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¿Tienes una pregunta ardiente sobre Broadway? ¿Morir por saber más sobre un hecho obscuro de Broadway? La historiadora de Broadway y autoproclamada nerd del teatro Jennifer Ashley Tepper está aquí para ayudar con Broadway Deep Dive. BroadwayWorld está aceptando preguntas de aficionados al teatro como tú. ¡Si tienes suerte, tu pregunta podría ser seleccionada como el tema de su próxima columna!
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La escritora y actriz nominada al Premio Pulitzer Eisa Davis habla sobre su nueva obra en el Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, así como sus otros proyectos futuros, incluyendo un renacimiento de Angela's Mixtape y el nuevo musical Warriors.
¿Cuándo empezaste a escribir la obra ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, y cuál fue tu inspiración inicial para ello?
La razón por la cual esta obra llegó a existir es por Pam MacKinnon.
En 2018, Pam MacKinnon se convirtió en la directora artística de A.C.T. [el Teatro Conservatorio Americano de San Francisco]. Una de sus primeras acciones como directora artística fue comisionar a personas sobre las cuales realmente quería contar historias sobre el Área de la Bahía, y de ahí es de donde soy. Ella pensó: Vengo a un nuevo espacio donde realmente puedo resaltar las historias de las personas que serán mi nueva contingencia.
Ella y yo nos conocíamos. Yo había estado en un taller de ella y, por supuesto, simplemente admiraba a Pam MacKinnon, esta persona que es una increíble intérprete de Edward Albee y Craig Lucas y Lydia Diamond y Itamar Moses y todas estas personas con las que había trabajado. Me quedé boquiabierta al saber que quería que escribiera una obra.
Ella asistió a una obra en la que estaba [actuando] en The Public Theater, dirigida por Tommy Kail—una obra de Sarah Burgess llamada Kings. Y ella dijo: “¿Cómo te sientes acerca de escribir una obra [como] una comisión para A.C.T.?" Yo estaba un poco dudosa [al principio]. Estaba un poco agotada de escribir en salas de guion y tener plazos. Pero luego pensé: quiero escribir sobre la Bahía y quiero escribir sobre el programa de música al que asistí de niño, desde los 10 hasta los 17 años. Quiero encontrar una manera de honrar a los maestros que tuve allí y los hermosos días que pasé estudiando música: piano clásico, canto, jazz, gospel, pop y música experimental. Todo eso sucedía en estas increíbles semanas de verano que pasé [allí] y también en lecciones semanales durante el año. Así que fue [debido a] la insistencia de Pam. Y luego dije: “Siempre me encanta escribir acerca de una pregunta que me atormenta o una pasión, un profundo amor que tengo, o ambos.”
Empecé a escribir la obra, [durante] un poco de residencia en el Área de la Bahía, en 2019. Escribí el primer borrador a principios de 2020, justo antes de que golpeara el COVID. A partir de ahí, el proceso fue que hicimos un taller por Zoom a lo largo de una semana en noviembre de 2020 con un elenco adulto y un elenco adolescente. Quería que los adolescentes pudieran decirme si realmente se identificaban con la escritura que estaba haciendo para niños de su edad y luego los actores adultos pudieran proporcionar la experiencia y el apoyo dramaturgico que necesitas cuando estás probando una obra en aguas desconocidas. Encontramos una manera realmente genial de improvisar juntos. Esto fue en los primeros días de Zoom, antes de que fuera posible para los artistas realmente hacer sonidos al mismo tiempo. Pero encontramos una [manera]. Y pensé: mantengamos siempre este elemento de azar e improvisación en estos talleres. Así que lo hicimos.
No estaba segura si Pam realmente estaba interesada en la obra después de eso. No sabía si tendrían fondos para continuar con ello. Pero luego fueron receptivos en A.C.T. y hicimos otra lectura. Hice una residencia de escritura en A.C.T. en 2023 y ahí fue donde la forma de la obra comenzó a tomar forma. Originalmente quería ver si podía aleatorizar todas las escenas. Pensé que tal vez podría encontrar una manera de hacer que esto funcionara con las escenas en cualquier orden. Serían determinadas por el público de la misma manera en que el público elige la fila de tonos ahora. Quizás cada escena podría estar etiquetada a una nota y luego el público determinaría el orden de esas notas y luego tendríamos una obra que [podría] ir en cualquier dirección posible. Probamos eso en talleres [y] no funcionó en absoluto. Fracasé miserablemente, pero para eso son los experimentos. Descubres lo que [funciona]. Me di cuenta de que la historia que quería contar era acumulativa, que era una narrativa que requería que las cosas fueran consecuenciales. Hubo una respuesta muy fuerte [a] esa lectura. La forma emocional de la obra realmente comenzó a asentarse en 2023.
En 2024, A.C.T. dijo que sí, queremos hacerlo. Y luego [en] el Vineyard, donde tuve una comisión y recibí un premio a través de Paula Vogel y Daryl Roth, pregunté: “¿Crees que esta obra funcionaría como mi comisión aquí también?” La leyeron en el Vineyard y les encantó, así que hicimos esta coproducción entre A.C.T. [en el Área de la Bahía] y el Vineyard en Nueva York. No puedo describir lo hermoso que ha sido ese proceso. A menudo tienes eso con un musical donde tienes una prueba fuera de la ciudad. Y eso fue lo que pudimos hacer, pasamos todo el tiempo que necesitábamos en realmente desarrollar la música y las relaciones entre los personajes. Tuvimos tiempo para que los actores realmente comenzaran a sentirse como en casa en esos shows.
Y una vez que pude ver la función en San Francisco, descompuse la obra nuevamente. Una vez [que] tuve la idea de ‘¿pueden las escenas ir en cualquier orden?’, aunque no fue algo que hicimos formalmente, fue algo que definitivamente hice en la revisión. Y una vez que llegamos a Nueva York, reescribí gran parte de la obra, combiné escenas, corté escenas, [y] escribí nuevas escenas. Incluso en el ensayo, cambiamos el orden de cómo irían las escenas. Lo que estás viendo en el escenario en el Vineyard ahora es realmente, realmente diferente a lo que estaba en cartelera en San Francisco en marzo y abril y, por supuesto, a lo que tuvimos en todos estos talleres.
A lo largo del camino, realmente se ha transformado y me encanta que Pam y Joy Meads, nuestra dramaturga, hayan confiado tanto en mí para escuchar la obra y dejar que me dijera qué forma quería tomar, qué quería decir, qué tienen que ofrecer los personajes en términos de que su historia sea un reflejo de lo que también sentimos en la audiencia. Hay estos momentos realmente apasionados que tienen como jóvenes que creo que muchos de nosotros realmente podemos identificar, especialmente personas que están en Nueva York que tienen un fuerte background artístico. Y si no están [todavía] en él, aún tienen un profundo amor por ello, y eso podría ser incluso la razón por la cual viven en Nueva York en absoluto.
Me encanta que lo que compartiste ilumina cómo me sentí al ver la obra—sentí la nostalgia que los personajes iban a tener [por este tiempo] antes de que la tuvieran. ¿Dirías que la obra es autobiográfica o semi-autobiográfica?
Ninguna de las dos. Y no es una obra de memoria—es en realidad una obra de avance. Hablamos sobre esa distinción porque es muy diferente mirar hacia atrás en tu vida que mirar hacia adelante. Por supuesto, al final de la obra puede parecer: ¿fue eso una obra de memoria? Pero realmente me encanta la energía [donde es] algo que avanza en el tiempo. Y [la obra no es] autobiográfica en absoluto. Los personajes están inventados, la trama está inventada, e incluso el escenario… me inspiré en la escuela de música a la que asistí, pero eso fue hace mucho tiempo y [mi] escuela era de todos los géneros.
La forma en que siempre lo expresa Pam es: no es autobiográfica, es solo muy personal. Y la forma en que yo lo digo es que [los] sentimientos de la obra provienen de los rincones más profundos de mi alma. Eso es inconfundible. Eso soy yo. Es solo mi corazón en un plato. No hay nada que me haya sucedido en la obra—excepto por robar algunas botellas de 2 litros cuando era niña con algunos amigos y meterme en problemas con eso. Y el amor por la música, obviamente. Pero no es autobiográfica [aunque] es definitivamente muy [profundamente] sentido y muy [mucho] un mundo que conozco.
Tengo mucha curiosidad por cómo logras un equilibrio [entre] esos sentimientos de volver a ti mismo y cómo se sentía ser un joven cuando estabas pasando por un programa similar y luego el presente. Siento que cualquiera que no esté en la generación actual siempre habla de lo diferente que es ser un joven [ahora] debido a la tecnología. Hablaste un poco sobre trabajar con personas de una generación diferente en el taller de Zoom. ¿Puedes hablar más sobre cómo trabajas en una pieza que tiene jóvenes de hoy?
No lo sentí como un desafío porque realmente confío en la escucha que hago como artista. Sin importar sobre quién estoy escribiendo, estoy escuchando con atención las historias que quieren contar, cuáles son sus intereses, cómo se sienten sin voz, a veces.
Hay una obra que escribí que David Mendizábal dirigió en 2022 llamada Mushroom. Esa fue sobre recolectores de champiñones indocumentados en Pennsylvania. Esa obra es bilingüe en inglés y español y en realidad hay algunos idiomas más en ella también. Por supuesto, no soy un recolector de champiñones indocumentados y, sin embargo, utilicé la misma técnica de escucha, solo escuchar. ¿Cuáles son las historias que necesitan ser contadas que no conocemos?
O mi obra, Bulrusher. En algunos aspectos, es un tipo imaginario de escucha. Estaba escuchando las voces de mis ancianos en Birmingham, Alabama, de donde son algunos de los personajes. Escuchaba el sonido del dialecto que solo había oído en un par de historias orales y leído en un libro. Sentí que había un verdadero tipo de ritmo en ello que entendía y podía aprovechar. Así que, de alguna manera, así como trabajo como actriz y adopto diferentes roles, lo hago como dramaturga, asumiendo diferentes roles y tratando de encontrar qué conexión y voz genuina puedo dar. Entonces, de nuevo, [aquí], estaba buscando conversaciones con jóvenes en este proceso.
Ha sido realmente maravilloso tener a jóvenes como miembros de la audiencia. Tuvimos una matiné estudiantil ayer y hay un verdadero sentido de reconocimiento. La gente siente: oh Dios mío, esta es mi historia, esto es algo que siento. La gente [se acercó] a los actores después y los jóvenes estaban simplemente sollozando diciendo: “Siento lo mismo.”
Ha habido momentos, también, en los que he escuchado y no he escuchado lo suficiente. Y entonces he sido, con suavidad o firmemente o con enojo, llamada por las personas que intento representar. Cuando eso sucede, hago todo lo posible para asegurarme de que sientan que su representación es justa y precisa.
¿Puedes hablar más sobre cómo sientes que tu trabajo como actriz impacta tu trabajo como dramaturga y específicamente si interseca con cómo hablas con los actores en una obra que estás escribiendo?
Gran parte de mi escritura siempre ha venido de un lugar de: ¿cuáles son los roles que me gustaría interpretar como actriz? Por supuesto, no puedo interpretar a estos personajes en ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| pero, de estar en ese grupo de edad, me encantaría interpretar a estos personajes. Hay un poco de querer asegurarme de que los actores tengan algo que se sienta realmente jugoso y sustancioso, y que no se sientan de ninguna manera marginados por la historia. Creo que es bueno desde el punto de vista dramático no sentir que nadie tiene un rol inferior a los demás. Incluso alguien en esta obra como Clementine, quien es el personaje del que menos escuchamos, tiene un cierto atractivo y un cierto sentido de estar harta de todo. No necesita el drama que está ocurriendo en este triángulo de los otros tres adolescentes. Simplemente practica [música] y hace lo que hace y eso es lo que la hace feliz. Ha habido muchas personas que se han acercado a mí después, o se han acercado a Gia, que interpreta a Clementine, y dijeron: “Ese es el personaje con el que estoy obsesionada” y “Estoy tratando de activar mi Clementine interior y no tropezar y simplemente hacer lo que hago.” Así que creo que hay un poco de querer asegurarme de que haya roles que siento que realmente me interesan.
En otras obras que he escrito, hay algún rol que es un ‘yo’ en ella. He escrito partes que me encantaría interpretar yo misma. Y a veces eso sucede y a veces no. Quiero que la obra sea su propia aventura independiente que no dependa de mi presencia o no. Siempre trato de pensar con la mayor cantidad de compasión [y] inclusividad al considerar cómo funcionan los personajes como dramaturga y cómo los actores van a interpretar estos roles—lo que necesitan en la historia y luego a largo plazo mientras lo hacen durante el transcurso de una función.
Cómo afecta la manera en que me relaciono con los actores es simplemente que adoro a los actores. Creo que hay un verdadero elemento de sacrificio en lo que todos los artistas creativos interpretativos hacen junto con aportar lo mejor de [ellos mismos] que está allí. Así que otra cosa que he hecho, especialmente en piezas de performance que son más ideadas, es preguntar a los intérpretes: ¿hay algo que siempre has querido hacer en el escenario que nunca has tenido la oportunidad de hacer? Es un buen diagnóstico, incluso si no hacemos eso porque luego puedo sentir lo que es lo que ansían y desean y ver si hay una manera de incorporar eso en la pieza.
[Luego está] la energía de un elenco, dada mi formación como músico y como actriz. Mis profesores en el posgrado siempre romanticizaban los grandes elencos: The Group Theatre y el Teatro de Arte de Moscú… Soy miembro de The Actors Studio. Y [hay] este sentido completo de elenco, cuando tienes un sentido realmente fuerte de elenco y un sentido de confianza. Me encanta el LAByrinth Theater Company, me encantan las compañías de teatro donde los actores trabajan juntos una y otra vez. Cuando tienes ese nivel de intimidad, puedes lograr hazañas que no podrías si te encontrarás apenas por primera vez.
Aunque en muchas de las piezas que he hecho y colaborado con otros, nos reunimos por poco tiempo, luego hacemos una cosa, luego nos decimos adiós, realmente amé ese sentido de fortalecer nuestro elenco. Si las personas quieren estar juntas, si las personas están aprendiendo unas de otras, si las personas pueden confiar unas en otras en el escenario sin importar lo que pase, entonces solo vas a tener una experiencia mucho más hermosa. Eso fue algo que tuvimos en Passing Strange, en abundancia. También [vino] de hacer tres versiones de [la obra]: Berkeley Rep, The Public Theater, [y] Broadway. Siento que pudimos hacer eso con [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||], yendo a A.C.T. y luego viniendo aquí al Vineyard. El elenco es algo que creo que es realmente importante para la forma en que me relaciono con los actores.
No quiero decir nunca a nadie qué hacer, pero también tengo una idea muy clara de qué es algo y si algo está fuera de ese rango. Se trata literalmente de afinar, como un diapasón. Si algo está desafinado, entonces todo se siente mal. Así que trato de aprender de Pam y recordar lo que amo como actriz, que siempre son notas y sugerencias muy positivas y actuables. Trato de inclinarme hacia ese lado. Todo se trata de relaciones y tener este objetivo compartido de querer hacer algo que siente como la máxima expresión de lo que podemos hacer juntos y lo que la pieza nos está pidiendo.
Cuéntanos más sobre tu historia con el Vineyard. Hay tu comisión, pero ¿has tenido experiencias allí como miembro de la audiencia? ¿Qué sientes que el espacio ha aportado específicamente a la pieza y tienes algún otro pensamiento sobre lo que es trabajar en el Vineyard?
Sobre esta pieza específicamente, lo que realmente he amado es la intimidad del espacio. Eso es algo que no tuvimos en el mismo sentido en A.C.T. porque el hermoso Strand Theater allí tiene aproximadamente 283 asientos. Es un cine convertido. Así que pasar de ahí con el mismo escenario al Vineyard significó que la obra suena diferente, se siente diferente. No tenemos la altura que teníamos sobre el escenario. Las líneas de visión son diferentes.
Tuvimos estas dos iteraciones realmente increíbles de la obra. Es como si la obra hubiera nacido y crecido en la Bahía y luego se hubiera sazonado y encontrado a sí misma en Nueva York. Algo similar a mí.
Realmente he amado trabajar con el Vineyard y toda la programación que han estado haciendo, con conciertos posteriores a la función y noches de afinidad. Ha sido realmente divertido estar allí cada día.
Y lo que he amado sobre el Vineyard a lo largo de los años es que he visto algunas de mis obras favoritas allí. He visto How I Learned to Drive, Indecent… Estoy mencionando a Paula Vogel porque Paula, junto con Adrienne Kennedy, es la más crucial defensora de mi trabajo que he tenido. No creo que realmente tendría una carrera como dramaturga si no hubiera sacado Bulrusher del montón y dijera, “Esto realmente merece reconocimiento,” en el jurado del Pulitzer. Y luego simplemente la gente que [el Vineyard] ha producido y la energía. Estoy pensando muy específicamente en Deirdre O’Connell en Dana H. La segunda vez que vi Tarell Alvin McCraney fue después de ver The Brothers Size en el Public, fue Wig Out!. La lista sigue y sigue de quienes han estado en el Vineyard, así que significa mucho poder unirse a esos rangos.
Y luego he tenido todas estas relaciones interesantes con la gente del Vineyard. [El director artístico de larga data del Vineyard] Doug Aibel me ha hecho casting en [proyectos] como director de casting. [La actual directora artística] Sarah Stern y yo, de hecho, enseñamos un curso juntos en Princeton con Trip Cullman que estaba diseñado para profundizar en la obra inacabada de Michael Friedman, American Pop. Así que hay todos estos tentáculos realmente interesantes entre el Vineyard y yo y poder tener la residencia allí a través de este premio y luego que lean esta obra y se sientan instantáneamente atraídos y se lancen a coproducirla, fue realmente un honor. Aún no puedo creer que esto esté sucediendo.
La gente se sorprende un poco cuando digo esto, pero no he tenido mucho producido en Nueva York en absoluto. Tuve un espectáculo en HERE Arts Center en septiembre llamado The Essentialisn’t. Antes de eso, la última producción completa que tuve en Nueva York fue en 2009 con Angela's Mixtape. Así que han pasado 16, 17 años desde que tuve una obra en cartelera. Así que el hecho de que no solo tenga una sino dos esta temporada es bastante increíble. Y estoy tan agradecida con el Vineyard. La experiencia de hacer esta obra, porque es mi corazón en un plato, realmente ha sentido como un sueño. Por supuesto, quieres que los sueños continúen y continúen. Pero solo nos quedan dos semanas y media. Simplemente amo a estos actores. Sé que van a seguir siendo personas a las que la gente realmente mirará y seguirá. Estoy ansiosa por verlos seguir floreciendo y ascendiendo en todo el trabajo que harán.
¿Hay algo que has experimentado recientemente como miembro de la audiencia que has encontrado realmente inspirador? Teatro, cine, televisión, una canción, cualquier cosa que hayas encontrado inspiradora como espectador?
Esto siempre es tan difícil porque veo tanto y luego me cuesta recordar las cosas más asombrosas. Además, hago un verdadero esfuerzo por no ver, leer, escuchar nada que no sea algo que sé que va a ser bueno. Muchas personas dicen, “Voy a ver esto para odiarlo” o “Simplemente voy a ver algo basura para calmarme”. Yo no hago eso. Siempre estoy dispuesta a entregar todo mi corazón y alma a la escucha, a la visualización, a la lectura. Y las cosas se quedan conmigo por mucho tiempo. Soy sensible de esa manera. Si veo una película, sé que estará en mi psiquis y realmente afectará cómo veo el mundo durante los próximos dos días. Así que tengo que ser muy cautelosa.
Hablando de cine, vi Is God Is, [con] Aleshea Harris [haciendo su] increíble y segura debut como directora, adaptando su obra. Nunca pude ver Is God Is porque estaba haciendo la obra Kings al mismo tiempo que se presentaba en Soho Rep. Ver a Mallori Johnson—con quien trabajé en Kindred, la adaptación de Branden Jacobs-Jenkins de la novela de Octavia Butler— con Kara [Young] como gemelas y todo el elenco era muy emocionante para mí, como alguien que espera hacer cine. Hay un guion que he escrito que espero rodar. Y siempre me emociona ver a alguien que es tan audaz y tan visionario como Aleshea, simplemente hacer las cosas.
En cuanto a lo que he estado leyendo, recientemente volví a leer los poemas de Wanda Coleman, quien fue una poeta realmente asombrosa y salvaje radicada en L.A. He sido parte de esta organización llamada Cave Canem, que es un hogar para poetas negros. Cornelius Eady, cuyo obra con música Running Man estuvo en el Vineyard hace años protagonizada por Joe Morton, es uno de los cofundadores de Cave Canem.
Todos los artistas con los que he estado trabajando recientemente realmente me han estado inspirando. Aneesa Folds! Y todo este elenco de [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. También recientemente al poder pasar un poco de tiempo en eventos con Ayo Edebiri, quien está terminando esta temporada de The Bear y está en Proof ahora mismo en Broadway. Poder ver cómo esa obra podría transformarse, bajo la dirección de Tommy Kail, y este elenco de Don Cheadle y Jin Ha y Ayo y Kara. Ver la original... ese es uno de mis finales favoritos del Acto Uno de todos los tiempos. Poder ver esta nueva iteración con esta familia, tiene diferentes connotaciones. Por supuesto, David Auburn hizo algunos cambios en el guion para tener en cuenta el tipo diferente de experiencia que tendría una familia negra bajo estas circunstancias.
Estoy realmente emocionada por mi amigo Lin-Manuel Miranda [quien] está rodando una versión cinematográfica de Dave Malloy’s Octet. He visto pequeños videos y fotos que envía desde el set. No puedo esperar para verlo.
Justo hoy estaba escuchando a Bobbi Humphrey, quien es esta increíble flautista de jazz. Si escuchas hip hop o si escuchas A Tribe Called Quest o [otro] hip hop que busca jazz para samples, reconocerías ese sonido. Es muy parecido al sonido que crecí escuchando en el Área de la Bahía con mi mamá. [Hubo] estas mañanas y noches tempranas escuchando jazz y funk realmente increíbles. Bobbi Humphrey, quiero destacarla hoy.
¿Hay alguna obra anterior tuya que te sientas más apasionada por llevar a audiencias más amplias? Una pieza donde pienses: eso es lo que quiero ver en un importante renacimiento en Nueva York?
Yo diría Bulrusher. Se presentó por primera vez hace 20 años en Urban Stages y solo la vieron unas pocas personas. Desde entonces, se ha visto en teatros regionales. Luego hicimos una lectura por Zoom durante la pandemia. Realmente me encantaría ver esa obra en los escenarios aquí en Nueva York. Creo que sería realmente emocionante.
Vi a Paula Vogel cuando vino a ver ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| la semana pasada y ella seguía insistiendo. Ella dijo: “¿Cuándo voy a ver Bulrusher en Nueva York? ¡Tenemos que verlo en Nueva York!” Ella está obsesionada con la obra. Diría que eso es algo que realmente me encantaría ver revivido.
Debido a que tengo esta increíble residencia en la Signature que tengo ante mí, que todavía no puedo creer, tuvimos una lectura ayer de Angela's Mixtape, que mencioné que hicimos en 2009 a través de New Georges y el Hip-Hop Theater Festival. Y vamos a hacerlo [en la Signature] la próxima primavera. Creo que estaré en ella, lo que será realmente divertido. Así que eso será otra revivificación. Creo que sigo subestimando el valor de esa pieza, porque es una historia sobre mí y mi familia y solo siento que: oh, no debería hablar sobre mí. Debería inventar cosas y centrarme en las historias de otros personajes. Pero creo que especialmente después de hacer esta lectura ayer y escuchar cómo [la pieza] resuena ahora, hay mucho valor que puede conducir a un sentido de optimismo [y] empoderamiento que creo que necesito, que necesitamos ahora mismo en medio de todo lo que está sucediendo en este período demoníaco de destrucción que está en curso.
Cuando mi tía Angela [Davis] escribió su autobiografía, cuando fue editada por Toni Morrison en Random House, ella no quería escribir sobre sí misma. Se sentía demasiado joven. Sentía que no había nada en particular que hiciera que su historia se diferenciara de la de cualquier otra prisionera política o mujer negra que vive en los Estados Unidos. Ella [siempre] se ha identificado con el colectivo y siempre habla sobre cómo el colectivo es lo que la liberó. Es algo auspicioso que estemos hablando hoy 4 de junio, porque ese es el día en que fue absuelta de todos los cargos en 1972. Pero realmente estaba reacia a escribir una autobiografía porque no quería que la atención estuviera en ella de ninguna manera injusta, explotadora o desproporcionada. Sin embargo, siguió adelante y la escribió. Entendió que podría haber algo útil, algo que ayude al contar su historia para los demás.
Y creo que eso es algo que realmente estoy descubriendo sobre Angela's Mixtape. Simplemente salió de mí como una erupción volcánica. Nuevamente, estaba muy reacia a compartirla, y aun así tenía que compartirse. Estoy entendiendo realmente por la respuesta que tuvimos ayer de los actores y todos los que estaban viendo [la obra] que hay algo muy poderoso en aprender sobre la lucha radical, la devoción a la justicia social, [y] la importancia que tiene el trabajo cultural para alcanzar esos objetivos. Es importante entender que los objetivos pueden no cumplirse en tu vida, pero que debes hacer tu parte para seguir avanzando. Hay tantos ancestros, tantos protectores del espíritu, tantas personas que han sido cortadas en su mejor momento, que están trabajando por nuestro bienestar, bienestar, beneficio, libertad y liberación. Ese es el espíritu en el cual ofrezco esa obra. Quiero que todo mi trabajo sea útil.
Cuando hablas de generaciones, hay todas estas maneras diferentes en las que nuestra neurología ha cambiado con la llegada del uso de la electrónica y las redes sociales. Y sé que hay algo muy profundo y muy humano de lo que todos realmente podríamos beneficiarnos al conectarnos, sin importar la edad y la neurología. Estoy sentada al otro lado de la calle de Brooklyn Tech y sé que prohibir teléfonos en [las escuelas públicas de Nueva York] ha tenido este increíble efecto en todos los estudiantes que dicen: vamos a jugar juegos de mesa o a pasar el rato y hablar entre nosotros en el almuerzo. ¿Y qué tal eso? [Es] simple, simple, simple. Creo que por eso amo tanto el teatro. Es un tipo de reunión donde realmente podemos hacernos un tiempo lejos de la constante embestida y simplemente averiguar cómo vivimos en el mundo y cómo queremos vivir juntos.
No puedo esperar para ver Angela's Mixtape. Eso me hace tan emocionada por verla. También todo lo que dijiste articula exactamente por qué escribí mi libro, Women Writing Musicals—para dar voz a esos ancestros artísticos. Gracias por ese hermoso [pensamiento].
Por supuesto, actualmente también estás trabajando en la adaptación teatral de Warriors. ¿Puedes hablar sobre qué es lo que más te emociona de llevar eso al escenario?
Simplemente el hecho de que es Warriors [y] el hecho de que estoy trabajando con Lin-Manuel… esas cosas, en sí mismas, son emocionantes y provocan pasión. Lo que más me apasiona de este proyecto ha sido el proceso de descubrimiento con Lin, averiguando la manera en que adaptamos esta película, que fue una adaptación de una novela, que fue una adaptación de una narrativa griega. ¿Cómo [adaptamos] esta película a un álbum conceptual? Y ahora, ¿cómo [adaptamos] un álbum conceptual a una pieza que es visual y se mueve en el tiempo y está encarnada?
El proceso en sí es como ser un científico loco en el laboratorio y simplemente estás tratando de hacer diferentes experimentos y resolver problemas. A veces estás intentando crear grietas en el concreto para que una pequeña rosa pueda florecer. A veces ni siquiera sabes qué tipo de suposiciones estás colocando en tu propio trabajo hasta que tienes una conversación con tu director o con un amigo de confianza o [colaborador]. Luego piensas: oh, no había considerado eso desde esa perspectiva, veamos si hay una manera de honrar eso. A veces las personas son muy prescriptivas y dicen: necesitas hacer esto. Aunque las notas en ese formato no necesariamente ayudan, generalmente apuntan a algo que está ligeramente desafinado. Puedes recibir una nota que no vas a tomar, a priori, pero [se trata de] la nota debajo de la nota. [Puede] llegar a tu inconsciente y luego comienzas a encontrar que aborda la fisura estructural que estaba haciendo que las cosas se sintieran inestables. ¡El proceso!
Estoy realmente emocionada por estos actores. Es un paseo en montaña rusa muy intenso. Queremos asegurarnos de que tenemos cada tipo de emoción posible explotando en [la audiencia] mientras también hacemos de esto una narrativa muy conmovedora y necesaria. Has experimentado esto como historiador del teatro musical y amante del teatro musical: la música puede ser increíble, pero si no estamos todos juntos dentro del abrazo de una narrativa realmente poderosa, entonces no sentimos el tipo de satisfacción y plenitud que queremos tener. Es diferente si vas a un concierto y escuchas toda esta gran música y te estás levantando, yendo al baño, yendo al bar, hablando con tus amigos. Ese es un ambiente completamente diferente al de sentarse en una silla que generalmente no te dará mucho en términos de espacio para las piernas. Estás un poco incómodo, estás en este espacio oscuro. A menudo, la gente viene solo para quedarse dormida allí, así que ¿qué hará que una persona que está ligeramente incómoda, quizás somnolienta y confinada realmente se sienta al borde de su asiento y se emocione no solo con la música sino con la historia que sostiene la música?
Lin, obviamente, sabe cómo hacer eso. Tiene un historial comprobado de hacerlo muy bien. Y me encanta que me haya invitado a unirme al viaje y quisiera saber qué era lo que veía en el potencial [de Warriors] y qué podría ofrecer que él no pudiera ver. Siempre bromear con esta pieza que el bebé se parece a ambos. Inicialmente, me invitó a ser el escritor del libro, y él haría la música y las letras. Luego, a medida que continuaba nuestra colaboración, le enviaba notas de voz y decía, “Aquí hay una línea de bajo”, “Aquí hay una progresión de acordes”, “Aquí hay una línea de sintetizador”, “Aquí hay un gancho”… Así que ambos nos dimos cuenta de que íbamos a estar haciendo todos los trabajos. También está principalmente cantado. Nos dimos cuenta de que no deberíamos tratar de separar lo que eran nuestros deberes particulares, que no iba a estar compartimentado. Ambos íbamos a estar influyendo en todo [y] creando todo. A veces es bueno tener a dos personas porque puedo alejarme y escribir algo y él puede alejarse y escribir algo… y es lo mejor cuando corremos hacia el otro, como “¡Escucha! ¡Escucha esto!”
Ambos tenemos poder de veto sobre lo que hace la otra persona. Nos hemos unido como este cerebro único que ha estado acercándose al proyecto. Ahora, trabajando con [la directora] Jenny Koons, que es una hábil artesana y ha estado armando todo nuestro equipo creativo, este es un momento realmente salvaje en el que las cosas comienzan a hacerse tridimensionales y siempre estamos tratando de mantenerlo alineado con nuestra visión. A veces no va a ser exactamente lo que imaginamos, pero tiene que estar en esa área. Tiene que sentir que funciona desde el mismo germen de la pieza y no puede ser solo algo que parece ser algo genial de hacer. La masa tiene que estar completamente combinada [sin] grumos.
Eso es donde estamos ahora: [averiguando] qué va a pasar cuando la gente esté bailando y peleando y cantando. ¿Cómo hacemos en realidad todas las cosas que no tuvimos que preocuparnos en el álbum? Estamos en el metro, estamos siendo perseguidos por un autobús, estamos corriendo de El Bronx a Coney Island. ¿Cómo representamos todo esto—o no lo representamos y lo evocamos [en su lugar]? Ese es el tipo de preguntas que estamos formulando.
Lo que me apasiona y emociona es la creación de la pieza—y volver a eso, usando la euforia en la que he estado [por] estar en este mundo de ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
¿Hay algo más que quieras compartir sobre ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| para cualquiera que esté considerando venir al Vineyard antes del 21 de junio para verlo?
Algunas cosas. Naomi Latta, quien interpreta a Margot, no sabía tocar la batería cuando tomó el papel. Le [preguntamos], “¿Crees que puedes aprender?” Ella respondió que sí [y] lo hizo. Eso me deja sin palabras. Eso muestra el nivel de talento, el nivel de devoción, dedicación, amor que estos actores tienen por esta pieza.
Otro dato curioso es que cuando estaba en este programa de niña, compuse mucha música, y hay un pequeño extracto de una de las piezas que compuse en la obra. No es algo que nadie captaría; es algo que es un easter egg que solo nosotros sabemos en el elenco. Y Pam. Es durante una escena en la sala de prácticas. Gianna DiGregorio Rivera, quien interpreta a Clementine, en la flauta, toca esta pequeña línea que escribí cuando tenía 13 o 14 años. Eso fue divertido poder incluirlo allí.
Otra cosa que siento que es importante compartir es que la música misma no es algo que la gente normalmente ve en un escenario teatral—y definitivamente no en un escenario de Broadway. Es el tipo de música que podrías escuchar en una escuela de música o quizás en un club de jazz. Evocamos a Esperanza Spalding [y] Craig Taborn. Así que hay una estética diferente en la música que creo que las personas están acostumbradas a ver en el teatro. Creo que es muy bien recibida y la gente está respondiendo a ello. [Están] into esa música y ese sonido y he estado realmente emocionada por eso.
Ven a ver la pieza y siente la inspiración incrustada en ella. Hay un verdadero sentido de reflexión que ocurre automáticamente cuando ves la pieza. Y [con] un elenco como este, es un momento en el tiempo que siento es realmente precioso [dada] donde están en sus carreras. Estaba sentada hablando con Hillary y Naomi anoche y decían que esto ha sido muy desafiante para ellas. Algo que les digo a menudo es: “No te escondas.” [Hillary dijo] que no esconderse en una sala de ensayo una vez que has empezado a conocer a la gente es una cosa, pero luego no esconderte una vez que las luces están sobre ti es otra. Realmente han asumido ese desafío. Hemos hablado mucho acerca de literalmente quitarse la piel para estos personajes. Esta historia es tan cruda, tan vulnerable. Ellos están haciendo eso, y es realmente inusual.
Estamos en Nueva York y estamos pasando por mucho como nación y como globo. Si eres un adolescente queer de color, tienes muchas cosas que son desafiantes para ti. Y para ellos decir, realmente voy a abrir mi corazón y dar todo lo que soy, sin adornos, sin esa armadura protectora, es un regalo real que las audiencias no siempre reciben. Y entiendo por qué la gente mantiene la armadura puesta. Realmente lo entiendo. Creo que lo que hemos podido hacer es solo crear suficiente de un espacio valiente para cada uno de nosotros donde podemos darnos esa apertura del corazón. Me encantaría que las personas pudieran experimentar eso mientras estamos en cartelera.
Crédito de la foto: Carol Rosegg
