Beschikbare Talen
Heb je een prangende Broadway-vraag? Ben je benieuwd naar een obscure Broadway-feitje? Broadway-historicus en zelfverklaarde theaterliefhebber Jennifer Ashley Tepper is hier om te helpen met Broadway Deep Dive. BroadwayWorld accepteert vragen van theaterfans zoals jij. Als je geluk hebt, kan jouw vraag geselecteerd worden als onderwerp van haar volgende column!
Dien hier je Broadway-vraag in!
De Pulitzerprijs-genomineerde schrijver en acteur Eisa Davis bespreekt haar nieuwe stuk in het Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, evenals haar andere aanstaande projecten, waaronder een hernieuwde uitvoering van Angela’s Mixtape en de nieuwe musical Warriors.
Wanneer ben je begonnen met het schrijven van het stuk ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, en wat was je aanvankelijke inspiratie ervoor?
De reden waarom dit stuk tot stand is gekomen, is vanwege Pam MacKinnon.
In 2018 werd Pam MacKinnon de artistieke directeur van A.C.T. [San Francisco’s American Conservatory Theater]. Een van haar eerste acties als artistieke directeur was het opdracht geven aan mensen waarvan ze echt graag de verhalen over het Bay Area wilde horen, en dat is waar ik vandaan kom. Ze dacht: Ik kom in een nieuwe ruimte waar ik echt de verhalen van de mensen kan belichten die mijn nieuwe contingent gaan zijn.
We kenden elkaar al. Ik had in een workshop van haar gezeten en natuurlijk bewonderde ik Pam MacKinnon, deze persoon die een geweldige vertolker is van Edward Albee en Craig Lucas en Lydia Diamond en Itamar Moses en al deze mensen met wie ze had samengewerkt. Ik was verrast dat ze wilde dat ik een stuk zou schrijven.
Ze kwam naar een stuk waarin ik [aan het acteren was] in The Public Theater, geregisseerd door Tommy Kail—een Sarah Burgess stuk genaamd Kings. En ze zei, "Hoe denk je erover om een stuk [als] een opdracht voor A.C.T. te schrijven?" Ik was aanvankelijk een beetje terughoudend. Ik was een beetje uitgeput van het schrijven in TV-zalen en deadlines. Maar toen dacht ik: ik wil wel schrijven over de Bay en ik wil schrijven over het muziekprogramma waar ik als kind van mijn 10e tot 17e jaar naartoe ben gegaan. Ik wil een manier vinden om de leraren die ik daar had en de mooie dagen die ik daar heb doorgebracht met het bestuderen van muziek te eren: klassieke piano, zang, jazz, gospel, pop en experimentele muziek. Al dat gebeurde in die ongelooflijke weken in de zomer die ik daar doorbracht en ook [in] wekelijkse lessen gedurende het jaar. Dus het kwam door Pam's aansporen. En toen zei ik, "Ik hou er altijd van om te schrijven over ofwel een vraag die me achtervolgt of een passie, een diepe liefde die ik heb, of beide."
Ik begon daadwerkelijk met het schrijven van het stuk, [gedurende] een korte periode van residentie in de Bay Area, in 2019. Ik schreef de eerste versie aan het begin van 2020, net voordat COVID toesloeg. Van daaruit was het proces zo dat we in november 2020 een Zoom-workshop deden gedurende een week met een volwassen cast en een tienercast. Ik wilde dat de tieners me konden vertellen of ze zich echt identificeerden met het schrijven dat ik deed voor kinderen van hun leeftijd, en dan zouden de volwassen acteurs die ervaring en dramaturgische ondersteuning bieden die je nodig hebt wanneer je een stuk test in onbekende wateren. We vonden een echt coole manier om samen te jammen. Dit was in de vroege Zoom-dagen, voordat het mogelijk was voor artiesten om echt gelijktijdig geluiden te maken. Maar we vonden een [manier]. En ik dacht: laten we een manier vinden om dat element van kans en improvisatie in deze workshops altijd gaande te houden. Dus, dat deden we.
Ik was niet zeker of Pam echt om het stuk gaf na dat. Ik wist niet of ze enige financiering zouden hebben om verder te gaan. Maar toen waren ze responsief bij A.C.T. en we deden een andere lezing. Ik heb in 2023 een schrijfresidentie bij A.C.T. gedaan en daar begon de vorm van het stuk te ontstaan. Ik wilde oorspronkelijk kijken of ik alle scènes kon randomiseren. Ik dacht misschien kan ik een manier vinden om dit te laten werken met de scènes die in elke volgorde komen. Ze zouden worden bepaald door het publiek op dezelfde manier waarop het publiek nu de toonreeks kiest. Misschien kon elke scène aan één noot worden gekoppeld en dan zou het publiek de volgorde van die noten bepalen en dan zouden we een stuk hebben dat [in alle mogelijke richtingen zou kunnen gaan]. We probeerden dat uit in workshops [en] het werkte totaal niet. Ik faalde miserabel, maar dat is waar experimenten voor zijn. Je ontdekt wat [werkt]. Ik realiseerde me dat het verhaal dat ik wilde vertellen cumulatief was, dat het een narratief was dat vereiste dat dingen consequent waren. Er was zo'n sterke respons [op] die lezing. De emotionele vorm van het stuk begon echt te landen in 2023.
In 2024 zei A.C.T. ja, we willen het doen. En toen [in] het Vineyard, waar ik een opdracht had en een prijs had gekregen via Paula Vogel en Daryl Roth, vroeg ik: "Denk je dat dit stuk hier ook als mijn opdracht zou werken?" Ze hebben het in het Vineyard gelezen en vonden het geweldig, dus we kregen de kans om deze coproductie tussen A.C.T. [in de Bay Area] en het Vineyard in New York te doen. Ik kan niet zeggen hoe prachtig dat proces is geweest. Vaak heb je dat met een musical waar je een tryout buiten de stad hebt. En dat is wat we konden doen, we kregen alle tijd die we nodig hadden om echt de muziek en de relaties tussen de karakters te ontwikkelen. We kregen tijd voor de acteurs om zich echt thuis te voelen in die shows.
En eenmaal ik in staat was om de run in San Francisco te zien, heb ik het stuk weer uit elkaar getrokken. Zodra [ik] dat idee had van 'kunnen scènes in elke volgorde gaan?', ook al was het iets dat we formeel niet deden, het was iets dat ik zeker deed in de revisie. En zodra we in New York waren, herschreef ik veel van het stuk, combineerde scènes, knipte scènes, [en] schreef nieuwe scènes. Zelfs in de repetitie veranderden we de volgorde van hoe de scènes zouden gaan. Wat je nu op het podium in het Vineyard ziet, is echt, echt anders dan wat er in San Francisco speelde in maart en april, en natuurlijk wat we hadden in al deze workshops.
Onderweg is het echt veranderd en ik hou ervan dat Pam en Joy Meads, onze dramaturg, zo vertrouwen in mij hebben om naar het stuk te luisteren en het te laten vertellen welke vorm het wil aannemen, wat het wil zeggen, wat de personages ons te bieden hebben in termen van hun verhaal dat een reflectie is van wat wij, in het publiek, ook voelen. Er zijn deze echt gepassioneerde momenten die ze als jongere hebben die ik denk dat zoveel van ons zich kunnen identificeren, vooral mensen die in New York zijn met een sterke kunstachtergrond. En als ze er niet meer zijn, hebben ze nog steeds een diepe liefde ervoor, en dat kan zelfs de reden zijn waarom ze überhaupt in New York wonen.
Ik hou ervan dat wat je hebt gedeeld een licht werpt op hoe ik me voelde tijdens het kijken naar het stuk—ik voelde de nostalgie die de personages zouden hebben [voor deze tijd] voordat ze die hebben. Zou je zeggen dat het stuk autobiografisch of semi-autobiografisch is?
Geen van beiden. En het is geen herinneringsspel—het is eigenlijk een vooruitblikstuk. We hebben het over dat onderscheid gehad, want het is heel anders om op je leven terug te kijken dan vooruit te kijken. Natuurlijk kan het aan het einde van het stuk zo aanvoelen: was dat een herinneringsstuk? Maar ik hou echt van de energie [waarbij het] iets is dat in de tijd vooruitgaat. En [het stuk is] helemaal niet autobiografisch. De personages zijn uitgevonden, het plot is uitgevonden, en zelfs de setting… ik was geïnspireerd door de muziekschool waar ik naartoe ging, maar dat was een lange tijd geleden en [mijn] school was genderneutraal.
De manier waarop Pam het altijd verwoordt is: het is niet autobiografisch, het is gewoon heel persoonlijk. En de manier waarop ik het verwoord is dat [de] gevoelens van het stuk uit de diepste hoeken van mijn ziel komen. Dat is onmiskenbaar. Dat ben ik. Het is gewoon mijn hart op een bord. Er is niets dat met mij is gebeurd in het stuk—behalve het stelen van wat 2-liter flessen toen ik een kind was met wat vrienden en wat kattenkwaad daarmee uithalen. En de liefde voor muziek, uiteraard. Maar het is geen autobiografisch stuk [hoewel] het zeker heel [diep] gevoeld is en heel [zeer] een wereld is die ik ken.
Ik ben zo nieuwsgierig hoe je de balans vindt [tussen] die gevoelens van terugkijken naar jezelf en wat het betekende om een jongere te zijn toen je door een soortgelijk programma ging, en dan het huidige aspect ervan. Ik heb het gevoel dat iedereen die niet tot de huidige generatie behoort altijd praat over hoe anders het is om vandaag de dag een jongere te zijn [door] technologie. Je sprak een beetje over werken met mensen van een andere generatie in de Zoom-workshop. Kun je meer vertellen over hoe je werkt aan een stuk dat jonge mensen van vandaag heeft?
Ik voelde het niet als een uitdaging, omdat ik het luisteren dat ik als artiest doe echt vertrouw. Wat ik ook schrijf, ik luister heel zorgvuldig naar de verhalen die ze willen vertellen, wat hun interesses zijn, hoe ze zich soms onbegrepen voelen.
Er is een stuk dat ik schreef dat David Mendizábal in 2022 regisseerde genaamd Mushroom. Dat ging over ongedocumenteerde paddenstoelenplukkers in Pennsylvania. Dat stuk is tweetalig in zowel het Engels als het Spaans, en er zijn eigenlijk ook wat andere talen in. Natuurlijk ben ik geen ongedocumenteerde paddenstoelenplukker, en toch gebruikte ik precies dezelfde techniek van luisteren, gewoon luisteren. Wat zijn de verhalen die verteld moeten worden die we niet kennen?
Of mijn stuk, Bulrusher. In sommige opzichten is dat een imaginaire soort luisterervaring. Ik luisterde naar de stemmen van mijn ouderen in Birmingham, Alabama, waar sommige karakters vandaan komen. Ik luisterde naar het geluid van het dialect dat ik alleen in een paar orale geschiedenissen had gehoord en in een boek had gelezen. Ik voelde dat er een echt soort ritme in zat dat ik begreep en waar ik op in kon haken. Dus in sommige opzichten, net zoals ik als acteur in verschillende rollen stap, doe ik dat als toneelschrijver, in verschillende rollen stappen en proberen te vinden wat oprechte verbinding en stem ik kan geven. Dus nogmaals, [hier], was ik op zoek naar gesprekken met jonge mensen in dit proces.
Het was echt geweldig om jonge mensen als publiek te hebben. We hadden gisteren een studentenmatinee en er was zo'n gevoel van herkenning. Mensen voelen dat: oh mijn god, dit is mijn verhaal, dit is iets dat ik voel. Mensen [kwamen] achteraf naar de acteurs toe en jonge mensen waren gewoon aan het huilen en zeggen: "Ik voel hetzelfde."
Er zijn ook momenten geweest waarop ik heb geluisterd en ik niet volledig genoeg heb geluisterd. En dan ben ik, vriendelijk of stevig of boos aangesproken door de mensen die ik probeer te vertegenwoordigen. Wanneer dat gebeurt, doe ik alles wat ik kan om ervoor te zorgen dat ze zich eerlijk en nauwkeurig vertegenwoordigd voelen.
Kun je meer vertellen over hoe je voelt dat je werk als acteur invloed heeft op je werk als toneelschrijver, en specifiek of het kruist met hoe je met acteurs praat in een stuk dat je aan het schrijven bent?
Veel van mijn schrijven komt altijd voort uit de vraag: wat zijn de rollen die ik als acteur zou willen spelen? Natuurlijk kan ik deze personages in ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| niet spelen, maar mocht ik in die leeftijdsgroep zijn, dan zou ik deze personages echt graag willen spelen. Er is een beetje een verlangen om ervoor te zorgen dat acteurs iets hebben dat echt sappig en substantieel aanvoelt, en dat ze zich op geen enkele manier aan de kant gezet voelen door het verhaal. Ik denk dat het dramaturgisch goed is dat niemand een minderwaardige rol heeft dan iemand anders. Zelfs iemand in dit stuk zoals Clementine, die de persoon is van wie we het minste horen, heeft een bepaalde flair en een bepaald gevoel van 'ik ben het allemaal zat'. Ze heeft de drama die in deze drie tieners speelt niet nodig. Ze oefent gewoon [muziek] en doet haar ding en dat is wat haar gelukkig maakt. Er zijn veel mensen die afterward naar mij zijn gekomen, of naar Gia, die Clementine speelt, en ze hebben gezegd: "Dat is het personage waar ik geobsedeerd door ben" en "ik probeer mijn innerlijke Clementine te activeren en niet in de problemen te komen en gewoon te doen wat ik doe". Dus ik denk dat het een beetje is van willen om ervoor te zorgen dat er rollen zijn die ik voel dat ik echt geïnteresseerd in zou zijn.
In andere stukken die ik heb geschreven, is er een rol die een soort 'ik' in zich heeft. Ik heb delen geschreven die ik zelf graag zou willen spelen. En soms gebeurt dat en soms niet. Ik wil dat het stuk zijn eigen onafhankelijke avontuur is dat niet van mijn aanwezigheid of niet afhangt. Ik probeer altijd te denken vanuit de meeste compassie [en] inclusiviteit wanneer ik overweeg hoe personages werken als toneelschrijver en hoe acteurs deze rollen gaan spelen—wat ze nodig hebben in het verhaal en dan op de lange termijn terwijl ze dat tijdens een run doen.
Hoe dat de manier waarop ik met acteurs ben beïnvloed is dat ik acteurs zo ongelooflijk leuk vind. Ik denk dat er een echt element van opoffering is in wat alle uitvoerende creatieve kunstenaars doen, naast het beste van [henzelf] dat daar is. Een ander ding dat ik heb gedaan, vooral in stukken die meer zijn bedacht, is dat ik de performers vraag: is er iets dat je altijd al op het podium had willen doen dat je nooit de kans hebt gehad om te doen? Het is een goede diagnose, zelfs als we dat ding niet daadwerkelijk doen, omdat ik dan kan voelen wat het is waar ze naar verlangen en hopelijk kan ik zien of er een manier is om dat in het stuk te brengen.
[Dan is er] de energie van een ensemble, gezien mijn opleiding als muzikant en als acteur. Mijn leraren in de graduate school romantiseerden altijd de grote ensembles: The Group Theatre en het Moskouse Kunsttheater… Ik ben lid van The Actors Studio. En [er is] dit hele gevoel van ensemble, wanneer je een echt sterk gevoel van ensemble en vertrouwen hebt. Ik hou van de LAByrinth Theater Company, ik hou van theatergroepen waar de acteurs steeds weer samen werken. Wanneer je dat niveau van intimiteit hebt, kun je prestaties bereiken die je niet kon bereiken als je elkaar gewoon ontmoette.
Hoewel in veel stukken die ik heb gemaakt en waar ik met anderen aan heb samengewerkt, kwamen we voor een korte tijd samen, maakten we iets en zeiden we weer vaarwel, ik vond het echt geweldig dat gevoel van het versterken van ons ensemble. Als mensen bij elkaar willen zijn, als mensen van elkaar leren, als mensen elkaar kunnen vertrouwen op het podium ongeacht wat er gebeurt, dan heb je gewoon een veel mooiere ervaring. Dat was iets dat we in Passing Strange, in overvloed, hadden. Het kwam ook voort uit het doen van drie versies van [de show]: Berkeley Rep, The Public Theater, [en] Broadway. Ik heb het gevoel dat we dat konden doen met [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||], naar A.C.T. en toen hier naar het Vineyard. Ensemble is iets dat ik echt belangrijk vind in de manier waarop ik met acteurs omga.
Ik wil nooit iemand vertellen wat te doen, maar ik heb ook een heel duidelijk idee van wat iets is en als iets buiten dat bereik valt. Het gaat letterlijk om afstemming, zoals een stemvork. Als iets niet in tune is, dan voelt het geheel gewoon verkeerd aan. Dus ik probeer te leren van Pam en te onthouden wat het is dat ik leuk vind als acteur, wat altijd positieve en uitvoerbare opmerkingen en suggesties zijn. Ik probeer me aan die kant te houden. Het gaat allemaal om relaties en om dit gedeelde doel dat we iets willen maken dat voelt als de hoogste expressie van wat het is dat we samen kunnen doen en wat het stuk van ons vraagt.
Vertel ons meer over je geschiedenis met het Vineyard. Er is je opdracht, maar heb je ervaring als publiek daar? Wat heeft deze ruimte specifiek aan het stuk gebracht en heb je andere gedachten over wat het is om in het Vineyard te werken?
Over dit stuk specifiek, wat ik echt geweldig vond, is de intimiteit van de ruimte. Dat is iets wat we in dezelfde mate niet hadden bij A.C.T. omdat het prachtige Strand Theater daar ongeveer 283 stoelen heeft. Het is een omgebouwde bioscoop. Dus van daar verhuizen met exact dezelfde set naar het Vineyard betekende dat het stuk anders klinkt, het voelt anders aan. We hebben niet de hoogte die we boven de set hadden. De zichtlijnen zijn anders.
We hebben deze twee echt ongelooflijke iteraties van het stuk gehad. Het is alsof het stuk is geboren en opgegroeid in de Bay en vervolgens is gekruid en tot bloei gekomen in New York. Een beetje zoals ikzelf.
Ik heb echt genoten van het werken met het Vineyard en alle programmering die ze doen, met post-showconcerten en affiniteit avonden. Het is echt leuk geweest om elke dag daar te zijn.
En wat ik door de jaren heen leuk heb gevonden aan het Vineyard, is dat ik daar enkele van mijn favoriete stukken heb gezien. Ik heb How I Learned to Drive, Indecent… Ik noem Paula Vogel omdat Paula, samen met Adrienne Kennedy, de belangrijkste verdediger van mijn werk is geweest. Ik denk niet dat ik echt een carrière als toneelschrijver zou hebben gehad als zij Bulrusher niet uit de slush pile had gehaald en zei: "Dit verdient echt erkenning," op de Pulitzer-jury. En dan gewoon de mensen die [het Vineyard] heeft geproduceerd en de energie. Ik denk heel specifiek aan Deirdre O’Connell in Dana H. De tweede keer dat ik Tarell Alvin McCraney’s werk zag, na het zien van The Brothers Size in het Public, was Wig Out! De lijst gaat maar door van wie er is geweest in het Vineyard, dus het betekent zoveel om die rangen te kunnen vervoegen.
En dan heb ik al deze interessante andere relaties gehad met de Vineyard mensen. [Langdurige artistieke directeur van het Vineyard] Doug Aibel heeft me gecast in [projecten] als castingdirector. [Huidige artistieke directeur] Sarah Stern en ik hebben samen een cursus gegeven aan Princeton met Trip Cullman die was ontworpen om dieper in het onvoltooide werk van de late Michael Friedman te duiken, American Pop. Dus er zijn al deze echt interessante tentakels tussen mij en het Vineyard en de kans om daar de residentie te hebben via deze prijs en dan hen dit stuk te laten lezen en direct enthousiast te zijn en mee te doen aan de coproductie, was echt een eer. Ik kan nog steeds niet geloven dat dit gebeurt.
Mensen zijn een beetje geschokt als ik dit zeg, maar ik heb in New York eigenlijk niet veel geproduceerd. Ik had een show die in september in het HERE Arts Center was genaamd The Essentialisn’t. Voor dat, was de laatste volledige productie die ik in New York had in 2009 met Angela’s Mixtape. Het is dus al 16, 17 jaar geleden sinds ik een stuk heb gehad. Dus het feit dat ik deze seizoen niet alleen één maar twee heb, is vrij ongelooflijk. En ik ben zo dankbaar voor het Vineyard. De ervaring van het doen van dit stuk, omdat het mijn hart op een bord is, heeft echt als een droom gevoeld. Natuurlijk wil je dat dromen blijven doorgaan en doorgaan. Maar we hebben nog maar tweeënhalve week te gaan. Ik hou gewoon van deze acteurs. Ik weet dat zij mensen zullen blijven die echt gevolgd gaan worden en op hun werk zullen worden gelet. Ik kan niet wachten om ze te zien blijven bloeien en stijgen in al het werk dat ze zullen doen.
Is er iets dat je recentelijk als publiek hebt ervaren dat je echt inspirerend vond? Theater, film, tv, een lied, iets dat je als kijker inspirerend hebt gevonden?
Dit is altijd zo moeilijk omdat ik zoveel zie en het dan moeilijk is om de meest geweldige dingen te herinneren. Ook maak ik echt een inspanning om niets te zien, lezen, of te luisteren behalve wat ik weet dat goed gaat zijn. Veel mensen zeggen: "Ik ga dit haten" of "Ik ga gewoon wat troep kijken om me te kalmeren". Dat doe ik niet. Ik geef altijd mijn hele hart en ziel aan het luisteren, kijken, en lezen. En dingen blijven echt lange tijd bij me. Ik ben daar gevoelig voor. Als ik een film zie, weet ik dat het in mijn psyche gaat zitten en echt de manier waarop ik de wereld zie voor de komende twee dagen gaat beïnvloeden. Dus moet ik echt voorzichtig zijn.
Over films gesproken, ik zag Is God Is, [met] Aleshea Harris [die haar] ongelooflijk zelfverzekerde feature-debuut maakt, terwijl ze haar stuk aanpast. Ik heb nooit Is God Is kunnen zien omdat ik op dat moment het stuk Kings deed in het Public. Het zien van Mallori Johnson—met wie ik samenwerkte aan Kindred, Branden Jacobs-Jenkins’ aanpassing van Octavia Butler's roman—met Kara [Young] als tweeling en de hele cast was zeer spannend voor mij als iemand die hoopt een film te maken. Er is een scenario dat ik heb geschreven dat ik kijk ernaar uit om daadwerkelijk te filmen. En ik ben altijd zo enthousiast om iemand te zien die zo gedurfd en zo'n visionair is als Aleshea, gewoon het ding te doen.
Wat betreft wat ik heb gelezen, recentelijk ben ik teruggegaan naar het lezen van de gedichten van Wanda Coleman die deze echt wilde en ongelooflijke dichter was die in L.A. woonde. Ik ben onderdeel van deze organisatie genoemd Cave Canem, dat een thuis is voor zwarte dichters. Cornelius Eady, wiens stuk met muziek Running Man jaren geleden in het Vineyard was met Joe Morton, is een van de medeoprichters van Cave Canem.
Alle artiesten met wie ik de laatste tijd heb samengewerkt, hebben me echt geïnspireerd. Aneesa Folds! En deze hele cast van [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. Ook onlangs de tijd met Ayo Edebiri doorbrengen, die dit seizoen van The Bear afsluit en nu in Proof op Broadway is. Het zien van hoe dat stuk kan transformeren, onder leiding van Tommy Kail’s, en deze cast van Don Cheadle en Jin Ha en Ayo en Kara. Het zien van de originele… dat is een van mijn favoriete eindes van Act One ooit. Het zien van de nieuwe iteratie met deze familie, het heeft andere connotaties. Natuurlijk, David Auburn heeft een paar veranderingen in het script gemaakt om rekening te houden met de andere ervaring die een zwarte familie onder deze omstandigheden zou hebben.
Ik ben echt enthousiast voor mijn vriend Lin-Manuel Miranda [die] een filmversie van Dave Malloy’s Octet. Ik heb wat kleine video's en foto's gezien die hij van de set stuurt. Ik kan niet wachten om dat te zien.
Vandaag luisterde ik naar Bobbi Humphrey, die deze echt geweldige jazzfluitiste is. Als je naar hiphop luistert of als je naar A Tribe Called Quest luistert of [andere] hiphop die naar jazz kijkt voor samples, zou je dat geluid herkennen. Het is heel erg een geluid dat ik ben opgegroeid in de Bay Area met mijn moeder. [Er waren] deze vroege ochtenden en avonden van het luisteren naar echt geweldige jazz en funk. Bobbi Humphrey, ik wil haar vandaag opnoemen.
Is er een vorig stuk van jou waarvan je het meest gepassioneerd bent om het naar een breder publiek te brengen? Een stuk waar je denkt: dat is wat ik graag een grote New Yorkse revival zou willen zien?
Ik zou zeggen Bulrusher. Het werd 20 jaar geleden voor het eerst gedaan bij Urban Stages en slechts een paar mensen zagen het. Sindsdien is het gezien in regionale theaters. Toen hebben we tijdens de pandemie een Zoom-lezing gedaan. Ik zou dat stuk echt graag op de planken hier in New York zien. Ik denk dat dat erg spannend zou zijn.
Ik zag Paula Vogel toen ze vorige week ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| kwam bekijken en ze was nog steeds met me bezig. Ze zei: "Wanneer ga ik Bulrusher in New York zien? We moeten het in New York zien!" Ze is geobsedeerd door het stuk. Ik zou zeggen dat dat een stuk is dat ik echt graag zou willen zien herleven.
Aangezien ik deze geweldige residentie bij Signature voor me heb, waar ik nog steeds niet overheen ben, hadden we gisteren een lezing van Angela’s Mixtape, waarvan ik eerder noemde dat we deze in 2009 deden via New Georges en het Hip-Hop Theater Festival. En we gaan dat [bij Signature] volgend voorjaar doen. Ik denk dat ik erin zal spelen, wat echt leuk zal zijn. Dus dat wordt weer een revival. Ik denk dat ik de waarde van dat stuk soms kan onderschatten, omdat het een verhaal is over mij en mijn familie en ik voel gewoon: oh, ik moet niet over mezelf praten. Ik zou me moeten concentreren op de verhalen van andere personages. Maar ik denk vooral na het doen van deze lezing gisteren en te horen hoe [het stuk] nu klinkt, dat er veel waarde in zit die kan leiden tot een gevoel van optimisme [en] empowerment dat ik denk dat ik nodig heb, dat we nu nodig hebben te midden van alles wat er met ons gebeurt in deze demonische periode van vernietiging die gaande is.
Toen mijn tante Angela [Davis] haar autobiografie schreef, toen ze werd bewerkt door Toni Morrison bij Random House, wilde ze niet over zichzelf schrijven. Ze voelde zich te jong. Ze voelde dat er niets in het bijzonder was dat haar verhaal onderscheidde van elk ander politiek gevangen of zwarte vrouw die in de Verenigde Staten woont. Ze heeft altijd echt geïdentificeerd met het collectief en spreekt altijd over hoe het collectief zelf is wat haar bevrijdde. Het is een beetje auspices dat we vandaag op 4 juni praten, want dat is de dag waarop ze in 1972 van alle aanklachten werd vrijgesproken. Maar ze was echt aarzelend om een autobiografie te schrijven omdat ze niet wilde dat de aandacht op haar op een onrechtvaardige of exploitatieve of onevenredige manier werd gericht. Toch ging ze de uitdaging aan en schreef het. Ze begreep dat er misschien iets van nut in zat, iets nuttigs in het vertellen van haar verhaal voor anderen.
En ik denk dat is iets dat ik echt ontdek met Angela's Mixtape. Het spoot gewoon uit me, als een vulkaanuitbarsting. Ik was opnieuw erg aarzelend om het te delen, en toch moest het gedeeld worden. Ik begrijp door de reacties die we gisteren van de acteurs en iedereen die naar [het stuk] keek, dat er iets zeer krachtig is in het leren over radicale strijd, de toewijding aan sociale rechtvaardigheid, [en] het belang dat culturele werken hebben om deze doelen te bereiken. Het is belangrijk te begrijpen dat die doelen misschien niet in je leven zullen worden bereikt, maar dat je je deel moet doen om de bal verder te laten rollen. Er zijn zoveel voorouders, zoveel spirituele beschermers, zoveel mensen die in hun bloei zijn afgesneden, die voor ons welzijn, welzijn, voordeel, vrijheid, en bevrijding werken. Dat is de geest waarin ik dat stuk bied. Ik wil dat al mijn werk nuttig is.
Als je het over generaties hebt, zijn er al deze verschillende manieren waarop onze neurologie is veranderd met de komst van ons gebruik van elektronica en sociale media. En ik weet dat er iets heel diep en heel menselijk is waar we allemaal echt van kunnen profiteren om verbinding mee te maken, ongeacht leeftijd en neurologie. Ik zit tegenover de straat van Brooklyn Tech en ik weet dat het verbieden van telefoons in [de New Yorkse publieke] scholen een ongelooflijk effect heeft gehad op alle studenten die zoiets hebben van: laten we bordspellen spelen of met elkaar praten tijdens de lunch. En hoe zit het daarmee? [Het is] simpel, simpel, simpel. Ik denk dat dat ook de reden is waarom ik zo van theater hou. Het is een soort samenkomst waar we echt tijd kunnen maken weg van de constante aanval en gewoon kunnen uitvogelen hoe we in de wereld leven en hoe we samen willen leven.
Ik kan niet wachten om Angela’s Mixtape te zien. Dat maakt me zo enthousiast om het te zien. Ook alles wat je zei, verwoordt precies waarom ik mijn boek schreef, Women Writing Musicals—om die artistieke voorouders een stem te geven. Dank je voor die mooie [gedachte].
Natuurlijk ben je momenteel ook bezig met de podiumadaptatie van Warriors. Kun je vertellen waar je het meest enthousiast over bent, om dat naar het podium te brengen?
Het feit dat het Warriors is [en] het feit dat ik met Lin-Manuel werk… die dingen, op zich, zijn opwindend en wekken passie op. Het ding dat ik het meest gepassioneerd vind aan dit project is het ontdekkingsproces met Lin, uitvinden hoe we deze film aanpassen, die een aanpassing was van een roman, die een aanpassing was van een Griekse narratief. Hoe [doen] we deze film omzetten in een conceptalbum? En nu, hoe [doen] we een conceptalbum om in een stuk dat visueel is, in de tijd beweegt en belichaamd is?
Het proces zelf is een beetje zoals een gekke wetenschapper in het laboratorium en je probeert verschillende experimenten uit te voeren en problemen op te lossen. Soms probeer je scheuren in het beton te creëren, zodat er een roos kan bloeien. Soms weet je zelfs niet welke aannames je op je eigen werk plaatst totdat je een gesprek hebt met je regisseur of met een vertrouwde vriend of [samenwerkingspartner]. Dan ben je als: oh, daar had ik nog niet naar gekeken vanuit dat perspectief, laten we kijken of er een manier is om dat echt te eren. Soms zijn mensen heel prescriptief en zeggen: je moet dit doen. Hoewel opmerkingen in die vorm niet altijd helpen, wijzen ze meestal op iets dat lichtjes uit tune is. Je kunt een opmerking krijgen die je niet op het eerste gezicht gaat aannemen, maar [het gaat om] de onderliggende opmerking. [Het] kan in je onbewuste doordringen en dan begin je te ontdekken dat het de structurele breuk aanpakt die dingen instabiel maakte. Het proces!
Ik ben echt enthousiast over deze acteurs. Het is een zeer intense achtbaanrit. We willen ervoor zorgen dat we elke mogelijke emotie [bij het publiek] laten opkomen, terwijl we dit ook een krachtig aangrijpend, noodzakelijk narratief maken. Je hebt dit ervaren als een historicus van de musicaltheater en liefhebber van musicaltheater: de muziek kan geweldig zijn, maar als we niet allemaal samen binnen de omhelzing van een echt krachtig narratief zitten, dan voelen we niet de vervulling en voldoening die we willen hebben. Het is anders als je naar een concert gaat en je hoort al deze geweldige muziek en je staat op, gaat naar het toilet, gaat naar de bar, praat met je vrienden. Dat is een compleet andere omgeving dan zitten in een stoel die je meestal niet veel beenruimte geeft. Je zit een beetje ongemakkelijk, je bent in deze donkere ruimte. Vaak komen mensen gewoon om daar in slaap te vallen, dus wat gaat een persoon die misschien een beetje ongemakkelijk, misschien slaperig en beperkt is, stimuleren om op het puntje van zijn stoel te zitten en niet alleen naar de muziek maar ook naar het verhaal dat de muziek vasthoudt te genieten?
Lin weet dat uiteraard goed te doen. Hij heeft bewezen dat hij dat echt heel goed kan. En ik hou ervan dat hij me uitnodigde voor de rit en wilde weten wat ik zag in het potentieel [van Warriors] en wat ik kon bieden dat hij niet zag. We lachen altijd over dit stuk dat de baby eruitziet als ons twee. Aanvankelijk nodigde hij me uit om de boekenschrijver te zijn, en hij zou de muziek en de teksten doen. Toen, naarmate onze samenwerking vorderde, zou ik hem stemmemo's sturen en zeggen: "Hier is een baslijn", "Hier is een akkoordprogressie", "Hier is een synthlijn", "Hier is een hook"... Dus realiseerden we ons dat we allebei alle taken moesten doen. Het is voornamelijk gezongen. We realiseerden ons dat we niet moesten proberen te hakken wat onze specifieke taken waren, dat het niet zou worden compartmentaliseerd. We zouden allemaal invloed hebben op alles [en] alles samen creëren. Soms is het goed om twee mensen te hebben omdat ik iets kan schrijven en hij kan iets schrijven... en het is het beste als we naar elkaar toe rennen, zoals "Luister! Luister naar dit!"
We hebben allebei vetorecht over wat de ander doet. We zijn echt samen gekomen als deze enkele geest die het project benadert. Nu, samen met [directeur] Jenny Koons, die deze ongelooflijk bekwame vakvrouw is en onze hele creatieve team samenstelt, is dit een echt wilde tijd waarin dingen beginnen driedimensionaal te worden en we altijd proberen het in overeenstemming te houden met onze visie. Soms zal het niet exact zijn wat we ons hadden voorgesteld, maar het moet voelen alsof het werkt vanuit het allereerste begin van het stuk en het kan niet gewoon iets zijn dat lijkt op wat cool zou zijn om te doen. Het beslag moet volledig zijn gemengd [tot] één samenstelling die geen klonters heeft.
Dat is waar we nu zijn: [uitzoeken] wat er gaat gebeuren als mensen dansen en vechten en zingen. Hoe doen we eigenlijk al die dingen die we ons in het album niet hoefden te zorgen maken? We zijn op de metro, we worden achtervolgd door een bus, we rennen van de Bronx naar Coney Island. Hoe beelden we al deze dingen uit—of beelden we ze juist niet uit en roepen we ze [in plaats daarvan] op? Dat zijn de soorten vragen waarmee we ons bezighouden.
Hetgene waar ik gepassioneerd en enthousiast over ben is het maken van het ding—en weer terug te komen in dat, gebruikmakend van de euforie waar ik in ben geweest, [van] in deze wereld van ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
Is er nog iets anders dat je wilt delen over ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| voor iedereen die overweegt naar het Vineyard te komen voor 21 juni om het te zien?
Een paar dingen. Naomi Latta, die Margot speelt, wist niet hoe ze drums moest spelen toen ze de rol aannam. We [vroegen], "Denk je dat je het kunt leren?" Ze zei ja [en] ze deed het. Dat laat mijn verstand exploderen. Dat laat zien welk niveau van talent, toewijding, en liefde deze acteurs voor dit stuk hebben.
Een ander wild feitje is dat toen ik als kind in dit programma zat, ik veel muziek componeerde, en er is een klein fragment van een van de stukken die ik componeerde in het stuk. Het is niet iets dat iemand ooit zou opmerken; het is iets dat een paasei is dat alleen wij in de cast en Pam weten. Het is tijdens een oefenruimte scène. Gianna DiGregorio Rivera, die Clementine speelt, speelt op de fluit dit kleine zinnetje dat ik schreef toen ik 13 of 14 was. Dat was leuk om daar in te kunnen gooien.
Een ander ding dat ik voel dat belangrijk is om te delen is dat de muziek zelf niet iets is dat meestal op een theaterpodium te zien is—en zeker niet op een Broadway-podium. Het is het soort muziek dat je misschien in een muziekschool of misschien in een jazzclub zou horen. We roepen Esperanza Spalding [en] Craig Taborn. Dus er is een andere esthetiek in de muziek dan ik denk dat mensen gewend zijn om in theater te zien. Ik denk dat het heel welkom is en mensen reageren daarop. [Ze] zijn geïnteresseerd in die muziek en dat geluid en ik ben daar echt enthousiast over geweest.
Kom het stuk zien en voel de inspiratie die erin is verweven. Er is een echt gevoel van reflectie dat automatisch gebeurt als je het stuk ziet. En [met] een cast zoals deze, is het een moment in de tijd dat ik voel dat echt kostbaar is [gegeven] waar zij zijn in hun carrières. Ik zat te praten met Hillary en Naomi gisteravond en ze zeiden dat dit zo uitdagend voor hen is geweest. Iets dat ik vaak tegen hen zeg is: "Verstop je niet." [Hillary zei] dat niet verstoppen in een repetitieruimte zodra je mensen begint te kennen iets is, maar dan niet verstoppen zodra de lichten op je zijn is iets anders. Ze hebben die uitdaging echt aangenomen. We hebben veel gesproken over letterlijk je huid verwijderen voor deze personages. Dit verhaal is zo rauw, zo kwetsbaar. Ze doen dat, en het is echt ongebruikelijk.
We zijn in New York en we gaan door veel als een natie en een wereld. Als je een queer tiener van kleur bent, heb je veel dingen die uitdagend voor je zijn. En voor hen om te zeggen, ik ga mijn hart daadwerkelijk openen en alles geven wat ik ben, ongefilterd, zonder die beschermende pantser, is een echt cadeau dat publiek niet altijd ontvangt. En ik begrijp waarom mensen hun pantser aanhouden. Dat begrijp ik echt. Ik denk dat wat we hebben kunnen doen is gewoon genoeg een moedige ruimte voor elkaar creëren waar we die openhartigheid kunnen bieden. Ik zou het geweldig vinden als mensen dat zouden kunnen ervaren terwijl we draaien.
Foto credit: Carol Rosegg
