem Leben, ein klangliches Pendant zu Richard Hamiltons Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?. Diese Collage entstand 1956, die Oper vier Jahre zuvor, doch ihre schonungslose Anklage und Darstellung von Anomie könnte gestern entstanden sein. Themen wie Work-Life-Balance, die Aufteilung von Kinderbetreuung, sexuelle Belästigung in Situationen mit deutlichem Machtgefälle und – gerade auch – die entscheidende Rolle ehrlicher, von Angesicht zu Angesicht geführter Kommunikation für das Entstehen von Empathie sind alle auf ihren 40 Minuten geballt. Und noch viel mehr, aber das soll erst einmal reichen!
Es wäre ein großartiges Theaterstück, aber es ist keine, sondern eine Oper mit einer atemberaubenden jazzinfizierten Partitur, die ich bei meiner dritten Sichtung einer Produktion tatsächlich spürte, wie sie die Handlung Stück für Stück freilegt. Bernstein konnte jede Art von Musik schreiben, doch sein größtes Genie lag darin, sie dem Geschichtenerzählen unterzuordnen, sei es am Broadway, in Hollywood oder beim Unterrichten von Kindern in klassischer Musik.
Es ist eine ziemliche Herausforderung, das alles zusammenzuführen, besonders, so könnte man sagen, für ein Ensemble, das sich auf Nachwuchstalente konzentriert – und dann auch noch seine Debütproduktion einer voll inszenierten Oper präsentiert.
Ich habe die Partitur nie besser gehört als hier, Lewis Gaston dirigierte Opera Prelude’s 16-köpfiges Orchester und ließ all die bissigen Spitzen, die bewegenden Momente und die schwebende Satire, die in der Musik stecken, zum Vorschein kommen. Es mag eine einaktige Oper sein, doch dies ist keine Boutique-Produktion, sondern verlangt ganz sicher eine Rückkehr zu Opera Holland Park in der nächsten Saison.
Clover Kayne, Alex Haigh und Khaled Issa hatten großen Spaß mit ihrem Chor aus Radiospot-Sängern und brachten mit jedem beworbenen Produkt, mit jedem so besonders schönen und ansprechenden Zuhause die Leere des Konsumismus der Nachkriegszeit auf den Punkt. Ihre Stimmen wurden manchmal vom Orchester etwas übertönt, aber dies war eine einmalige Aufführung und ich bin sicher, hier könnte bei geplanten weiteren Vorstellungen nachgebessert werden.
Die Last der Geschichte tragen die beiden entfremdeten, unsympathischen Ehepartner, beide Mitte 20 – man darf nicht vergessen, dies ist die 1950er! Jack Holton könnte direkt aus einer frühen Staffel von Mad Men stammen (Peiyao Wangs Kostüme sind perfekt) und wenn ihm die gefährliche Ausstrahlung von Don Draper fehlt, ist das genau so gewollt. Alexandria Moon ist großartig als Dinah, ihr darstellerisches Können beeindruckt in ihren infantilisierenden Puppenkleidern, ihre Mezzosopranstimme füllt einen Raum aus, der selbst für erfahrene Künstler eine Herausforderung darstellt.
Ihr Zusammentreffen auf der Straße, sensibel inszeniert von Regisseurin Valeria Perboni, ist zurückhaltend, aber dennoch vernichtend, da die beiden Menschen, die zusammen aufwachen und zusammen einschlafen, sich unverfroren anlügen, um tagsüber jede Zeit miteinander zu vermeiden. Sie sehen – erschreckend!
Das zweite Werk ist eine Inszenierung von Kurt Weills ballet chanté, The Seven Deadly Sins, mit einem Libretto von Bertolt Brecht, gesungen im deutschen Original von 1933 – mit allem, was diese Information mit sich bringt.
Mit den Besonderheiten dieses Werks und dieses Genres war ich nicht vertraut, weshalb es eine Weile brauchte, um mich auf die angewandten Methoden einzustellen.
Die beiden Annas bilden die Hauptfigur. Sie beschreiben sich selbst als eine Person: die vernünftige, vorsichtige Anna I (Stepanie Wake-Edwards), die den Großteil singt; und die flatterhafte, verführerische Tänzerin Anna II (Yanki Yau), die die Sünden nicht begeht, aber in Weills scharfer Umkehrung darunter leidet. Es ist weniger ein spielerischer, verwirrender Spaß à la William Gilbert, sondern eine brutale Anklage gegen eine Welt, in der oben unten und schuldig unschuldig ist. Der Gedanke schweifte unwillkürlich zu USA 2026.
Das wird zum Teil durch eine episodische Handlung angeregt, die die Annas in sieben amerikanische Städte führt, in denen Anna II der sieben Todsünden beschuldigt wird – Sünden, die tatsächlich von ihren Anklägern begangen werden. Videoprojektionen (ähnlich den Bannern Brechts) informieren über Städte und Sünden, sind aber teilweise schwer zu erkennen und erscheinen schnell in der rasanten Handlung.
Währenddessen führt uns Weills dissonante, aber nie unangenehme Partitur aus dem Gleichgewicht und Annas Familie liest ihre Briefe, richtet über sie und verprasst die Rückzahlungen, die für ein Haus am Mississippi gedacht waren.
Das ist viel auf einmal (es gibt auch einige Balletteinlagen) und mitunter kann man den Faden verlieren, doch es ist stets fesselnd und sticht einem mit diesem brechtschen Finger in die Brust, fordert eine Reaktion heraus. Denn das alles geschieht auch jetzt gerade.
Es ist also ein Abend voller Genüsse, bei dem nicht alles perfekt funktioniert, aber genug, um zu begeistern. Was als nächstes für dieses Ensemble kommt? Ich weiß es nicht, aber langweilig wird es sicher nicht!
Fotoaufnahmen: Julian Guidera
