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Die für den Pulitzer-Preis nominierte Autorin und Schauspielerin Eisa Davis spricht über ihr neues Stück im Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, sowie über ihre anderen bevorstehenden Projekte, darunter eine Wiederbelebung von Angelas Mixtape und das neue Musical Krieger.
Wann hast du angefangen, das Stück ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| zu schreiben und was war deine ursprüngliche Inspiration dafür?
Der Grund, warum dieses Stück entstanden ist, liegt an Pam MacKinnon.
Im Jahr 2018 wurde Pam MacKinnon künstlerische Direktorin des A.C.T. [American Conservatory Theater in San Francisco]. Eine ihrer ersten Maßnahmen als künstlerische Direktorin war es, Menschen zu beauftragen, die sie wirklich wollte, um Geschichten über die Bay Area zu erzählen, wo ich herkomme. Sie dachte: Ich komme in einen neuen Raum, in dem ich wirklich die Geschichten der Menschen hervorheben kann, die meine neue Gemeinschaft sein werden.
Wir kannten uns bereits. Ich hatte an einem ihrer Workshops teilgenommen und natürlich bewunderte ich Pam MacKinnon, diese Person, die eine erstaunliche Interpretin von Edward Albee und Craig Lucas und Lydia Diamond und Itamar Moses und all diese Leute war, mit denen sie gearbeitet hat. Ich war überwältigt, dass sie wollte, dass ich ein Stück schreibe.
Sie kam zu diesem Stück, in dem ich [spielte] im Public Theater, unter der Regie von Tommy Kail—ein Stück von Sarah Burgess namens Kings. Und sie fragte: “Wie fühlst du dich dabei, ein Stück [als] Auftrag für A.C.T. zu schreiben?” Ich war anfangs ein wenig zögerlich. Ich war ein wenig ausgebrannt von der Arbeit in den Fernsehzimmern und dem Druck von Deadlines. Aber dann dachte ich: Ich möchte wirklich über die Bay Area schreiben und ich möchte über das Musikprogramm schreiben, das ich als Kind besucht habe, in den Jahren 10 bis 17. Ich möchte eine Möglichkeit finden, meinen Lehrern dort zu ehren und an die schönen Tage zu erinnern, die ich damit verbracht habe, Musik zu studieren: klassische Klavier, Gesang, Jazz, Gospel, Pop und experimentelle Musik. All das geschah in diesen unglaublichen Wochen im Sommer, die ich dort verbrachte, und auch bei wöchentlichen Unterrichtsstunden während des Jahres. Es war also [aufgrund von] Pams Drängen. Und dann sagte ich: “Ich liebe es immer, entweder über eine Frage zu schreiben, die mich verfolgt, oder über eine Leidenschaft, eine tiefe Liebe, die ich habe, oder beides.”
Ich begann tatsächlich damit, das Stück zu schreiben, [in] einer kleinen Residency in der Bay Area, im Jahr 2019. Ich schrieb den ersten Entwurf zu Beginn des Jahres 2020, kurz bevor COVID zuschlug. Von dort aus verlief der Prozess so, dass wir im November 2020 einen Zoom-Workshop über eine Woche mit einem Erwachsenenensemble und einer Jugendgruppe durchführten. Ich wollte, dass die Jugendlichen mir sagen, ob sie sich wirklich mit dem identifizieren konnten, was ich für Kinder in ihrem Alter schrieb, und die Erwachsenendarsteller sollten die Erfahrung und die dramaturgische Unterstützung bereitstellen, die man braucht, wenn man ein Stück in fremden Gewässern testet. Wir fanden eine wirklich coole Möglichkeit, zusammenzuarbeiten. Das waren die frühen Zoom-Tage, noch bevor es möglich war, dass Künstler gleichzeitig Geräusche machen konnten. Aber wir fanden eine [Möglichkeit]. Und ich dachte: Lass uns einen Weg finden, dieses Element des Zufalls und der Improvisation in diesen Workshops beizubehalten. Also taten wir das.
Ich war mir nicht sicher, ob Pam nach diesem Zeitpunkt wirklich an dem Stück interessiert war. Ich wusste nicht, ob sie irgendwelche Mittel hatten, um weiterzumachen. Aber dann waren sie bei A.C.T. reaktionsschnell und wir hatten eine weitere Lesung. Ich hatte 2023 eine Schreibresidenz am A.C.T., und dort begann das Stück Form anzunehmen. Ursprünglich wollte ich sehen, ob ich alle Szenen randomisieren könnte. Ich dachte, vielleicht könnte ich einen Weg finden, das zu ermöglichen, indem die Szenen in jeder beliebigen Reihenfolge gezeigt werden. Sie sollten vom Publikum bestimmt werden, genau wie das Publikum jetzt die Tonreihe wählt. Vielleicht könnte jede Szene mit einer Note versehen werden und die Zuschauer würden die Reihenfolge dieser Noten bestimmen, und dann hätten wir ein Stück, das in jede denkbare Richtung gehen könnte. Wir probierten das in Workshops aus [und] es funktionierte überhaupt nicht. Ich scheiterte miserabel, aber dafür sind Experimente da. Man findet heraus, was [funktioniert]. Ich stellte fest, dass die Geschichte, die ich erzählen wollte, kumulativ war, dass sie eine Erzählung war, die erforderte, dass Dinge Konsequenzen hatten. Auf diese Lesung gab es eine so starke Reaktion. Die emotionale Form des Stücks begann 2023 wirklich Gestalt anzunehmen.
Im Jahr 2024 sagte A.C.T. ja, wir wollen es tun. Und dann [im] Vineyard, wo ich einen Auftrag hatte und durch Paula Vogel und Daryl Roth einen Preis erhalten hatte, fragte ich: “Denkst du, dass dieses Stück auch hier als mein Auftrag funktionieren würde?” Sie lasen es im Vineyard und waren begeistert, also durften wir diese Co-Produktion zwischen A.C.T. [in der Bay Area] und dem Vineyard in New York durchführen. Ich kann nicht sagen, wie schön dieser Prozess war. Oft hat man das bei einem Musical, wo man eine Probeaufführung außerhalb des Stadtteils hat. Und das hatten wir, wir konnten all die Zeit, die wir benötigten, darauf verwenden, die Musik und die Beziehungen zwischen den Charakteren wirklich zu entwickeln. Wir hatten Zeit für die Schauspieler, um sich wirklich in diesen Vorstellungen zu Hause zu fühlen.
Und als ich die Vorstellung in San Francisco sehen konnte, zerlegte ich das Stück erneut. Als ich [die Idee hatte], 'könnten Szenen in beliebiger Reihenfolge gehen?', auch wenn es nichts war, was wir formell taten, war es etwas, das ich definitiv bei der Überarbeitung tat. Und als wir in New York ankamen, schrieb ich einen Großteil des Stücks um, beließ Szenen, schnitt Szenen [und] schrieb neue Szenen. Sogar in den Proben änderten wir die Reihenfolge, in der die Szenen gezeigt wurden. Was du jetzt auf der Bühne im Vineyard siehst, ist ganz anders als das, was im San Francisco im März und April gespielt wurde und natürlich das, was wir in all diesen Workshops hatten.
Im Laufe des Prozesses hat sich das Stück wirklich verwandelt, und ich liebe es, dass Pam und Joy Meads, unsere Dramaturgin, so vertrauensvoll waren, dass ich dem Stück zuhörte und es mich den Form geben ließ, die es annehmen möchte, was es sagen will, was die Charaktere uns in Bezug auf ihre Geschichte anbieten müssen, die eine Reflexion dessen ist, was wir als Publikum auch empfinden. Es gibt diese wirklich leidenschaftlichen Momente, die sie als junge Menschen haben, mit denen sich viele von uns wirklich identifizieren können, besonders Leute, die in New York sind und einen starken Kunsthintergrund haben. Und selbst wenn sie nicht [mehr] darin sind, haben sie immer noch eine tiefe Liebe dafür, und das könnte sogar der Grund sein, warum sie überhaupt in New York leben.
Ich liebe es, dass das, was du geteilt hast, ein Licht darauf wirft, wie ich mich beim Anschauen des Stücks fühlte—ich fühlte die Nostalgie, die die Charaktere für diese Zeit haben würden, bevor sie es tun. Würdest du sagen, dass das Stück autobiografisch oder halb-autobiografisch ist?
Weder das eine noch das andere. Und es ist kein Erinnerungsstück—es ist tatsächlich ein Vorwärtsblick-Stück. Wir haben über diesen Unterschied gesprochen, weil es sehr unterschiedlich ist, auf dein Leben zurückzublicken, als nach vorne zu schauen. Natürlich kann es am Ende des Stücks so wirken: War das ein Erinnerungsstück? Aber ich liebe die Energie [wo es] etwas ist, das sich in der Zeit vorwärts bewegt. Und [das Stück] ist überhaupt nicht autobiografisch. Die Charaktere sind erfunden, die Handlung ist erfunden, und sogar das Setting... Ich wurde von der Musikschule inspiriert, die ich besucht habe, aber das liegt lange zurück und [meine] Schule war geschlechtsneutral.
Die Art und Weise, wie Pam es immer formuliert, ist: Es ist nicht autobiografisch, es ist einfach sehr persönlich. Und die Art, wie ich es ausdrücke, ist, dass die Gefühle des Stücks aus den tiefsten Winkeln meiner Seele stammen. Das ist unbestreitbar. Das bin ich. Es ist einfach mein Herz auf einem Teller. Nichts davon ist mir im Stück widerfahren—außer dem Stehlen von einigen 2-Liter-Flaschen, als ich ein Kind war, mit ein paar Freunden und ein wenig Unfug damit anzustellen. Und die Liebe zur Musik, natürlich. Aber es ist nicht autobiografisch, obwohl es definitiv sehr [tief] empfunden ist und eine [Welt] ist, die ich kenne.
Ich bin sehr neugierig, wie du ein Gleichgewicht [zwischen] diesen Gefühlen findest, in dich selbst zurückzugehen und das, was es bedeutete, ein junger Mensch zu sein, als du ein ähnliches Programm durchläuft und dann die Gegenwart zu betrachten. Ich fühle, dass jeder, der nicht aus der aktuellen Generation stammt, immer darüber spricht, wie anders es ist, jetzt ein junger Mensch zu sein wegen der Technologie. Du hast ein wenig darüber gesprochen, wie du mit Leuten aus einer anderen Generation im Zoom-Workshop gearbeitet hast. Kannst du mehr darüber sprechen, wie du an einem Stück arbeitest, das junge Menschen von heute hat?
Ich habe es nicht als Herausforderung empfunden, weil ich als Künstlerin dem, was ich mache, wirklich vertraue. Egal über wen ich schreibe, ich höre sehr aufmerksam zu, welche Geschichten sie erzählen wollen, was ihre Interessen sind, wie sie sich manchmal ungehört fühlen.
Es gibt ein Stück, das ich geschrieben habe, das David Mendizábal 2022 inszenierte, das Mushroom heißt. Es geht um dokumentierte Pilzsammler in Pennsylvania. Dieses Stück ist zweisprachig in Englisch und Spanisch, und es gibt tatsächlich auch andere Sprachen darin. Natürlich bin ich kein dokumentierter Pilzsammler und doch habe ich genau die gleiche Technik des Zuhörens angewendet, einfach zuzuhören. Was sind die Geschichten, die erzählt werden müssen und die wir nicht kennen?
Oder mein Stück, Bulrusher. In gewisser Weise ist das eine imaginäre Art des Zuhörens. Ich hörte auf die Stimmen meiner Vorfahren in Birmingham, Alabama, wo einige der Charaktere herkommen. Ich hörte auf den Klang des Dialekts, den ich nur in ein paar mündlichen Überlieferungen gehört und in einem Buch gelesen hatte. Ich fühlte, dass es einen echten Rhythmus gab, den ich verstand und auf den ich zugreifen konnte. So arbeite ich in gewisser Weise, wie ich als Schauspielerin in verschiedene Rollen schlüpfe, auch als Dramatikerin, indem ich in verschiedene Rollen schlüpfe und versuche, die echte Verbindung und die Stimme zu finden, die ich geben kann. Also suchte ich in diesem Prozess auch die Gespräche mit jungen Leuten.
Es war wirklich wunderbar, junge Menschen als Zuschauer zu haben. Wir hatten gestern eine Schüler-Matinee, und es gab so ein Gefühl der Wiedererkennung. Die Leute fühlten sich: Oh mein Gott, das ist meine Geschichte, das ist etwas, was ich fühle. Die Leute [kamen] danach zu den Schauspielern und junge Leute weinten einfach und weinten und sagten: “Ich fühle mich genauso.”
Es gab auch Zeiten, in denen ich zugehört habe und nicht ausreichend zugehört habe. Und dann wurde ich von den Menschen, die ich zu repräsentieren versuche, sanft oder fest oder wütend darauf hingewiesen. Wenn das passiert, tue ich alles, was ich kann, um sicherzustellen, dass sie sich fair und genau repräsentiert fühlen.
Kannst du mehr darüber sprechen, wie du das Gefühl hast, dass deine Arbeit als Schauspielerin deine Arbeit als Dramatikerin beeinflusst und insbesondere, ob es sich mit der Art überschneidet, wie du mit Schauspielern in einem Stück, das du schreibst, sprichst?
Ein großer Teil meines Schreibens kam immer aus dem Gefühl heraus: Was sind die Rollen, die ich als Schauspielerin gerne spielen würde? Natürlich kann ich diese Charaktere in ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| nicht spielen, aber wäre ich in dieser Altersgruppe, würde ich diese Charaktere gerne spielen. Es gibt ein Bedürfnis sicherzustellen, dass die Schauspieler etwas haben, das sich wirklich saftig und fleischig anfühlt und dass sie sich in der Geschichte nicht irgendwie übergangen fühlen. Ich denke, es ist dramaturgisch sinnvoll, dass sich niemand in diesem Stück wie eine untergeordnete Rolle fühlt. Selbst eine Person in diesem Stück wie Clementine, die die Figur ist, von der wir am wenigsten hören, hat einen bestimmten Zauber und ein gewisses Gefühl des Überdrusses darüber. Sie braucht das Drama, das in diesem Dreieck mit den anderen drei Teenagern vor sich geht, nicht. Sie übt einfach [Musik] und macht ihr Ding, und das macht sie glücklich. Es gab viele Menschen, die danach zu mir oder zu Gia, die Clementine spielt, gekommen sind und gesagt haben: “Das ist der Charakter, den ich besessen bin und “Ich versuche, mein inneres Clementine zu aktivieren und einfach das zu tun, was ich tue”. Also denke ich, dass es darum geht, sicherzustellen, dass es Rollen gibt, von denen ich das Gefühl habe, dass ich mich wirklich dafür interessieren würde.
In anderen Stücken, die ich geschrieben habe, gab es eine Rolle, die ein 'Ich' darin ist. Ich habe Teile geschrieben, die ich gerne selbst spielen würde. Und manchmal passiert das, manchmal nicht. Ich möchte, dass das Stück ein eigenes unabhängiges Werk ist, das nicht von meiner Präsenz abhängt oder nicht. Ich versuche immer, mit dem größtmöglichen Mitgefühl [und] Inklusivität zu denken, wenn ich überlege, wie die Charaktere als Dramatiker funktionieren und wie die Schauspieler diese Rollen spielen werden—was sie in der Geschichte brauchen und dann langfristig, wenn sie es über die Dauer einer Aufführung hinweg tun.
Wie sich das auf die Art auswirkt, wie ich mit Schauspielern umgehe, ist einfach, dass ich Schauspieler so sehr bewundere. Ich denke, dass es ein echtes Element des Opfers in dem gibt, was alle interpretierenden kreativen Künstler tun, zusammen mit dem besten [von sich] zu bringen, das dort ist. Also habe ich etwas gemacht, besonders in ehemaligen Stücken, die mehr erarbeitet sind, dass ich die Darsteller frage: Gibt es etwas, das du schon immer auf der Bühne tun wolltest, was du nie die Chance hattest zu tun? Es ist eine gute Diagnose, auch wenn wir das nicht tatsächlich tun, weil ich dann spüren kann, wonach sie sich sehnen und wonach sie sich sehnen, und ich werde sehen, ob es Wege gibt, dies ins Stück zu integrieren.
[Dann gibt es] die Energie eines Ensembles, gegeben mein Training als Musikerin und Schauspielerin. Meine Lehrer in der Graduiertenschule haben die großen Ensembles immer romantisiert: The Group Theatre und das Moskauer Kunsttheater… Ich bin Mitglied des The Actors Studio. Und [es gibt] dieses ganze Gefühl des Ensembles, wenn man ein wirklich starkes Gefühl des Ensembles und des Vertrauens hat. Ich liebe die LAByrinth Theater Company, ich liebe Theatergruppen, in denen die Schauspieler immer wieder zusammenarbeiten. Wenn man diese intime Ebene hat, kann man Leistungen erbringen, die man nicht erreichen könnte, wenn man sich nur zum ersten Mal begegnet.
Obwohl in vielen Stücken, die ich gemacht habe und mit anderen zusammengearbeitet habe, wir nur für kurze Zeit zusammenkamen, um etwas zu machen und dann Abschied zu nehmen, habe ich einfach diese Stärkung meines Ensembles geliebt. Wenn die Menschen miteinander sein wollen, wenn sie voneinander lernen, wenn sie in der Lage sind, sich auf der Bühne unabhängig davon, was passiert, zu vertrauen, dann wird es einfach eine viel schönere Erfahrung geben. Das hatten wir in Passing Strange in Hülle und Fülle. Es kam auch davon, dass wir drei Versionen der Show gemacht haben: Berkeley Rep, The Public Theater und Broadway. Ich denke, dass wir das mit [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||] gemacht haben, indem wir zum A.C.T. und dann hier zum Vineyard gegangen sind. Ensemble ist etwas, das ich für sehr wichtig halte, wenn ich mich mit Schauspielern beschäftige.
Ich möchte niemandem jemals sagen, was er zu tun hat, aber ich habe auch eine sehr klare Vorstellung davon, was etwas ist und ob etwas außerhalb dieses Rahmens liegt. Es geht buchstäblich ums Stimmen, wie ein Stimmgabel. Wenn etwas aus dem Takt ist, dann fühlt sich das Ganze einfach falsch an. Also versuche ich, von Pam zu lernen und mich daran zu erinnern, was ich als Schauspielerin liebe, was immer sehr positive und spielbare Noten und Vorschläge sind. Ich versuche, auf dieser Seite zu bleiben. Es geht immer um Beziehungen und darum, eine gemeinsame Zielsetzung zu haben, etwas zu schaffen, das sich wie der höchste Ausdruck dessen anfühlt, was wir gemeinsam tun können und was das Stück von uns verlangt.
Erzähle uns mehr über deine Geschichte mit dem Vineyard. Es gibt deinen Auftrag, aber hast du auch Erfahrungen dort als Zuschauer gehabt? Was hat der Raum speziell zum Stück beigetragen und hast du Gedanken darüber, wie es ist, im Vineyard zu arbeiten?
Bei diesem Stück speziell liebe ich die Intimität des Raumes. Das ist etwas, das wir im A.C.T. nicht in diesem Ausmaß hatten, denn das wunderschöne Strand Theatre dort hat etwa 283 Sitze. Es ist ein umgebautes Kino. Daher bedeutete der Wechsel von dort mit dem genau gleichen Set in den Vineyard, dass das Stück anders klingt, sich anders anfühlt. Wir haben nicht die Höhe, die wir über dem Set hatten. Die Sichtlinien sind anders.
Wir hatten diese beiden wirklich unglaublichen Versionen des Stücks. Es ist, als wäre das Stück in der Bay geboren und aufgewachsen und dann wurde es gewürzt und fand zu seinem eigenen in New York. So wie ich.
Ich habe es wirklich geliebt, mit dem Vineyard und all den Programmen zu arbeiten, die sie durchführen, mit Post-Show-Konzerten und Affinitätsnächten. Es war wirklich Spaß, dort jeden Tag zu sein.
Was ich über die Vineyard über die Jahre hinweg geliebt habe, ist, dass ich dort einige meiner Lieblingsstücke gesehen habe. Ich habe How I Learned to Drive, Indecent… gesehen. Ich erwähne Paula Vogel, weil Paula zusammen mit Adrienne Kennedy die wichtigste Fürsprecherin meiner Arbeit ist, die ich je hatte. Ich denke nicht, dass ich wirklich eine Karriere als Dramatikerin hätte, wenn sie Bulrusher nicht aus dem Slush-Pool gefischt und gesagt hätte: “Das verdient wirklich Anerkennung”, im Pulitzer-Jury. Und dann einfach die Menschen, die [die Vineyard] hervorgebracht hat, und die Energie. Ich denke sehr speziell an Deirdre O’Connell in Dana H. Das zweite Mal, als ich Tarell Alvin McCraney’s Werk sah, nachdem ich The Brothers Size im Public gesehen hatte, war Wig Out! Die Liste geht weiter und weiter, wer in der Vineyard gewesen ist, also bedeutet es mir so viel, in diesen Reihen zu sein.
Und dann habe ich all diese interessanten Beziehungen zu den Vineyard-Leuten gehabt. [Der langjährige künstlerische Direktor] Doug Aibel hat mich in [Projekte] als Casting-Direktorin besetzt. [Der aktuelle künstlerische Direktor] Sarah Stern und ich haben tatsächlich gemeinsam einen Kurs an Princeton unterrichtet mit Trip Cullman, der darauf ausgelegt war, tief in die unvollendete Arbeit von Michael Friedman einzutauchen, American Pop. Also gibt es all diese wirklich interessanten Tentakeln zwischen mir und der Vineyard und die Möglichkeit, dort durch diesen Preis eine Residenz zu haben, und dann lasen sie dieses Stück und waren sofort begeistert davon und sprangen an Bord [um] zu koproduzieren, es war wirklich eine Ehre. Ich kann immer noch nicht glauben, dass das passiert.
Die Leute sind ein bisschen schockiert, wenn ich das sage, aber ich habe nicht wirklich viel in New York produziert. Ich hatte eine Show, die im HERE Arts Center im September stattfand, die The Essentialisn’t hieß. Davor war die letzte vollständige Produktion, die ich in New York hatte, 2009 mit Angelas Mixtape. Es sind also 16, 17 Jahre vergangen, seit ich ein Stück auf der Bühne hatte. Daher ist es ziemlich unglaublich, dass ich diese Saison nicht nur eins, sondern zwei habe. Und ich bin der Vineyard so dankbar. Die Erfahrung, dieses Stück zu machen, weil es mein Herz auf einem Teller ist, fühlte sich wirklich wie ein Traum an. Natürlich möchte man, dass Träume immer weitergehen. Aber wir haben nur noch zweieinhalb Wochen. Ich liebe diese Schauspieler. Ich weiß, dass sie weiterhin Menschen sein werden, zu denen die Leute wirklich aufschauen und folgen. Ich kann es kaum erwarten, zu sehen, wie sie weiterhin blühen und in allen Arbeiten, die sie tun werden, aufsteigen.
Gibt es etwas, das du kürzlich als Zuschauer erlebt hast, das du wirklich inspirierend fandest? Theater, Film, TV, ein Song, irgendetwas, das dich als Zuschauer inspiriert hat?
Das ist immer so schwer, weil ich so viel sehe und es mir dann schwerfällt, mich an die erstaunlichsten Dinge zu erinnern. Außerdem mache ich wirklich einen großen Aufwand, nichts zu sehen, zu lesen oder zu hören, außer etwas, von dem ich weiß, dass es gut wird. Viele Leute sagen: “Ich werde das hassen” oder “Ich werde nur etwas Trash schauen, um mich zu beruhigen”. Das mache ich nicht. Ich werde immer mein ganzes Herz und meine Seele in das Zuhören, Anschauen und Lesen geben. Und Dinge bleiben mir wirklich lange im Gedächtnis. Ich bin in dieser Hinsicht sensibel. Wenn ich einen Film sehe, weiß ich, dass er in meinem Geist sein wird und wirklich die Art beeinflusst, wie ich die Welt in den nächsten zwei Tagen sehe. Also muss ich wirklich vorsichtig sein.
Um über Filme zu sprechen, ich sah Is God Is, [mit] Aleshea Harris [in ihrer] unglaublich selbstbewussten Feature-Debüt, das ihr Stück adaptiert. Ich habe Is God Is nie gesehen, weil ich zur gleichen Zeit das Stück Kings im Public spielte. Es war für mich sehr aufregend, Mallori Johnson—mit der ich an Kindred, Branden Jacobs-Jenkins’ Adaption von Octavia Butlers Roman—zu sehen, die als Zwillinge auftritt und die gesamte Besetzung war für mich sehr spannend als jemand, der hofft, Filme zu machen. Es gibt ein Drehbuch, das ich geschrieben habe und das ich gespannt darauf bin, tatsächlich zu drehen. Und ich bin immer so begeistert, jemanden zu sehen, der so kühn und visionär ist wie Aleshea, einfach das Ding zu machen.
Was ich in letzter Zeit gelesen habe, ich bin wieder zu den Gedichten von Wanda Coleman zurückgekehrt, die diese wirklich wilde und erstaunliche Dichterin war, die in L.A. lebte. Ich habe an dieser Organisation namens Cave Canem teilgenommen, die ein Zuhause für schwarze Dichter ist. Cornelius Eady, dessen Stück mit Musik Running Man vor Jahren im Vineyard zu sehen war, in dem Joe Morton spielte, ist einer der Mitbegründer von Cave Canem.
All die Künstler, mit denen ich in letzter Zeit gearbeitet habe, haben mich wirklich inspiriert. Aneesa Folds! Und diese gesamte Besetzung von [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. Außerdem hatte ich kürzlich die Möglichkeit, ein wenig Zeit bei Veranstaltungen mit Ayo Edebiri zu verbringen, die diese Staffel von The Bear abschließt und gerade jetzt in Proof am Broadway auftritt. Es ist aufregend zu sehen, wie dieses Stück sich unter Tommy Kails Regie entwickeln konnte und diese Besetzung von Don Cheadle und Jin Ha und Ayo und Kara. Die Originalversion zu sehen… das ist eines meiner Lieblingsendungen des ersten Aktes aller Zeiten. Die Möglichkeit, diese neue Iteration mit dieser Familie zu sehen, hat andere Konnotationen. Natürlich haben David Auburn einige Änderungen im Drehbuch vorgenommen, um der Art von Erfahrung Rechnung zu tragen, die eine schwarze Familie unter diesen Umständen hätte.
Ich bin wirklich aufgeregt für meinen Freund Lin-Manuel Miranda [der] gerade eine Filmversion von Dave Malloys Octet dreht. Ich habe kleine Videos und Bilder gesehen, die er vom Set geschickt hat. Ich kann es kaum erwarten, das zu sehen.
Gerade heute habe ich Bobbi Humphrey gehört, die eine wirklich erstaunliche Jazz-Flötistin ist. Wenn du Hip-Hop hörst oder wenn du A Tribe Called Quest hörst oder [andere] Hip-Hop-Songs, die nach Jazz-Elementen suchen, wirst du diesen Sound erkennen. Es ist sehr viel der Sound, mit dem ich in der Bay Area mit meiner Mutter aufgewachsen bin. [Es gab] diese frühen Morgen und Abende, an denen ich wirklich unglaublichen Jazz und Funk gehört habe. Bobbi Humphrey, ich möchte sie heute hervorheben.
Gibt es ein früheres Stück von dir, von dem du denkst, dass es an ein breiteres Publikum gebracht werden sollte? Ein Stück, bei dem du denkst: das möchte ich bei einer großen New Yorker Wiederbelebung sehen?
Ich würde Bulrusher sagen. Es wurde vor 20 Jahren bei Urban Stages zum ersten Mal aufgeführt und nur ein paar Leute sahen es. Seitdem wurde es in regionalen Theatern aufgeführt. Dann haben wir während der Pandemie eine Zoom-Lesung durchgeführt. Ich möchte dieses Stück wirklich auf Bühnen hier in New York sehen. Ich denke, das wäre wirklich aufregend.
Ich sah Paula Vogel, als sie letzte Woche ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| gesehen hat und sie war immer noch hinter mir her. Sie sagte: “Wann werde ich Bulrusher in New York sehen? Wir müssen es in New York sehen!” Sie ist besessen von dem Stück. Ich würde sagen, dass es eines ist, das ich wirklich gerne wiederbeleben würde.
Da ich diese großartige Signature-Residenz vor mir habe, über die ich immer noch nicht ganz hinweg bin, haben wir gerade gestern eine Lesung von Angelas Mixtape durchgeführt, das ich erwähnte, das wir 2009 durch New Georges und das Hip-Hop Theatre Festival gemacht haben. Und wir werden das [bei der Signature] nächsten Frühling machen. Ich denke, ich werde dabei sein, was wirklich Spaß machen wird. Also wird das eine weitere Wiederbelebung sein. Ich denke, ich könnte den Wert dieses Stücks weiterhin unterschätzen, weil es eine Geschichte über mich und meine Familie ist und ich das Gefühl habe: oh, ich sollte nicht über mich sprechen. Ich sollte nur Dinge erfinden und mich auf die Geschichten anderer Charaktere konzentrieren. Aber ich denke, besonders nachdem ich gestern diese Lesung gemacht habe und gehört habe, wie [das Stück] jetzt klingt, gibt es einen hohen Wert darin, da es zu einem Gefühl von Optimismus [und] Empowerment führen kann, das ich brauche, das wir jetzt inmitten all dessen, was geschieht, in dieser dämonischen Zeit der Zerstörung brauchen.
Als meine Tante Angela [Davis] ihre Autobiografie schrieb, als sie von Toni Morrison im Random House redigiert wurde, wollte sie nicht über sich selbst schreiben. Sie fühlte sich zu jung. Sie hatte das Gefühl, dass es nichts Besonderes gäbe, was ihre Geschichte von jeder anderen politischen Gefangenen oder schwarzen Frau, die in den Vereinigten Staaten lebt, abhebt. Sie [hat] sich immer sehr mit dem Kollektiv identifiziert und spricht immer darüber, wie das Kollektiv selbst das war, was sie befreite. Es ist ein glücklicher Zufall, dass wir heute am 4. Juni sprechen, denn an diesem Tag wurde sie 1972 von allen Anklagen freigesprochen. Aber sie war wirklich sicher, eine Autobiografie zu schreiben,, weil sie nicht wollte, dass die Aufmerksamkeit auf sie in irgendeiner unfairen oder ausbeuterischen oder unverhältnismäßigen Weise gerichtet wird. Doch sie schrieb trotzdem und verstand, dass es vielleicht etwas Nützliches, etwas Hilfreiches in der Erzählung ihrer Geschichte für andere geben könnte.
Und ich denke, das ist etwas, das ich wirklich über Angelas Mixtape entdecke. Es kam sozusagen aus mir heraus, wie ein Vulkanausbruch. Wieder war ich sehr zögerlich, es zu teilen, und doch musste es geteilt werden. Ich verstehe wirklich aus der Reaktion, die wir gestern von den Schauspielern und allen, die [das Stück] angesehen haben, erhielten, dass es etwas sehr Kraftvolles darin gibt, über radikale Kämpfe, das Engagement für soziale Gerechtigkeit und die Bedeutung der kulturellen Arbeit, um diese Ziele zu erreichen. Es ist wichtig zu verstehen, dass die Ziele möglicherweise nicht in deinem Leben erreicht werden, aber du musst deinen Teil dazu beitragen, den Ball weiterzuschieben. Es gibt so viele Vorfahren, so viele spirituelle Beschützer, so viele Menschen, die in ihrer Blütezeit gefällt wurden und für unser Wohlergehen, unser Wohl, unseren Nutzen, unsere Freiheit und Befreiung arbeiten. Das ist der Geist, in dem ich dieses Stück anbiete. Ich möchte, dass all meine Arbeiten hilfreich sind.
Wenn du über Generationen sprichst, gibt es all diese unterschiedlichen Arten, wie sich unsere Neurologie mit dem Einsatz von Elektronik und sozialen Medien verändert hat. Und ich weiß, dass es etwas sehr Tiefes und Menschliches gibt, von dem wir alle wirklich profitieren können, unabhängig vom Alter und von der Neurologie. Ich sitze gegenüber von Brooklyn Tech und ich weiß, dass das Verbot von Handys in den [New Yorker öffentlichen] Schulen einen unglaublichen Effekt auf alle Schüler hatte, die jetzt sagen: Lass uns Brettspiele spielen oder uns zum Mittagessen unterhalten. Und wie wäre es damit? [Es ist] einfach, einfach, einfach. Ich denke, das ist auch der Grund, warum ich Theater so liebe. Es ist eine Art Versammlung, bei der wir wirklich Zeit vom ständigen Ansturm nehmen können und einfach herausfinden, wie wir in der Welt leben und wie wir zusammen leben wollen.
Ich kann es kaum erwarten, Angelas Mixtape zu sehen. Das macht mich so aufgeregt, es zu sehen. Auch alles, was du gesagt hast, bringt genau zum Ausdruck, warum ich mein Buch Women Writing Musicals—um jenen künstlerischen Vorfahren eine Stimme zu geben. Danke für diesen schönen [Gedanken].
Natürlich arbeitest du auch gerade an der Bühnenadaption von Krieger. Kannst du darüber sprechen, worauf du dich am meisten freust, wenn es darum geht, das auf die Bühne zu bringen?
Allein die Tatsache, dass es Krieger ist und dass ich mit Lin-Manuel arbeite… diese Dinge an sich sind aufregend und wecken Leidenschaft. Das, worauf ich in diesem Projekt am meisten leidenschaftlich bin, war der Prozess der Entdeckung mit Lin, herauszufinden, wie wir diesen Film, der eine Adaption eines Romans war, der eine Adaption eines griechischen Narrativs war, anpassen. Wie [machen] wir diesen Film zu einem Konzeptalbum? Und jetzt, wie [passen] wir ein Konzeptalbum in ein Stück ein, das visuell ist, sich in der Zeit bewegt und verkörpert ist?
Der Prozess an sich ist wie der eines verrückten Wissenschaftlers im Labor, und man versucht einfach, verschiedene Experimente durchzuführen und Probleme zu lösen. Manchmal versucht man, Risse im Beton zu schaffen, damit eine kleine Rose blühen kann. Manchmal weiß man nicht einmal, welche Annahmen man über die eigene Arbeit trifft, bis man ein Gespräch mit dem Regisseur oder einem vertrauenswürdigen Freund oder [Mitstreiter] führt. Dann sagt man: Oh, ich hatte das aus dieser Perspektive nicht betrachtet, lass uns sehen, ob wir einen Weg finden, das wirklich zu ehren. Manchmal sind die Leute sehr vorschreibend und sagen: Du musst das tun. Obwohl Notizen in diesem Format nicht unbedingt helfen, weisen sie normalerweise auf etwas hin, das leicht aus dem Takt ist. Man kann eine Note erhalten, die man nicht direkt annehmen wird, aber [es geht um] die Note unter der Note. [Es] kann in dein Unbewusstes eindringen und dann beginnst du zu entdecken, dass es die strukturelle Fissur anspricht, die dafür sorgt, dass sich alles instabil anfühlt. Der Prozess!
Ich bin wirklich hyped über diese Schauspieler. Es ist eine sehr intensive Achterbahnfahrt. Wir wollen sicherstellen, dass wir jede Art von möglicher Emotion im [Publikum] hervorrufen, während wir auch diese sehr bewegende und notwendige Erzählung schaffen. Du hast dies als Historiker des Musicals und Liebhaber des Musicals erlebt: Die Musik kann großartig sein, aber wenn wir nicht alle in der Umarmung einer wirklich kraftvollen Erzählung zusammen sind, dann fühlen wir nicht die Erfüllung und Zufriedenheit, die wir haben wollen. Es ist anders, wenn du zu einem Konzert gehst und all diese großartige Musik hörst und aufstehst, zur Toilette gehst, zur Bar gehst, mit deinen Freunden sprichst. Das ist eine völlig andere Umgebung, als in einem Stuhl zu sitzen, der normalerweise nicht viel Platz für die Beine bietet. Du fühlst dich ein bisschen unwohl, du bist in diesem dunklen Raum. Oft kommen die Leute einfach nur, um dort zu schlafen, also was wird eine Person, die möglicherweise ein bisschen unwohl, vielleicht schläfrig und eingesperrt ist, dazu bringen, sich auf die Kante ihres Sitzes zu setzen und nicht nur für die Musik, sondern für die Geschichte, die die Musik hält, zu begeistern?
Lin weiß offensichtlich, wie man das macht. Er hat eine bewährte Erfolgsbilanz, das wirklich gut zu machen. Und ich liebe es, dass er mich auf die Reise eingeladen hat und wissen wollte, was ich im Potenzial [von Krieger] sah und was ich anbieten könnte, was er nicht sehen konnte. Wir scherzen immer mit diesem Stück, dass das Baby wie wir beide aussieht. Zunächst lud er mich ein, die Buchautorin zu sein, und er würde Musik und Texte schreiben. Dann, als unsere Zusammenarbeit voranschritt, hatte ich ihm Sprachnachrichten geschickt und gesagt: “Hier ist eine Basslinie, hier ist eine Akkordfolge, hier ist eine Synthlinie, hier ist ein Hook”… Also erkannten wir beide, dass wir beide alle Aufgaben übernehmen würden. Es wird hauptsächlich durchgehend gesungen. Wir haben erkannt, dass wir nicht versuchen sollten, die jeweiligen Aufgaben, die wir haben, zu unterteilen, dass es nicht compartmentalisiert sein würde. Wir würden beide bei allem berücksichtigen und alles schaffen. Manchmal ist es gut, zu zweit zu sein, denn ich kann weggehen und etwas schreiben und er kann weggehen und etwas schreiben… und es ist am besten, wenn wir aufeinander zulaufen, wie “Hör mal! Hör dir das an!”
Wir haben beide ein Vetorecht darüber, was die andere Person tut. Wir sind wirklich als ein einziger Verstand zusammengekommen, der dieses Projekt angeht. Jetzt, wo wir mit [Regisseurin] Jenny Koons arbeiten, die eine unglaublich fähige Handwerkerin ist und unser ganzes Kreativteam zusammensetzt, ist das ein wirklich wilder Moment, in dem die Dinge beginnen, dreidimensional zu werden und immer zu versuchen, mit unserer Vision in Einklang zu bleiben. Manchmal wird es nicht genau das sein, was wir uns vorgestellt haben, aber es muss in diesem Bereich sein. Es muss sich so anfühlen, als würde es von der Keimzelle des Stücks ausgehen und kann nicht einfach etwas sein, das sich cool anfühlen würde. Der Teig muss vollständig kombiniert sein [in] eine Verbindung, die keine Klumpen hat.
Das ist der Punkt, an dem wir uns gerade befinden: [herauszufinden], was passiert, wenn die Leute tanzen und kämpfen und singen. Wie machen wir all die Dinge, um die wir uns im Album keine Sorgen machen mussten? Wir sind in der U-Bahn, wir werden von einem Bus gejagt, wir laufen vom Bronx nach Coney Island. Wie können wir all das darstellen—oder es nicht darstellen und es stattdessen anregen? Das sind die Fragen, die wir stellen.
Das, worüber ich leidenschaftlich begeistert bin, ist das Erschaffen des Stücks—und wieder dorthin zu gelangen, den Höhenflug zu nutzen, [von] in dieser Welt von ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
Gibt es noch etwas, das du über ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| für diejenigen teilen möchtest, die in Erwägung ziehen, vor dem 21. Juni ins Vineyard zu kommen, um es zu sehen?
Ein paar Dinge. Naomi Latta, die Margot spielt, wusste nicht, wie man Schlagzeug spielt, als sie die Rolle übernahm. Wir [fragten]: “Denkst du, dass du es lernen kannst?” Sie sagte ja [und] hat es getan. Das haut mich um. Das zeigt das Talent-Niveau, das Engagement, die Hingabe und die Liebe dieser Schauspieler für dieses Stück.
Eine weitere verrückte kleine Tatsache ist, dass ich als Kind in diesem Programm eine Menge Musik komponiert habe und es eine kleine Exzerpt eines der Stücke, die ich im Stück komponiert habe. Es ist nichts, was jemand jemals fangen würde; es ist etwas, was nur wir in der Besetzung wissen. Und Pam. Es ist während einer Übungsraumszene. Gianna DiGregorio Rivera, die Clementine spielt, spielt diese kleine Melodie, die ich als 13- oder 14-Jähriger geschrieben habe. Das war Spaß, das dort hineinzuwerfen.
Eine weitere Sache, die mir wichtig erscheint, zu teilen, ist, dass die Musik selbst nicht die Art von Musik ist, die die Menschen normalerweise auf einer Theaterbühne sehen—und definitiv nicht auf einer Broadway-Bühne. Es ist die Art von Musik, die man vielleicht in einer Musikschule oder vielleicht in einem Jazzclub hört. Wir rufen Esperanza Spalding [und] Craig Taborn hervor. Es gibt also eine andere Ästhetik in der Musik, als die, die ich denke, dass die Menschen gewohnt sind, im Theater zu sehen. Ich glaube, dass es sehr willkommen ist und die Menschen darauf reagieren. [Sie] sind in diese Musik und diesen Klang investiert, und ich bin wirklich begeistert darüber.
Komm, sieh dir das Stück an und fühle die Inspiration, die darin enthalten ist. Es gibt einen echten Sinn der Reflexion, der automatisch erfolgt, wenn du das Stück siehst. Und [mit] einer Besetzung wie dieser ist es ein Moment in der Zeit, den ich für wirklich kostbar halte [angesichts] dessen, wo sie in ihren Karrieren sind. Ich saß letzte Nacht und redete mit Hillary und Naomi, und sie sagten, dass das sehr herausfordernd für sie war. Etwas, das ich ihnen oft sage, ist: “Versteckt euch nicht.” [Hillary sagte], sich in einem Probenraum nicht zu verstecken, sobald du anfängst, die Leute kennenzulernen, ist eine Sache, aber nicht zu verstecken, sobald die Lichter auf dir sind, ist eine andere. Sie haben diese Herausforderung wirklich angenommen. Wir haben viel darüber gesprochen, buchstäblich die Haut für diese Charaktere abzuziehen. Diese Geschichte ist so roh, so verletzlich. Sie tun das, und das ist wirklich ungewöhnlich.
Wir sind in New York und durchleben viel als Nation und als Welt. Wenn du ein queerer Teenager of Color bist, hast du viele Dinge, die herausfordernd sind. Und für sie zu sagen, ich werde tatsächlich mein Herz öffnen und alles geben, was ich bin, ungeschützt, ohne diese schützende Rüstung, ist ein echtes Geschenk, das das Publikum nicht immer erhält. Und ich verstehe, warum die Menschen Rüstungen anhaben. Ich verstehe es wirklich. Ich denke, was wir schaffen konnten, war einfach, genug einen mutigen Raum füreinander zu schaffen, wo wir in der Lage sind, diese Offenheit zu geben. Ich würde mir wünschen, dass die Menschen das erleben könnten, solange wir laufen.
Foto-Credit: Carol Rosegg
