Verfügbare Sprachen
Eine zeitgenössische Familie erwacht in einem griechischen Mythos und scheint keinen Ausweg aus ihrem höllischen Schicksal zu finden.
Autor und Regisseur Simon Stone wird von demselben Kreativteam unterstützt, das auch das „fantastisch originelle, fesselnde und großartige“ (The Guardian) The Lady from the Sea zum Leben erweckt hat; Bühnenbildnerin Lizzie Clachan, Kostümdesignerin Mel Page, Musik von Stefan Gregory, Lichtdesigner Nick Schlieper und Castingdirektorin Jessica Ronane CDG.
Was sagten die Kritiker?
The Oresteia läuft im Bridge Theatre bis zum 19. September
Foto-Credits: Johan Persson
Alexander Cohen, BroadwayWorld: Obwohl geschickt in zeitgenössischer Kleidung verpackt, übersetzen sich die zugrundeliegenden Dynamiken nicht ganz. Griechische Tragödie verlangt, dass das Töten sowohl moralisch verständlich als auch zugleich unentschuldbar ist. Isabelle nimmt sich ihr Leben, statt von Christopher geopfert zu werden, und der darauffolgende Rachezyklus erreicht nie die nötige Tragweite. Am Ende der zermürbenden dreieinhalb Stunden bleibt nicht viel moralische Substanz übrig, nur ein blutiges Splatterfest.
Tim Bano, The Standard: Dreieinhalb Stunden vergehen wie im Flug, gekrönt von einem Coup im Epilog: Plötzlich erinnert uns Stone daran, dass all die saftige Gewalt, die wir als Spektakel genossen haben – blutige Handabdrücke auf dem makellosen Glas, Stanley-Messer, die in Eingeweide gestoßen werden – stellvertretend für die Brutalität in den zahlreichen Kriegsgebieten der Welt steht. Dieser instinktive Nervenkitzel verwandelt sich in einen unangenehmen, unerwarteten Schlag. Das Haus Middleton wird zur Metapher für jedes Volk, das in einem Kreislauf retributiver Gewalt gefangen ist. Keine deus-ex-machina-Lösung hier. Es ist alles zu schmerzhaft menschlich, eine Mahnung, dass wir die Urheber all dieser Gewalt sind – und ebenso ihre Ernte.
Sarah Crompton, WhatsOnStage: Stones Schreiben ist bis zum abschließenden Akt vollkommen stimmig, der jedoch zu viel auf einmal hineinpackt; er ist einfach nicht so stringent wie die anderen. Alice wird dabei besonders schlecht behandelt; sie ist eine Außenseiterin, sozial unbeholfen, nie ganz sicher über ihren Platz in der Geschichte, was eine Vergeudung von Sheehys wunderbarem komödiantischem Timing und Leidensfähigkeit darstellt. Doch seine Regie ist makellos, erhöht kontinuierlich den Druck und gibt den Figuren dennoch Raum zum Atmen. Montie hat einen wunderbaren Moment, in dem sie, ihrer amerikanischen Heimat entrissen, von einer Rückkehr über das Meer träumt. Parker ergreift diesen Moment mit tranceartiger Zartheit und bringt Mitgefühl für eine Figur, die sonst wenig Sympathie erweckt. Auch Morrissey findet die Traurigkeit unter Chriss' machohaftem Äußeren und suggeriert seine Melancholie mit einer kleinen Schulternsenkung, einer Kopfhebung.
Olivia Rook, London Theatre: Die Besetzung ist erstaunlich stark. Morrissey und Parker haben eine düstere Chemie, die zeigt, wie Schuld eine Beziehung verfaulen und töten kann. Sie wird in ihrer Trauer bösartig, freut sich kalt am Mord an Christopher und nennt sich selbst „den Racheengel“, während Macmillan – als ihre Komplizin und zweiter Ehemann Jerome – völlig von Schuldgefühlen überwältigt wird und den Tod willkommen heißt. Sheehy ist als schnellsprechende, sozial unbeholfene Alice äußerst sehenswert, und Glynn-Carney liefert als von seinem eigenen Geist zerstörter Mann eine herzzerreißende Vorstellung ab, die Erinnerungen an seine jüngste Darstellung in Ivo Van Hoves All My Sons weckt – ein weiteres Stück über vergrabene familiäre Schuld.
Andrzej Lukowski, TimeOut: Und Stones Figuren sind größtenteils angenehm. Sheehys Leistung schätzt man umso mehr, wenn man sie schon anderswo gesehen hat und nachvollziehen kann, wie weit ihre liebenswert unbeholfene, vornehme Alice von allem anderen entfernt ist, was die walisische Schauspielerin je gemacht hat. Aber sie ist so oder so eine Freude, ein lebendiger Cocktail aus Privileg und Minderwertigkeitskomplex. US-Star Parker schwankt am Rand eines Panto-Bösewichts, aber sie ist grandios darin; mit ein paar herrlich theatralischen Monologen. Und es gibt auch einige großartige Nebenfiguren, insbesondere Rakhee Thakrar als Christophers parodistisch heiliger neue Freundin Chandra.
Alice Saville, The Independent: Stones Szenen sind dicht geschrieben und desorientierend, wodurch das Publikum kämpft, die Verbindungen zwischen der großen, streitlustigen Familie auf der Bühne zu verstehen. Niemand verhält sich so, wie man es erwarten würde: Es gibt inzestuöse Zärtlichkeiten und unangenehme Grausamkeiten. Die Sprache dieses wohlhabenden Clans ist psychische Gewalt, lange bevor die ersten physischen Schläge fallen. Wenn das unvermeidliche Blut zu fließen beginnt, kommt das Meisterwerk von Bühnenbildnerin Lizzie Clachan voll zur Geltung. Dieser präzise konzipierte Kubus enthält ein ganzes Haus auf zwei Etagen. In angespannten Momenten dreht er sich langsam, sodass wir dolchschwingende Morde oder rot befleckte Opfer durch dieses perfekte Puppenhaus-Wunderland huschen sehen, das mit Schrecken gefüllt ist.
Dave Fargnoli, The Stage: Bühnenbildnerin Lizzie Clachan bietet ein unheilvolles, mehrstöckiges Bühnenbild, das die Figuren in einem Kubus aus Beton und Glas einschließt. Es ist eine Art brutalistischer Menschenzoo, in dem wir den Todesstrudel der Familie durch riesige Fenster und Schiebetüren beobachten, was uns vom Geschehen distanziert und die Schauspieler dazu zwingt, Mikrofone zu tragen. Zumindest am Premierenabend war das Ergebnis ein merklich gedämpfter, hallender Klang, der einigen Darstellern die Tiefe und Textur der Zeilen raubte. Stones Engagement, die realistischen Rhythmen von Gesprächen einzufangen, führt zu ständig überlappendem Dialog und streitlustigen Unterbrechungen, die seinen Text zusätzlich verwirren.
Durchschnittliche Bewertung: 80,0%
