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Você tem uma pergunta fervorosa sobre a Broadway? Morre de vontade de saber mais sobre um fato obscuro da Broadway? A historiadora da Broadway e autoproclamada nerd do teatro Jennifer Ashley Tepper está aqui para ajudar com Broadway Deep Dive. O BroadwayWorld está aceitando perguntas de fãs de teatro como você. Se você tiver sorte, sua pergunta pode ser selecionada como o tema da próxima coluna dela!
Envie sua pergunta sobre Broadway aqui!
A escritora e atriz indicada ao Prêmio Pulitzer Eisa Davis discute sua nova peça no Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, bem como seus outros projetos futuros, incluindo uma remontagem de Mixtape de Angela e o novo musical Warriors.
Quando você começou a escrever a peça ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, e qual foi sua inspiração inicial para ela?
A razão pela qual esta peça surgiu é por causa de Pam MacKinnon.
Em 2018, Pam MacKinnon se tornou a diretora artística da A.C.T. [Teatro Conservatório Americano de San Francisco]. Uma de suas primeiras ações como diretora artística foi encomendar pessoas que ela realmente queria contar histórias sobre a Bay Area, e é de lá que eu venho. Ela pensou: Estou entrando em um novo espaço onde posso realmente destacar as histórias das pessoas que serão minha nova contingência.
Ela e eu já nos conhecíamos. Eu havia participado de um workshop dela e, claro, eu admirava Pam MacKinnon, essa pessoa que é uma intérprete incrível de Edward Albee e Craig Lucas e Lydia Diamond e Itamar Moses e todas essas pessoas com quem ela havia trabalhado. Fiquei surpresa que ela quisesse que eu escrevesse uma peça.
Ela veio a uma peça em que eu estava [atuando] no The Public Theater, dirigida por Tommy Kail—uma peça de Sarah Burgess chamada Kings. E ela disse: “O que você acha de escrever uma peça [como] uma comissão para a A.C.T.?" Eu fiquei um pouco hesitante [a princípio]. Eu estava um pouco desgastada de escrever em salas de roteiristas e ter prazos. Mas então eu pensei: eu realmente quero escrever sobre a Bay e quero escrever sobre o programa de música que frequentei quando criança, dos 10 aos 17 anos. Quero encontrar uma maneira de honrar os professores que tive lá e os belos dias que passei estudando música: piano clássico, canto, jazz, gospel, pop e música experimental. Tudo isso estava acontecendo nessas incríveis semanas de verão que passei [lá] e também [em] aulas semanais durante o ano. Então foi [devido] ao incentivo de Pam. E então eu disse: “Eu sempre gosto de escrever sobre uma questão que está me assombrando ou uma paixão, um amor profundo que eu tenho, ou ambos.”
Comecei a escrever a peça, [durante] um pouco de uma residência na Bay Area, em 2019. Escrevi o primeiro rascunho no início de 2020, logo antes da COVID. A partir daí, o processo foi que fizemos um workshop pelo Zoom ao longo de uma semana em novembro de 2020 com um elenco adulto e um elenco de adolescentes. Eu queria que os adolescentes pudessem me dizer se eles realmente se identificavam com a escrita que eu estava fazendo para crianças da idade deles e, em seguida, os atores adultos poderiam fornecer a experiência e o suporte dramaturgico que você precisa ao testar uma peça em águas desconhecidas. Encontramos uma maneira muito legal de improvisar juntos. Isso foi nos primeiros dias do Zoom, antes que fosse possível para os artistas realmente fazerem sons ao mesmo tempo. Mas encontramos uma [maneira]. E eu pensei: vamos encontrar uma maneira de sempre manter esse elemento de chance e improvisação nesses workshops. Então, fizemos isso.
Eu não tinha certeza se Pam realmente estava gostando da peça depois disso. Eu não sabia se eles teriam algum financiamento para continuar com ela. Mas então eles foram receptivos na A.C.T. e fizemos outra leitura. Eu fiz uma residência de escrita na A.C.T. em 2023 e foi lá que a forma da peça começou a acontecer. Eu inicialmente queria ver se poderia randomizar todas as cenas. Eu pensei que talvez pudesse encontrar uma maneira de fazer isso funcionar com as cenas indo em qualquer ordem. Elas seriam determinadas pelo público da mesma forma que o público escolhe a série de tons agora. Talvez cada cena pudesse ser marcada para uma nota e então o público determinaria a ordem dessas notas e então teríamos uma peça que [poderia] ir em todas as direções possíveis. Experimentamos isso em workshops [e] não funcionou nada bem. Eu falhei miseravelmente, mas é para isso que servem os experimentos. Você descobre o que [funciona]. Eu percebi que a história que eu queria contar era cumulativa, que era uma narrativa que requer consequências. Houve uma resposta muito forte [para] aquela leitura. A forma emocional da peça realmente começou a se firmar em 2023.
Em 2024, a A.C.T. confirmou: sim, queremos fazer isso. E então [no] Vineyard, onde eu tinha uma comissão e havia recebido um prêmio através de Paula Vogel e Daryl Roth, eu perguntei: “Você acha que essa peça funcionaria como minha comissão aqui também?” Eles a leram no Vineyard e amaram, então conseguimos fazer essa coprodução entre a A.C.T. [na Bay Area] e o Vineyard em Nova York. Não posso expressar o quão bonito esse processo foi. Muitas vezes você terá isso com um musical, onde você tem uma prévia fora da cidade. E isso foi o que conseguimos fazer, passamos todo o tempo necessário realmente desenvolvendo a música e os relacionamentos entre os personagens. Tivemos tempo para os atores realmente começarem a se sentir em casa nesses shows.
E uma vez que eu pude ver a apresentação em San Francisco, revisei a peça novamente. Uma vez que [eu] tive a ideia de ‘podem as cenas ir em qualquer ordem?’, mesmo que não fosse algo que fizemos formalmente, foi algo que eu definitivamente fiz na revisão. E uma vez que chegamos a Nova York, reescrevi boa parte da peça, combinei cenas, cortei cenas, [e] escrevi novas cenas. Mesmo nos ensaios, mudamos a ordem de como as cenas iriam acontecer. O que você está vendo no palco do Vineyard agora é realmente, realmente diferente do que estava apresentando em San Francisco em março e abril e, claro, do que tínhamos em todos esses workshops.
Ao longo do caminho, realmente se transformou e eu amo que Pam e Joy Meads, nossa dramaturga, tenham sido tão confiantes em mim ouvindo a peça e deixando-a me dizer qual forma ela quer assumir, o que quer dizer, o que os personagens precisam nos oferecer em termos de sua história refletindo o que nós, na plateia, também estamos sentindo. Há esses momentos realmente apaixonantes que eles têm como jovens que eu acho que muitos de nós podemos realmente nos identificar, especialmente pessoas que estão em Nova York e têm uma forte background nas artes. E se não estão [ainda] nele, ainda têm um profundo amor por isso, e isso pode até ser o porquê de viverem em Nova York.
Eu adoro que o que você compartilhou ilumina como me senti assistindo à peça—senti a nostalgia que os personagens teriam [por esse tempo] antes de tê-la. Você diria que a peça é autobiográfica ou semi-autobiográfica?
Nenhuma das duas. E não é uma peça de memória—é na verdade uma peça de flash-forward. Nós falamos sobre essa distinção porque é muito diferente olhar para trás na sua vida do que olhar para frente. Claro que no final da peça pode parecer: foi uma peça de memória? Mas eu realmente amo a energia [onde está] algo que está se movendo para frente no tempo. E [a peça] não é autobiográfica de jeito nenhum. Os personagens são inventados, o enredo é inventado e até o cenário… eu me inspirei na escola de música que frequentei, mas isso foi há muito tempo e [minha] escola era toda de gêneros.
A forma como Pam sempre coloca é: não é autobiográfica, é apenas muito pessoal. E a forma como eu coloco é que [os] sentimentos da peça vêm das mais profundas cavidades da minha alma. Isso é inconfundível. Isso sou eu. É apenas meu coração em um prato. Não há nada que tenha me acontecido na peça—exceto roubar algumas garrafas de 2 litros quando eu era criança com alguns amigos e me meter em algumas travessuras com isso. E o amor pela música, obviamente. Mas não é autobiográfica [embora] seja definitivamente muito [profundamente] sentida e muito [muito] um mundo que eu conheço.
Estou tão curiosa sobre como você encontra um equilíbrio [entre] esses sentimentos de voltar para dentro de si mesma e como era ser uma jovem quando estava passando por um programa semelhante e, em seguida, o presente de tudo. Sinto que qualquer um que não esteja na geração atual sempre fala sobre como é diferente ser um jovem [agora] por causa da tecnologia. Você falou um pouco sobre trabalhar com pessoas de uma geração diferente no workshop do Zoom. Você pode falar mais sobre como trabalha em uma peça que tem jovens de hoje?
Eu não sentia isso como um desafio porque realmente confio na escuta que faço como artista. Não importa sobre quem estou escrevendo, estou ouvindo muito atentamente as histórias que eles querem contar, quais são seus interesses, como às vezes se sentem sem voz.
Há uma peça que escrevi que David Mendizábal dirigiu em 2022 chamada Mushroom. Essa peça é bilíngue em inglês e espanhol e na verdade tem algumas outras línguas também. É claro que eu não sou uma colhedora de cogumelos indocumentada e, ainda assim, apenas usei a mesma técnica de escuta, apenas ouvindo. Quais são as histórias que precisam ser contadas que não sabemos?
Ou minha peça, Bulrusher. De certas maneiras, essa é uma escuta imaginária. Eu estava ouvindo as vozes dos meus ancestrais em Birmingham, Alabama, de onde alguns dos personagens são. Eu estava ouvindo o som do dialeto que só ouvi em algumas histórias orais e lí outro em um livro. Eu senti que havia um verdadeiro tipo de ritmo nisso que eu entendia e poderia acessar. Então, de certa forma, assim como trabalho como atriz e entro em diferentes papéis, faço isso como dramaturga, entrando em diferentes papéis e tentando encontrar qual conexão genuína e voz posso dar. Então, novamente, [aqui], eu estava procurando conversas com jovens durante esse processo.
Tem sido realmente maravilhoso ter jovens como membros da audiência. Tivemos uma matinê escolar ontem e há um forte sentido de reconhecimento. As pessoas sentem: oh meu Deus, essa é minha história, isso é algo que eu sinto. As pessoas [vinham] até os atores depois e os jovens estavam apenas chorando e chorando dizendo: “Eu sinto o mesmo.”
Houve também momentos em que ouvi e não ouvi de forma adequada. E então fui, gentil ou firmemente ou com raiva, chamada pela pessoas que estou tentando representar. Quando isso acontece, faço tudo que posso para garantir que elas sintam que sua representação é justa e precisa.
Você pode falar mais sobre como sente que seu trabalho como atriz impacta seu trabalho como dramaturga e especificamente se isso se intersecta com como você fala com os atores em uma peça que está escrevendo?
Muita da minha escrita sempre veio de um lugar de: quais são os papéis que eu gostaria de interpretar como atriz? É claro que não posso interpretar esses personagens em ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| mas, se eu estivesse nesse grupo etário, eu adoraria interpretar esses personagens. Há um desejo de garantir que os atores tenham algo que pareça realmente suculento e substancial, e que eles de forma alguma se sintam marginalizados pela história. Eu acho que é bom dramaticamente não sentir que alguém tem um papel inferior a qualquer outro. Mesmo alguém nesta peça como Clementine, que é a personagem de quem ouvimos menos, tem uma certa postura e um certo senso de estar além de tudo isso. Ela não precisa da drama que está acontecendo neste triângulo com esses outros três adolescentes. Ela apenas pratica [música] e faz o que a faz feliz. Muitas pessoas vieram até mim depois, ou vieram até Gia, que interpreta Clementine, e disseram: “Esse é o personagem que eu estou obcecada” e “Estou tentando ativar meu lado Clementine e não me deixar levar e apenas fazer o que eu faço”. Então eu acho que há um pouco de querer garantir que haja papéis que eu sinta que realmente estaria interessada.
Em outras peças que escrevi, há algum papel que é um 'eu' nela. Eu escrevi partes que eu gostaria de interpretar. E às vezes isso acontece e às vezes não. Eu quero que a peça seja sua própria empreitada independente que não dependa da minha presença ou não. Estou sempre tentando pensar com o máximo de compaixão [e] inclusividade ao considerar como funcionam os personagens como dramaturga e como os atores vão interpretar esses papéis—o que é que eles precisam na história e então a longo prazo enquanto fazem isso ao longo de uma temporada.
Como isso afeta a forma que sou com os atores é que eu simplesmente adoro atores. Acho que há um verdadeiro elemento de sacrifício no que todos os artistas criativos interpretativos fazem, além de trazer o melhor de [si mesmos] que há. Então, outra coisa que tenho feito, especialmente em peças de performance que são mais elaboradas, é pedir aos intérpretes: há algo que você sempre quis fazer no palco que nunca teve a chance de fazer? É um bom diagnóstico, mesmo que não façamos realmente aquela coisa, porque então posso sentir o que é que eles estão almejando e desejando e vou ver se há uma maneira de trazer isso para a peça.
[Então há] a energia de um conjunto, dado meu treinamento como músico e como atriz. Meus professores na pós-graduação sempre romantizaram os grandes conjuntos: The Group Theatre e o Moscow Art Theatre… Eu sou membro da The Actors Studio. E [há] essa sensação toda de conjunto, quando você tem um forte senso de conjunto e uma sensação de confiança. Adoro a LAByrinth Theater Company, adoro companhias de teatro onde os atores trabalham juntos repetidamente. Quando você tem esse nível de intimidade, pode alcançar feitos que não conseguiria se estivesse se encontrando pela primeira vez.
Embora em muitas peças que fiz e colaborei com outros, nós nos reuníamos por um breve tempo, depois fazíamos algo e dizíamos adeus, realmente amei aquela sensação de fortalecer nosso conjunto. Se as pessoas querem estar com as outras, se as pessoas estão aprendendo umas com as outras, se as pessoas conseguem confiar umas nas outras no palco, não importa o que aconteça, então você só terá uma experiência muito mais bonita. Isso foi algo que tivemos em Passing Strange, com sobras. Isso também [veio] de fazer três versões do [show]: Berkeley Rep, The Public Theater, [e] Broadway. Sinto que conseguimos fazer isso com [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||], indo para a A.C.T. e vindo aqui para o Vineyard. O conjunto é algo que considero realmente importante na forma como me engajo com os atores.
Eu nunca quero dizer a ninguém o que fazer, mas também tenho uma ideia muito clara do que algo é e se algo está fora desse alcance. É literalmente sobre afinação, como um diapasão. Se algo está desafinado, então tudo parece errado. Então, tento aprender com Pam e lembrar o que eu amo como atriz, que é sempre ter notas e sugestões muito positivas e passíveis de atuação. Tento errar desse lado. É tudo uma questão de relacionamentos e ter esse objetivo compartilhado de querer fazer algo que pareça a maior expressão do que podemos fazer juntos e o que a peça está pedindo de nós.
Conte-nos mais sobre sua história com o Vineyard. Há sua comissão, mas você teve experiências lá como membro da plateia? O que você sente que o espaço trouxe especificamente para a peça e você tem outros pensamentos sobre como é trabalhar no Vineyard?
Sobre esta peça especificamente, o que realmente tenho amado é a intimidade do espaço. Isso é algo que não tínhamos da mesma forma na A.C.T. porque o lindo Strand Theatre lá tem cerca de 283 assentos. É um antigo cinema. Então, mover de lá com o mesmo cenário para o Vineyard significou que a peça soa diferente, se sente diferente. Não temos a altura que tínhamos acima do cenário. As linhas de visão são diferentes.
Tivemos essas duas iterações realmente incríveis da peça. É como se a peça tivesse nascido e sido criada na Bay e depois tivesse amadurecido e se tornado sua própria em Nova York. Meio que como eu.
Eu realmente amei trabalhar com o Vineyard e toda a programação que eles vêm fazendo, com concertos pós-show e noites de afinidade. Tem sido realmente divertido estar lá todos os dias.
E o que eu amei sobre o Vineyard ao longo dos anos é que eu vi algumas das minhas peças favoritas lá. Eu vi How I Learned to Drive, Indecent… Estou mencionando Paula Vogel porque Paula, junto com Adrienne Kennedy, é a campeã mais crucial do meu trabalho que já tive. Eu não acho que realmente teria uma carreira como dramaturga se ela não tivesse tirado Bulrusher da pilha de malas e dito: “Isso realmente merece reconhecimento,” no júri do Pulitzer. E então, as pessoas que [o Vineyard] produziu e a energia. Estou pensando muito especificamente em Deirdre O’Connell em Dana H. A segunda vez que vi o trabalho de Tarell Alvin McCraney foi depois de ver The Brothers Size no Public, foi Wig Out! A lista continua e continua de quem esteve no Vineyard, então significa muito poder se juntar a essas fileiras.
Eu então tive todas essas relações interessantes com o pessoal do Vineyard. [O diretor artístico de longa data do Vineyard] Doug Aibel me escalou em [projetos] como diretor de casting. [A atual diretora artística] Sarah Stern e eu realmente ensinamos um curso juntos em Princeton com Trip Cullman que foi projetado para mergulhar fundo na obra inacabada do falecido Michael Friedman, American Pop. Então, há todos esses tentáculos realmente interessantes entre mim e o Vineyard e poder ter a residência lá através desse prêmio e, em seguida, eles lerem essa peça e instantaneamente se apaixonarem por ela e embarcarem [para] co-produzir, foi realmente uma honra. Eu ainda não consigo acreditar que isso está acontecendo.
As pessoas ficam um tanto chocadas quando digo isso, mas na verdade não tive muito produzido em Nova York. Tive um espetáculo que estava no HERE Arts Center em setembro chamado The Essentialisn’t. Antes disso, a última produção completa que tive em Nova York foi em 2009 com Mixtape de Angela. Portanto, já se passaram 16, 17 anos desde que tive uma peça em cena. Então, o fato de que tive não apenas uma, mas duas nesta temporada é realmente incrível. E estou muito grata ao Vineyard. A experiência de fazer esta peça, porque é meu coração em um prato, realmente se sentiu como um sonho. Claro que você quer que os sonhos continuem e continuem. Mas ainda temos duas semanas e meia restantes. Eu realmente amo esses atores. Eu sei que eles continuarão sendo pessoas que as pessoas realmente observarão e seguirão. Mal posso esperar para vê-los continuar a florescer e ascender em todo o trabalho que farão.
Há algo que você experimentou recentemente como membro da audiência que achou realmente inspirador? Teatro, filme, TV, uma música, qualquer coisa que você tenha encontrado inspiradora como espectadora?
Isso é sempre tão difícil porque eu vejo tanto e então é difícil para mim lembrar as coisas mais incríveis. Além disso, faço um verdadeiro esforço para não ver, ler, ouvir nada, exceto algo que sei que será bom. Muitas pessoas dizem: “Eu vou ver isso só para detestar” ou “Vou assistir a alguma besteira para relaxar”. Eu não faço isso. Estou sempre disposta a dar meu coração e alma à escuta, à observação, à leitura. E as coisas realmente ficam comigo por muito tempo. Sou sensível dessa forma. Se eu vejo um filme, sei que isso estará na minha psique e realmente afetará a forma como vejo o mundo pelos próximos dois dias. Então, preciso ser realmente cautelosa.
Falando em filme, eu vi Is God Is, [com] Aleshea Harris [fazendo sua] incrivelmente segura estreia como diretora, adaptando sua peça. Eu nunca consegui ver Is God Is porque eu estava fazendo a peça Kings ao mesmo tempo em que estava em cartaz no Soho Rep. Ver Mallori Johnson—com quem trabalhei em Kindred, Branden Jacobs-Jenkins’ adaptação do romance de Octavia Butler—com Kara [Young] como gêmeas e todo o elenco foi muito emocionante para mim como alguém que espera fazer um filme. Há um roteiro que escrevi que estou ansiosa para realmente filmar. E estou sempre tão animada para ver alguém que é tão ousada e visionária quanto Aleshea, apenas fazendo acontecer.
Em termos do que tenho lido, recentemente voltei a ler os poemas de Wanda Coleman, que era uma poeta incrível e selvagem baseada em L.A. Eu tenho feito parte desta organização chamada Cave Canem, que é um lar para poetas negras. Cornelius Eady, cuja peça com música Running Man esteve no Vineyard anos atrás estrelando Joe Morton, é um dos co-fundadores da Cave Canem.
Todos os artistas com quem trabalhei recentemente realmente têm me inspirado. Aneesa Folds! E todo esse elenco de [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. Além disso, recentemente consegui passar um pouco de tempo em eventos com Ayo Edebiri, que está terminando esta temporada de The Bear e está em Proof agora na Broadway. Poder ver como essa peça poderia se transformar, sob a direção de Tommy Kail, e este elenco de Don Cheadle e Jin Ha e Ayo e Kara. Ver a original… essa é uma das minhas finais favoritas do ato um de todos os tempos. Conseguir ver essa nova iteração com essa família traz diferentes conotações. Claro, David Auburn fez algumas mudanças no texto para levar em conta o tipo diferente de experiência que uma família negra teria nessas circunstâncias.
Estou realmente empolgada para meu amigo Lin-Manuel Miranda [que] está filmando uma versão cinematográfica de Dave Malloy’ Octet. Vi pequenos vídeos e fotos que ele envia do set. Mal posso esperar para ver isso.
Hoje mesmo ouvi Bobbi Humphrey, que é uma flautista de jazz realmente incrível. Se você ouve hip hop ou se você ouve A Tribe Called Quest ou [outros] hip hops que buscam jazz como samples, você reconheceria esse som. É muito um som com o qual cresci na Bay Area com minha mãe. [Houve] essas manhãs e noites iniciais ouvindo jazz e funk realmente incríveis. Bobbi Humphrey, quero destacá-la hoje.
Há uma peça sua anterior que você sente mais apaixonada por levar a audiências mais amplas? Uma peça onde você pensa: é isso que quero ter um grande revival em Nova York?
Eu diria Bulrusher. Foi feita pela primeira vez há 20 anos na Urban Stages e poucas pessoas a viram. Desde então, foi vista em teatros regionais. Depois fizemos uma leitura pelo Zoom durante a pandemia. Eu realmente adoraria ver essa peça nos palcos aqui em Nova York. Acho que isso seria realmente emocionante.
Eu vi Paula Vogel quando ela veio ver ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| semana passada e ela ainda estava em cima de mim. Ela estava tipo: “Quando vou ver Bulrusher em Nova York? Temos que ver isso em Nova York!” Ela está obcecada pela peça. Eu diria que essa é uma que realmente adoraria ver revivida.
Como eu tenho essa incrível residência na Signature na minha frente, da qual ainda não consigo acreditar, fizemos uma leitura ontem de Mixtape de Angela, que mencionei que fizemos em 2009 através de New Georges e o Hip-Hop Theater Festival. E vamos fazer isso [na Signature] na próxima primavera. Acho que estarei nela, o que será muito divertido. Então, essa será outra remontagem. Acho que ainda posso subestimar o valor dessa peça, porque é uma história sobre mim e minha família e eu apenas sinto que: oh, eu não deveria falar sobre mim mesma. Deveria apenas inventar coisas e me concentrar nas histórias de outros personagens. Mas eu acho que especialmente depois de fazer essa leitura ontem e ouvir como [a peça] soa agora, existe muito valor que pode levar a uma sensação de otimismo [e] empoderamento que eu acho que preciso, que precisamos agora no meio de tudo que está acontecendo conosco neste período demoníaco de destruição que está acontecendo.
Quando minha tia Angela [Davis] escreveu sua autobiografia, quando foi editada por Toni Morrison na Random House, ela não queria escrever sobre si mesma. Ela sentia que era muito jovem. Ela sentia que não havia nada em particular que separasse sua história de qualquer outro prisioneiro político ou mulher negra vivendo nos Estados Unidos. Ela [sempre] realmente se identificou com o coletivo e sempre fala sobre como o coletivo em si foi o que a libertou. É meio auspicioso que estejamos conversando hoje, 4 de junho, porque esse é o dia em que ela foi absolvida de todas as acusações em 1972. Mas ela estava realmente relutante em escrever uma autobiografia porque não queria que os holofotes estivessem sobre ela de forma injusta, exploratória ou desproporcional. No entanto, ela prosseguiu e escreveu. Ela entendia que poderia haver algo útil, algo que pudesse ajudar ao contar sua história para os outros.
E eu acho que isso é algo que estou realmente descobrindo sobre Mixtape de Angela. Ela simplesmente surgiu de mim, como uma erupção vulcânica. Novamente, eu estava muito hesitante em compartilhá-la, e ainda assim, precisava ser compartilhada. Estou realmente entendendo pela resposta que tivemos ontem dos atores e de todos que assistiram [a peça] que há algo muito poderoso em aprender sobre luta radical, a devoção à justiça social, [e] a importância que o trabalho cultural tem em alcançar esses objetivos. É importante entender que os objetivos podem não ser alcançados em sua vida, mas você precisa fazer sua parte para continuar movendo a bola para frente. Há tantos ancestrais, tantos protetores espirituais, tantas pessoas que foram cortadas em sua juventude, que estão trabalhando pelo nosso bem-estar, bem, benefício, liberdade e libertação. Esse é o espírito com que ofereço essa peça. Quero que todo o meu trabalho seja útil.
Quando você fala sobre gerações, há todas essas maneiras diferentes que nossa neurologia mudou com o advento do uso de eletrônicos e mídias sociais. E eu sei que há algo muito profundo e muito humano que todos podemos realmente nos beneficiar ao conectar, independentemente da idade e neurologia. Estou sentada do outro lado da rua do Brooklyn Tech e sei que proibir celulares nas [escolas públicas de Nova York] teve esse efeito incrível em todos os estudantes que estão: vamos jogar jogos de tabuleiro ou passar o tempo conversando durante o intervalo. E que tal isso? [É] simples, simples, simples. Eu acho que é por isso que amo tanto o teatro. É um tipo de reunião onde realmente podemos nos afastar do constante bombardeio e apenas descobrir como vivemos no mundo e como queremos viver juntos.
Mal posso esperar para ver Mixtape de Angela. Isso me deixa tão animada para vê-la. Além disso, tudo o que você disse articula exatamente porque escrevi meu livro, Women Writing Musicals—para dar voz aos ancestrais artísticos. Obrigada por esse pensamento lindo.
Claro que você está atualmente também trabalhando na adaptação para o palco de Warriors. Você pode falar sobre o que mais está animada em trazer isso para o palco?
Só o fato de que é Warriors [e] o fato de que estou trabalhando com Lin-Manuel… essas coisas, em si mesmas, são animadoras e incitam paixão. A coisa que mais me apaixona neste projeto tem sido o processo de descoberta com Lin, descobrindo a maneira como adaptamos esse filme, que foi uma adaptação de um romance, que foi uma adaptação de uma narrativa grega. Como [fazemos] essa adaptação de um filme para um álbum conceitual? E agora, como [fazemos] a adaptação de um álbum conceitual em uma peça que é visual e se move no tempo e é incorporada?
O processo em si é como ser um cientista louco no laboratório e você está apenas tentando fazer diferentes experimentos e resolver problemas. Às vezes você está tentando criar rachaduras no concreto para que uma pequena rosa possa florescer. Às vezes você não sabe que tipo de suposições está colocando em seu próprio trabalho até ter uma conversa com seu diretor ou amigo ou [colaborador] de confiança. Então você pensa: oh, eu não tinha olhado por aquela perspectiva, vamos ver se há uma maneira de realmente honrar isso. Às vezes as pessoas são muito prescritivas e dizem: você precisa fazer isso. Mesmo que notas nesse formato não ajudem necessariamente, geralmente apontam para algo que está ligeiramente desafinado. Você pode receber uma nota que não vai aceitar, prima facie, mas [é sobre] a nota sob a nota. [Ela] pode entrar no seu inconsciente e então você começa a descobrir que aborda a fissura estrutural que estava tornando as coisas sentir-se instáveis. O processo!
Estou realmente empolgada com esses atores. É uma montanha-russa muito intensa. Queremos garantir que tenhamos todos os tipos possíveis de emoção aflorando [na audiência] enquanto também fazemos disso uma narrativa poderosa e necessária. Você já experienciou isso como historiador do teatro musical e amante da dramaturgia: a música pode ser incrível, mas se não estamos todos juntos dentro do abraço de uma narrativa realmente poderosa, então não sentimos o tipo de satisfação e plena que queremos ter. É diferente se você vai a um concerto e está ouvindo toda essa música incrível e está em pé, indo ao banheiro, indo ao bar, conversando com seus amigos. Esse é um ambiente completamente diferente de estar sentado em uma cadeira que geralmente não lhe dará muito espaço para as pernas. Você está meio que desconfortável, você está nesse espaço escuro. Muitas vezes, as pessoas vão apenas para dormir lá, então o que fará uma pessoa que está ligeiramente desconfortável, talvez sonolenta e confinada realmente sentar na beira de seu assento e se emocionar não apenas com a música, mas com a história que está sustentando a música?
Lin obviamente sabe como fazer isso. Ele tem um histórico comprovado de fazer isso muito bem. E eu adoro que ele me convidou para essa jornada e queria saber o que eu via no potencial [de Warriors] e o que eu poderia oferecer que ele não podia ver. Nós sempre brincamos com essa peça que o bebê parece com os dois. Inicialmente, ele me convidou para ser a autora do livro e ele faria a música e letras. Então, conforme nossa colaboração avançava, eu enviava a ele memos de voz e dizia, "Aqui está uma linha de baixo", "Aqui está uma progressão de acordes", "Aqui está uma linha de sintetizador", "Aqui está um gancho"… Então, ambos percebemos que estaríamos fazendo todos os trabalhos. É principalmente cantado ao longo também. Percebemos que não deveríamos tentar dividir quais eram nossas tarefas particulares, que não seria compartimentalizado. Ambos iríamos opinar sobre tudo [e] criar tudo. Às vezes é bom ter duas pessoas porque posso sair e escrever algo e ele pode sair e escrever algo… e é o melhor quando corremos um para o outro, tipo "Ouça! Escute isso!”
Ambos temos poder de veto sobre o que a outra pessoa faz. Realmente nos unimos como se fôssemos um cérebro único que está se aproximando do projeto. Agora, trabalhando com [a diretora] Jenny Koons, que é uma artesã incrivelmente habilidosa e tem montado toda a nossa equipe criativa, este é um momento realmente selvagem em que as coisas estão começando a se tornar tridimensionais e sempre tentando mantê-las alinhadas com nossa visão. Às vezes, não será exatamente o que imaginamos, mas precisa estar nessa área. Precisa parecer que funciona a partir da própria semente da peça e não pode ser apenas algo que pareça uma coisa legal de se fazer. A massa precisa estar completamente combinada [em] uma única substância que não tenha grumos.
É onde estamos agora: [descobrindo] o que vai acontecer quando as pessoas estiverem dançando e lutando e cantando. Como realmente fazemos todas as coisas que não precisávamos nos preocupar no álbum? Estamos no metrô, estamos sendo perseguidos por um ônibus, estamos correndo do Bronx a Coney Island. Como podemos representar tudo isso—ou não representa-lo e evocá-lo [em vez disso]? Essas são as perguntas que estamos fazendo.
A coisa pela qual estou apaixonada e animada é a construção da peça—e voltar a isso, usando a alta que tenho estado [de] estar nesse mundo de ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
Há mais alguma coisa que você queira compartilhar sobre ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| para quem está considerando vir ao Vineyard antes de 21 de junho para vê-la?
Algumas coisas. Naomi Latta, que interpreta Margot, não sabia tocar bateria quando assumiu o papel. Nós [perguntamos], “Você acha que pode aprender?” Ela disse sim [e] ela aprendeu. Isso me impressiona. Isso mostra o nível de talento, o nível de devoção, dedicação, amor que esses atores têm por essa peça.
Outro fato curioso é que quando eu estava nesse programa quando criança, composei muita música, e há um pequeno trecho de uma das peças que composei na peça. Não é algo que alguém captaria; é algo que é um easter egg que só nós sabemos no elenco. E Pam. É durante uma cena de sala de ensaio. Gianna DiGregorio Rivera, que interpreta Clementine, na flauta, está tocando essa pequena linha que escrevi quando tinha 13 ou 14 anos. Isso foi divertido poder colocar lá.
Outra coisa que sinto ser importante compartilhar é que a música em si não é algo que as pessoas geralmente veem em um palco de teatro—e definitivamente não em um palco da Broadway. É o tipo de música que você poderia ouvir em uma escola de música ou talvez em uma casa de jazz. Evocamos Esperanza Spalding [e] Craig Taborn. Portanto, há uma estética diferente na música do que acho que as pessoas estão acostumadas a ver no teatro. Eu acho que isso é muito bem-vindo e as pessoas estão respondendo a isso. [Elas] estão se conectando com essa música e esse som e eu estou realmente animada com isso.
Venha ver a peça e sinta a inspiração embutida nela. Há um verdadeiro senso de reflexão que acontece automaticamente quando você vê a peça. E [com] um elenco assim, é um momento no tempo que sinto que é realmente precioso [dada] onde eles estão em suas carreiras. Eu estava sentada e conversando com Hillary e Naomi na noite passada e elas estavam dizendo que isso tem sido tão desafiador para elas. Algo que costumo dizer a elas é: “Não se escondam.” [Hillary disse] que não se esconder em uma sala de ensaio depois de começar a conhecer as pessoas é uma coisa, mas depois não se esconder quando as luzes estão sobre você é outra. Elas realmente aceitaram esse desafio. Conversamos muito sobre literalmente remover sua pele para esses personagens. Esta história é tão crua, tão vulnerável. Elas estão fazendo isso, e isso é realmente incomum.
Estamos em Nova York e estamos passando por muita coisa como nação e como globo. Se você é um adolescente queer de cor, você tem muitas coisas desafiadoras. E para elas dizerem, na verdade, vou abrir meu coração e dar tudo o que sou, sem enfeites, sem essa armadura protetora, é uma verdadeira dádiva que o público nem sempre recebe. E entendo porque as pessoas mantêm armaduras. Eu realmente entendo. Eu acho que o que conseguimos fazer foi apenas criar espaço suficiente coragem para cada um onde podemos oferecer essa abertura de coração. Eu adoraria que as pessoas pudessem experimentar isso enquanto estamos em cena.
Crédito da foto: Carol Rosegg
