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Hai una domanda bruciante su Broadway? Vuoi sapere di più su un fatto poco noto di Broadway? La storica di Broadway e autoproclamata nerd del teatro Jennifer Ashley Tepper è qui per aiutarti con Broadway Deep Dive. BroadwayWorld sta accettando domande da parte di fan del teatro come te. Se sei fortunato, la tua domanda potrebbe essere selezionata come argomento della sua prossima colonna!
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La scrittrice e attrice nominata al Premio Pulitzer Eisa Davis discute del suo nuovo spettacolo al Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, oltre ad altri progetti imminenti, tra cui un revival di Angela’s Mixtape e il nuovo musical Warriors.
Quando hai iniziato a scrivere il pezzo ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, e qual era la tua ispirazione iniziale per esso?
Il motivo per cui questo pezzo è nato è a causa di Pam MacKinnon.
Nel 2018, Pam MacKinnon è diventata la direttrice artistica dell'A.C.T. [American Conservatory Theater di San Francisco]. Una delle sue prime azioni come direttrice artistica è stata quella di commissionare a persone che desiderava che raccontassero storie sulla Bay Area, da dove provengo. Ha pensato: Arrivo in uno spazio nuovo dove posso evidenziare veramente le storie delle persone che saranno la mia nuova comunità.
Noi ci conoscevamo già. Avevo partecipato a un workshop con lei e, naturalmente, ammiravo Pam MacKinnon, questa persona che è un'interprete straordinaria di Edward Albee e Craig Lucas e Lydia Diamond e Itamar Moses e tutte queste persone con cui ha lavorato. Ero senza parole che volesse che scrivessi un pezzo.
Lei è venuta a vedere uno spettacolo in cui stavo recitando all'The Public Theater, diretto da Tommy Kail—una pièce di Sarah Burgess chiamata Kings. E mi ha detto, “Come ti senti riguardo alla scrittura di un pezzo [come] commissione per A.C.T.?" Inizialmente ero un po' esitante. Ero un po' esausta dalla scrittura in sala di scrittura per la TV e dalle scadenze. Ma poi ho pensato: voglio davvero scrivere sulla Bay e voglio scrivere sul programma musicale a cui ho partecipato da bambino, dai 10 ai 17 anni. Voglio trovare un modo per onorare i miei insegnanti e i bellissimi giorni che ho trascorso a studiare musica: piano classico, canto, jazz, gospel, pop e musica sperimentale. Tutto ciò stava accadendo in queste incredibili settimane d'estate e anche durante le lezioni settimanali durante l'anno. Quindi è stato [merito] dell'insistenza di Pam. E poi ho detto, “Mi piace sempre scrivere su una questione che mi perseguita o una passione, un amore profondo che ho, o entrambi.”
Ho iniziato a scrivere effettivamente il pezzo [durante] un breve periodo di residenza nella Bay Area, nel 2019. Ho scritto la prima bozza all'inizio del 2020, poco prima che colpisse il COVID. Da lì, il processo è stato un workshop su Zoom della durata di una settimana nel novembre 2020 con un cast di adulti e uno di adolescenti. Volevo che gli adolescenti fossero in grado di dirmi se si identificavano veramente con gli scritti che stavo creando per ragazzi della loro età e poi gli attori adulti avrebbero potuto fornire l'esperienza e il supporto drammaturgico di cui hai bisogno quando stai testando un pezzo in acque sconosciute. Abbiamo trovato un modo davvero interessante di improvvisare insieme. Erano i primi giorni di Zoom, prima che fosse possibile per gli artisti realmente fare suoni contemporaneamente. Ma abbiamo trovato un [modo]. E ho detto: continuiamo sempre a mantenere questo elemento di chance e improvvisazione in questi workshop. E così abbiamo fatto.
Non ero sicura se Pam fosse davvero interessata al pezzo dopo ciò. Non sapevo se avrebbero avuto fondi per continuare. Ma poi sono stati reattivi all'A.C.T. e abbiamo fatto un'altra lettura. Ho fatto una residenza di scrittura all'A.C.T. nel 2023 e lì la forma del pezzo ha iniziato a prendere forma. Volevo originariamente vedere se potevo randomizzare tutte le scene. Pensavo che forse avrei potuto trovare un modo per far funzionare le scene in qualsiasi ordine. Sarebbero state determinate dal pubblico nello stesso modo in cui il pubblico sceglie attualmente la tonalità. Forse ogni scena potrebbe essere associata a una nota e poi il pubblico determinerebbe l'ordine di queste note e poi avremmo avuto un pezzo che [poteva] andare in ogni direzione possibile. Abbiamo provato adesso nei workshop [e] non ha funzionato affatto. Ho fallito miseramente, ma questo è ciò per cui servono gli esperimenti. Scopri cosa [funziona]. Ho realizzato che la storia che volevo raccontare era cumulativa, che era una narrazione che richiedeva conseguenze. C'è stata una risposta così forte [alla] lettura. La forma emotiva del pezzo ha realmente iniziato a prendere piede nel 2023.
Nel 2024, l'A.C.T. ha detto sì, vogliamo farlo. E poi [al] Vineyard, dove avevo una commissione e avevo ricevuto un premio attraverso Paula Vogel e Daryl Roth, ho [chiesto]: “Pensate che questo pezzo possa funzionare come mia commissione qui? Anche?” L'hanno letto al Vineyard e l'hanno amato, così abbiamo potuto fare questa coproduzione tra A.C.T. [nella Bay Area] e il Vineyard a New York. Non posso descrivere quanto sia stata bella questa esperienza. Spesso si ha questo con un musical dove si fa una prova fuori città. Ed è ciò che abbiamo potuto fare, abbiamo trascorso tutto il tempo necessario per sviluppare davvero la musica e le relazioni tra i personaggi. Abbiamo avuto tempo affinché gli attori iniziassero davvero a sentirsi a casa in questi spettacoli.
E una volta che ho potuto vedere il recito a San Francisco, ho smontato di nuovo il pezzo. Una volta [che avevo] quell'idea di 'possono le scene andare in qualsiasi ordine?', anche se non era qualcosa che abbiamo fatto formalmente, era qualcosa che sicuramente ho fatto nella revisione. E una volta arrivati a New York, ho riscritto gran parte del pezzo, ho combinato scene, ho tagliato scene, [e] ho scritto nuove scene. Anche in prova, abbiamo cambiato l'ordine in cui dovevano andare le scene. Ciò che stai vedendo sul palco al Vineyard ora è davvero, davvero diverso rispetto a ciò che è andato in scena a San Francisco a marzo e aprile e, naturalmente, rispetto a ciò che avevamo in tutti questi workshop.
Durante il percorso, si è davvero trasformato e mi piace che Pam e Joy Meads, la nostra drammaturga, si siano fidate così tanto di me nell'ascoltare il pezzo e lasciarlo dirmi quale forma vuole prendere, cosa vuole dire, cosa i personaggi hanno da offrirci in termini di storia che rappresenta ciò che noi nel pubblico sentiamo anche. Ci sono momenti veramente appassionati che hanno come giovani che penso molti di noi riescano davvero a identificare, specialmente le persone che si trovano a New York, che hanno un forte background artistico. E se non sono [ancora] dentro, hanno comunque un profondo amore per esso, e potrebbe essere anche per questo che vivono a New York.
Adoro come ciò che hai condiviso faccia luce su come mi sono sentito guardando il pezzo—sentivo la nostalgia che i personaggi avrebbero avuto [per questo tempo] prima che la provassero. Diresti che il pezzo è autobiografico o semi-autobiografico?
Né l'uno né l'altro. E non è un pezzo di memoria—è in realtà un pezzo che guarda al futuro. Ne abbiamo parlato perché è molto diverso guardare indietro alla propria vita rispetto a guardare avanti. Ovviamente alla fine del pezzo può sembrare: era un pezzo di memoria? Ma adoro realmente l'energia [dove è] qualcosa che si sposta in avanti nel tempo. E [il pezzo] non è affatto autobiografico. I personaggi sono inventati, la trama è inventata, e anche l'ambientazione… sono stata ispirata dalla scuola di musica a cui sono andata, ma era molto tempo fa e [la mia] scuola era di tutti i generi.
Il modo in cui lo esprime sempre Pam è: non è autobiografico, è solo molto personale. E il modo in cui lo esprimo io è che i sentimenti del pezzo provengono dagli angoli più reconditi della mia anima. Questo è inconfondibile. Quella sono io. È il mio cuore su un piatto. Non è successo nulla a me nel pezzo—eccetto per aver rubato alcune bottiglie da due litri quando ero bambino con alcuni amici e per essermi cacciata in qualche guaio. E l'amore per la musica, chiaramente. Ma non è autobiografico [anche se] è sicuramente molto [profondamente] sentito e un mondo che conosco bene.
Sono molto curiosa di sapere come riesci a trovare un equilibrio [tra] quei sentimenti di tornare dentro te stessa e cosa significasse essere giovani quando stavi passando attraverso un programma simile e poi il presente di tutto. Sento che chiunque non appartenga alla generazione attuale parla sempre di quanto sia diverso essere giovani [ora] a causa della tecnologia. Hai parlato un po' di lavorare con persone di una generazione diversa nel workshop su Zoom. Puoi parlarne di più su come lavori a un pezzo che ha giovani di oggi?
Non l'ho percepito come una sfida perché mi fido molto dell'ascolto che faccio come artista. Indipendentemente da chi scrivo, ascolto molto attentamente le storie che vogliono raccontare, quali sono i loro interessi, come si sentono a volte non ascoltati.
C'è un pezzo che ho scritto che David Mendizábal ha diretto nel 2022 chiamato Mushroom. Era sui raccoglitori di funghi non documentati in Pennsylvania. Quel pezzo è bilingue sia in inglese che in spagnolo e ci sono anche alcune altre lingue. Ovviamente non sono un raccoglitore di funghi non documentato eppure ho usato la stessa identica tecnica di ascolto, solo ascolto. Quali sono le storie che devono essere raccontate di cui non sappiamo niente?
O il mio pezzo, Bulrusher. In alcuni modi, è un ascolto di tipo immaginario. Stavo ascoltando le voci dei miei anziani a Birmingham, Alabama, da dove provengono alcuni dei personaggi. Stavo ascoltando il suono del dialetto che avevo sentito solo in un paio di storie orali e letto in un libro. Sentivo che c'era un certo ritmo che capivo e a cui potevo attingere. Quindi, in alcuni modi, proprio come lavoro come attrice e mi inserisco in diversi ruoli, faccio lo stesso come drammaturga, cercando di trovare quale connessione genuina e voce posso dare. Così, di nuovo, [qui] cercavo conversazioni con giovani in questo processo.
È stato davvero meraviglioso avere giovani come membri del pubblico. Abbiamo avuto una matinée per studenti ieri e c'è un vero senso di riconoscimento. La gente sente: oh mio Dio, questa è la mia storia, questo è qualcosa che sento. Le persone [venivano] da noi dopo lo spettacolo e i giovani erano in lacrime e dicevano, “Mi sento allo stesso modo.”
Ci sono stati momenti, anche, in cui ho ascoltato e non ho ascoltato abbastanza. E poi sono stata, gentilmente o fermamente o con rabbia, richiamata dalle persone che sto cercando di rappresentare. Quando ciò accade, faccio tutto il possibile per assicurarmi che si sentano che la loro rappresentazione è giusta e accurata.
Puoi parlarci di più su come senti che il tuo lavoro come attrice influisce sul tuo lavoro come drammaturga e, in particolare, se si interseca con come parli con gli attori in un pezzo che stai scrivendo?
Molto della mia scrittura è sempre provenuta da un luogo di: quali sono i ruoli che vorrei interpretare come attrice? Ovviamente non posso interpretare questi personaggi in ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| ma se fossi in quella fascia d'età, mi piacerebbe interpretare questi personaggi. C'è un po' di desiderio di assicurarmi che gli attori abbiano qualcosa che si senta davvero succoso e ricco, e che non si sentano in alcun modo messi da parte dalla storia. Penso sia drammaturgicamente corretto non far sentire a nessuno che ha un ruolo minore rispetto a un altro. Anche qualcuno in questo pezzo come Clementine, che è il personaggio di cui sentiamo di meno, ha un certo pizzazz e una certa sensazione di essere al di sopra di tutto questo. Non ha bisogno del dramma che sta accadendo in questo triangolo tra gli altri tre adolescenti. Lei semplicemente pratica [musica] e fa ciò che le piace ed è ciò che la rende felice. Ci sono state molte persone che sono venute a dirmi dopo, o sono venuti da Gia, che interpreta Clementine, e hanno detto: “È il personaggio con cui sono ossessionato” e “sto cercando di attivare il mio io interiore di Clementine e non farmi distrarre e semplicemente fare ciò che faccio”. Quindi penso che ci sia un po' di desiderio di assicurarmi che ci siano ruoli che sento di essere davvero interessata.
In altri pezzi che ho scritto, c'è qualche ruolo che è un 'io' in esso. Ho scritto parti in cui mi piacerebbe recitare personalmente. E a volte accade e a volte no. Voglio che il pezzo sia una propria iniziativa indipendente che non dipende dalla mia presenza o meno. Sto sempre cercando di pensare con il maggior livello di compassione [e] inclusività quando considero come funzionano i personaggi come drammaturga e come gli attori giocheranno questi ruoli—ciò di cui hanno bisogno nella storia e poi a lungo termine mentre lo fanno nel corso di un'esecuzione.
Come influisce sul modo in cui sono con gli attori è che adoro così tanto gli attori. Penso ci sia un vero elemento di sacrificio in ciò che tutti gli artisti creativi interpretativi fanno insieme a portare il meglio di [loro stessi] che è presente. Quindi un'altra cosa che ho fatto, specialmente in pezzi di performance che sono più elaborati è che chiedo ai performer: c'è qualcosa che hai sempre voluto fare sul palco che non hai mai avuto l'opportunità di fare? È un buon diagnostico, anche se non facciamo realmente quella cosa, perché poi posso sentire ciò di cui stanno desiderando e se c’è un modo per portarlo nel pezzo.
[Poi c'è] l'energia di un ensemble, data la mia formazione come musicista e come attrice. I miei insegnanti durante il corso di laurea magistrale romanticizzavano sempre i grandi ensembles: The Group Theatre e il Moscow Art Theatre… Sono un membro di The Actors Studio. E [c'è] tutto questo senso di ensemble, quando hai un vero forte senso di ensemble e un senso di fiducia. Adoro la LAByrinth Theater Company, adoro le compagnie teatrali dove gli attori lavorano insieme più e più volte. Quando hai un livello di intimità, puoi raggiungere traguardi che non potresti se ti incontrassi solo una volta.
Anche se in molti dei pezzi che ho realizzato e collaborato con altri, ci siamo uniti per un periodo breve, poi abbiamo creato qualcosa, poi ci siamo detti addio, mi è piaciuto davvero quel senso di rafforzare il nostro ensemble. Se le persone vogliono stare insieme, se stanno imparando l'une dalle altre, se le persone riescono a fidarsi l'uno dell'altro sul palco indipendentemente da cosa accade, allora avrai un'esperienza molto più bella. È stata una di quelle cose che abbiamo avuto in Passing Strange, in abbondanza. Viene anche dal fare tre versioni [dello spettacolo]: Berkeley Rep, The Public Theater, [e] Broadway. Sento che abbiamo avuto la possibilità di farlo con [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||], andando all'A.C.T. e poi venendo qui al Vineyard. L'ensemble è qualcosa che penso sia davvero importante nel modo in cui mi relaziono con gli attori.
Non voglio mai dire a nessuno cosa fare, ma ho anche un'idea molto chiara di cosa sia qualcosa e se qualcosa sia al di fuori di quel range. È letteralmente una questione di intonazione, come un diapason. Se qualcosa è stonato, allora tutto il pezzo sembra storto. Quindi cerco di apprendere da Pam e di ricordare cosa amo come attrice, cioè avere sempre note e suggerimenti molto positivi e praticabili. Cerco di pendere da quel lato. È tutta una questione di relazioni e avere questo obiettivo condiviso di voler creare qualcosa che sembri la massima espressione di ciò che possiamo fare insieme e ciò che il pezzo chiede da noi.
Raccontaci di più sulla tua storia con il Vineyard. C'è la tua commissione, ma hai avuto esperienze lì come membro del pubblico? Cosa pensi che lo spazio abbia portato specificamente al pezzo e hai altri pensieri su com'è lavorare al Vineyard?
Su questo pezzo in particolare, ciò che mi è davvero piaciuto è l'intimità dello spazio. È qualcosa che non abbiamo avuto allo stesso modo all'A.C.T. perché il bellissimo Strand Theater lì ha circa 283 posti. È un ex cinema. Quindi, passare da lì con lo stesso set esatto al Vineyard ha significato che il pezzo suona diverso, si sente diverso. Non abbiamo l'altezza che avevamo sopra il set. Le linee visive sono diverse.
Abbiamo avuto queste due iterazioni davvero incredibili del pezzo. È come se il pezzo fosse nato e cresciuto nella Bay e poi si fosse affermato e fosse giunto a maturazione a New York. Un po' come me.
Mi è davvero piaciuto lavorare con il Vineyard e tutti i programmi che stanno facendo, con concerti post-spettacolo e notti di affinità. È stato davvero divertente essere lì ogni giorno.
E quello che ho amato del Vineyard nel corso degli anni è che ho visto alcuni dei miei pezzi preferiti lì. Ho visto How I Learned to Drive, Indecent… menziono Paula Vogel perché Paula, insieme a Adrienne Kennedy, è la più cruciale sostenitrice del mio lavoro che ho avuto. Non penso che avrei nemmeno una carriera come drammaturga se non fosse stata lei a estrarre Bulrusher dal mucchio di slush e a dire, “Questo merita davvero riconoscimento,” nella giuria del Pulitzer. E poi tutte le persone che [il Vineyard] ha prodotto e l'energia. Sto pensando molto specificamente a Deirdre O’Connell in Dana H. La seconda volta che ho visto Tarell Alvin McCraney dopo aver visto The Brothers Size al Public, è stata Wig Out! L'elenco va avanti e indietro di chi è stato al Vineyard, quindi significa molto unirmi a quelle fila.
E poi ho avuto tutte queste interessanti relazioni con i ragazzi del Vineyard. [Il direttore artistico di lunga data del Vineyard] Doug Aibel mi ha girato [progetti] come casting director. [L'attuale direttore artistico] Sarah Stern e io abbiamo effettivamente insegnato insieme un corso a Princeton con Trip Cullman che era progettato per addentrarsi nel lavoro incompiuto di Michael Friedman, American Pop. Quindi ci sono tutte queste interessanti interazioni tra me e il Vineyard e il poter avere la residenza lì attraverso questo premio e poi che hanno letto questo pezzo e siano stati immediatamente colpiti e siano saliti a bordo [per] co-produrre, è stato davvero un onore. Non riesco a credere che ciò stia accadendo.
La gente è un po' scioccata quando dico questo ma non ho davvero avuto molto prodotto a New York. Avevo uno spettacolo che è andato al HERE Arts Center a settembre chiamato The Essentialisn’t. Prima di ciò, l'ultimo spettacolo completo che ho avuto a New York è stato nel 2009 con Angela’s Mixtape. Quindi sono passati 16, 17 anni da quando ho avuto un pezzo in scena. Così il fatto di essere riuscita a tenerne uno, ma ben due questa stagione è davvero incredibile. E sono così grata al Vineyard. L'esperienza di fare questo pezzo, perché è il mio cuore su un piatto, mi è sembrata davvero un sogno. Certo vuoi che i sogni continuino e continuino. Ma ci restano solo due settimane e mezzo. Adoro questi attori. So che saranno persone a cui la gente continuerà a guardare e seguirà. Non vedo l'ora di vedere come continueranno a fiorire e salire nel lavoro che faranno.
C'è qualcosa che hai vissuto recentemente come membro del pubblico che hai trovato davvero ispiratore? Teatro, film, TV, una canzone, qualsiasi cosa che hai trovato ispiratore come spettatore?
Questo è sempre così difficile perché vedo così tanto e poi è difficile per me ricordare le cose più incredibili. Inoltre faccio davvero uno sforzo per non vedere, leggere, ascoltare nulla che non so essere buono. Molti dicono: “Vedrò questa cosa di cui so che mi piacerà” o “Guardo solo un po' di spazzatura per calmarci”. Non faccio così. Darò sempre tutto il mio cuore e la mia anima all'ascolto, alla visione, alla lettura. E le cose rimangono davvero con me per molto tempo. Sono sensibile in questo modo. Se vedo un film, so che sarà nella mia psiche e influenzerà davvero il modo in cui vedo il mondo per i prossimi due giorni. Quindi devo essere davvero cauta.
Parlando di film, ho visto Is God Is, [con] Aleshea Harris [che fa] un'incredibile e sicura apparizione nel suo primo lungometraggio, adattando il suo pezzo. Non ho mai visto Is God Is perché stavo facendo il pezzo Kings al Public nello stesso momento in cui andava in scena al Soho Rep. Vedere Mallori Johnson—con cui ho lavorato su Kindred, Branden Jacobs-Jenkins e l'adattamento del romanzo di Octavia Butler—con Kara [Young] come gemelle e l'intero cast è stato molto emozionante per me come qualcuno che spera di portare film. C'è una sceneggiatura che ho scritto che non vedo l'ora di girare. E sono sempre così felice di vedere qualcuno che sia audace e visionario come Aleshea, realizzare ciò che si è prefigurato.
In termini di cosa ho letto, di recente sono tornata a leggere le poesie di Wanda Coleman, che era questa poetessa davvero selvaggia e incredibile di base a L.A. Sono stata parte di questa organizzazione chiamata Cave Canem, che è una casa per poeti neri. Cornelius Eady, il cui pezzo con musica Running Man è stato al Vineyard anni fa con l'interpretazione di Joe Morton, è uno dei cofondatori di Cave Canem.
Tutti gli artisti con cui ho lavorato recentemente mi hanno davvero ispirato. Aneesa Folds! E questo intero cast di [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. Also, di recente ho potuto trascorrere un po' di tempo in eventi con Ayo Edebiri, che sta concludendo questa stagione di The Bear ed è attualmente in Proof a Broadway. Vedere come quel pezzo potrebbe trasformarsi, sotto la direzione di Tommy Kail, e questo cast di Don Cheadle e Jin Ha e Ayo e Kara. Vedere l'originale… è uno dei finali dell'Atto Uno che più amo di sempre. Riuscire a vedere questa nuova iterazione con questa famiglia, ha connotazioni diverse. Ovviamente, David Auburn ha apportato alcune modifiche nel copione per tener conto del diverso tipo di esperienza che una famiglia nera potrebbe avere in queste circostanze.
Sono davvero entusiasta per il mio amico Lin-Manuel Miranda [che] sta girando una versione cinematografica di Dave Malloy’s Octet. Ho visto dei brevi video e foto che invia dal set. Non vedo l'ora di vederlo.
Proprio oggi stavo ascoltando Bobbi Humphrey, che è questa incredibile flautista jazz. Se ascolti hip hop o se ascolti A Tribe Called Quest o [altri] hip hop che si rivolgono al jazz per i campioni, riconosceresti quel suono. È molto un suono che sono cresciuta ad ascoltare nella Bay Area con mia madre. [Ci sono stati] queste prime mattine e serate di ascolto di jazz e funk incredibili. Bobbi Humphrey, voglio metterla in cima oggi.
C'è un pezzo precedente tuo che senti di voler portare a un pubblico più ampio? Un pezzo in cui pensi: quello è che voglio avere un grande revival a New York?
Direi Bulrusher. È stato presentato per la prima volta 20 anni fa all'Urban Stages e solo poche persone lo hanno visto. Da allora, è stato visto in teatri regionali. Poi abbiamo fatto una lettura su Zoom durante la pandemia. Mi piacerebbe davvero vedere quel pezzo su palchi qui a New York. Penso che sarebbe davvero entusiasmante.
Ho visto Paula Vogel quando è venuta a vedere ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| la settimana scorsa e lei era ancora su di me. Ha detto: “Quando vedrò Bulrusher a New York? Dobbiamo vederlo a New York!” È ossessionata da quel pezzo. Direi che è uno che vorrei davvero vedere rievocato.
Dato che ho questa fantastica residenza Signature davanti a me, che ancora non riesco a crederci, abbiamo appena avuto una lettura di Angela’s Mixtape, che ho menzionato che abbiamo fatto nel 2009 attraverso New Georges e l'Hip-Hop Theater Festival. E lo faremo [alla Signature] la prossima primavera. Penso che ci sarò, il che sarà davvero divertente. Quindi sarà un'altra rivisitazione. Penso che potrei ancora sottovalutare il valore di quel pezzo, perché è una storia su di me e la mia famiglia e sento solo che: oh, non dovrei parlare di me stessa. Dovrei solo inventare cose e concentrarmi sulle storie di altri personaggi. Ma penso che soprattutto dopo aver fatto questa lettura ieri e sentire come [il pezzo] risuona ora, c'è molto valore in esso che può portare a un senso di ottimismo [e] abilitamento che penso di aver bisogno, che abbiamo bisogno proprio ora in mezzo a ciò che sta accadendo in questo periodo demoniaco di distruzione che sta avvenendo.
Quando mia zia Angela [Davis] scrisse la sua autobiografia, quando fu edita da Toni Morrison alla Random House, non voleva scrivere di se stessa. Si sentiva troppo giovane. Sentiva che non c'era nulla in particolare che rendesse la sua storia diversa da qualsiasi altro prigioniero politico o donna nera che vive negli Stati Uniti. Si è sempre identificata con il collettivo e parla sempre di come il collettivo stesso l'abbia liberata. È un momento di buon auspicio che stiamo parlando oggi, 4 giugno, perché è il giorno in cui è stata scagionata da tutte le accuse nel 1972. Ma era davvero riluttante a scrivere un'autobiografia perché non voleva che l'attenzione fosse su di lei in modo ingiusto, sfruttatore o sproporzionato. Eppure ha deciso di andare avanti e scriverla. Ha compreso che ci potrebbe essere qualcosa di utile, qualcosa di utile nel raccontare la sua storia per gli altri.
E penso che questo sia qualcosa che sto davvero scoprendo su Angela’s Mixtape. È sorto fuori di me, come un'eruzione vulcanica. Ancora una volta, ero molto riluttante a condividerlo, eppure doveva essere condiviso. Sto veramente comprendendo dalla risposta che abbiamo avuto ieri dagli attori e da tutti coloro che stonavano [il pezzo] che c'è qualcosa di molto potente nell'apprendere sulla lotta radicale, la dedizione alla giustizia sociale, [e] l'importanza che il lavoro culturale ha nel raggiungere quegli obiettivi. È importante capire che gli obiettivi potrebbero non essere raggiunti nella tua vita, ma che devi fare la tua parte per continuare a far avanzare la palla. Ci sono così tanti antenati, così tanti protettori spirituali, così tante persone che sono state tagliate nei loro primi anni, che lavorano per il nostro benessere, benessere, vantaggio, libertà e liberazione. Questo è lo spirito con cui offro quel pezzo. Voglio che tutto il mio lavoro sia utile.
Quando parli di generazioni, ci sono tutti questi modi diversi in cui la nostra neurologia è cambiata con l'avvento del nostro uso di elettronica e social media. E so che c'è qualcosa di molto profondo e molto umano da cui tutti possiamo davvero beneficiare nel connetterci, indipendentemente dall'età e dalla neurologia. Mi trovo di fronte al Brooklyn Tech e so che la proibizione dei telefoni nelle [scuole pubbliche di New York] ha avuto un effetto incredibile su tutti gli studenti che dicono: facciamo giochi da tavolo o ci incontriamo e parliamo tra noi durante il pranzo. E come sarebbe? [È] semplice, semplice, semplice. Penso che sia per questo che amo così tanto il teatro. È una sorta di raduno in cui possiamo realmente distaccarci dalla costante assalto e capire come viviamo nel mondo e come vogliamo vivere insieme.
Non vedo l'ora di vedere Angela’s Mixtape. Questo mi rende così entusiasta di vederlo. Anche tutto ciò che hai detto articola esattamente perché ho scritto il mio libro, Women Writing Musicals—per dare voce a quegli antenati artistici. Grazie per quel bellissimo [pensiero].
Certo, attualmente stai anche lavorando all'adattamento teatrale di Warriors. Puoi parlare di cosa ti entusiasma di più riguardo a portarlo sul palco?
Solo il fatto che sia Warriors [e] il fatto che stia lavorando con Lin-Manuel… queste cose, di per sé, sono eccitanti e suscitano passione. La cosa di cui sono più appassionata in questo progetto è stata il processo di scoperta con Lin, scoprendo il modo in cui adattiamo questo film, che era un adattamento di un romanzo, che era un adattamento di una narrativa greca. Come [possiamo] adattare questo film in un album concettuale? E ora, come [possiamo] adattare un album concettuale in un pezzo che è visivo, si muove nel tempo ed è corporeo?
Il processo stesso è simile all'essere un mad scientist nel laboratorio in cui stai cercando di eseguire diversi esperimenti e risolvere problemi. A volte stai cercando di creare crepe nel cemento in modo che una piccola rosa possa fiorire. A volte non sai nemmeno quali assunzioni stai ponendo sul tuo stesso lavoro fino a quando non hai una conversazione con il tuo regista o con un amico fidato o [collaboratore]. Allora ti rendi conto: oh, non l'avevo guardato da quella prospettiva, vediamo se c'è un modo per onorarlo. A volte le persone sono molto prescrittive e dicono: devi fare questo. Anche se le note in quel formato non aiutano necessariamente, di solito indicano qualcosa che è leggermente stonato. Puoi ricevere una nota che non intendi prendere, a prima vista, ma [è una questione] della nota sotto la nota. [Può entrare] nella tua coscienza e poi inizi a scoprire che affronta la fessura strutturale che faceva sentire le cose instabili. Il processo!
Sono molto entusiasta di questi attori. È un giro delle montagne russe molto intenso. Vogliamo assicurarci di avere ogni tipo di emozione possibile [nel pubblico] mentre rendiamo anche questa una narrativa molto potente e necessaria. Hai vissuto questo come storico del musical e amante del musical: la musica può essere incredibile, ma se non siamo tutti insieme nell'abbraccio di una narrativa davvero potente allora non sentiamo il tipo di soddisfazione e di realizzazione che desideriamo. È diverso se vai a un concerto e ascolti tutta questa grande musica e sei in piedi, che vai in bagno, che vai al bar, parli con i tuoi amici. Quella è un'esperienza completamente diversa rispetto a sederti in una sedia che di solito non ti dà molto in termini di spazio per le gambe. Sei un po' scomodo, ti trovi in uno spazio buio. Spesso, la gente viene solo per addormentarsi, quindi cosa renderà una persona che è leggermente scomoda, forse sonnolenta, e confinata, davvero seduta sul bordo della sedia e eccitata non solo dalla musica, ma dalla storia che tiene insieme la musica?
Lin sa ovviamente come farlo. Ha un curriculum di successo provato nel farlo molto bene. E mi piace molto che mi abbia invitato a partecipare e volesse sapere cosa vedevo nel potenziale [di Warriors] e cosa potessi offrire che lui non vedeva. Scherziamo sempre con questo pezzo che il bambino assomiglia a entrambi. Inizialmente, mi ha invitato a essere lo scrittore del libro e lui avrebbe fatto musica e testi. Poi, mentre la nostra collaborazione andava avanti, iniziavo a inviargli memo vocali e dicevo, “Ecco una linea di basso”, “Ecco una progressione di accordi”, “Ecco una linea di synth”, “Ecco un hook”… Così entrambi ci siamo resi conto che avremmo fatto tutti i ruoli. È principalmente cantato, inoltre. Ci siamo resi conto che non dovremmo cercare di frammentare quali fossero i nostri doveri particolari, che non sarebbero stati compartimentati. Entrambi saremmo pesati su tutto [e] creando tutto. A volte è buono avere due persone perché posso allontanarmi e scrivere qualcosa e lui può allontanarsi e scrivere qualcosa… ed è il massimo quando corriamo l'uno verso l'altro, come “Ascolta! Ascolta questo!”
Entrambi abbiamo potere di veto su ciò che fa l'altro. Ci siamo davvero uniti come un'unica mente che sta affrontando il progetto. Ora, lavorando con [il regista] Jenny Koons, che è una straordinaria artigiana e ha messo insieme l'intero nostro team creativo, è davvero un momento selvaggio in cui tutto sta iniziando a diventare tridimensionale e stiamo sempre cercando di mantenerlo allineato con la nostra visione. A volte non sarà esattamente ciò che immaginavamo, ma deve essere in quell'area. Deve sentirsi come se funzionasse fin dall'inizio e non può semplicemente essere qualcosa che sembra una cosa divertente da fare. L'impasto deve essere completamente amalgamato [in] un composto senza grumi.
Questo è dove ci troviamo ora: [scoprendo] cosa accadrà quando le persone danzano, combattono e cantano. Come facciamo effettivamente a fare tutte le cose su cui non dovevamo preoccuparci nell'album? Siamo in metropolitana, siamo inseguiti da un autobus, stiamo correndo dal Bronx a Coney Island. Come possiamo rappresentare tutto questo—o non rappresentarlo e evocarlo [invece]? Queste sono le domande che stiamo ponendo.
La cosa di cui sono appassionata e di cui sono entusiasta è la creazione della cosa—e tornare a quello, usando l'elevazione che ho vissuto, [da] essere in questo mondo di ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
C'è qualcos'altro che vuoi condividere riguardo ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| per chi sta considerando di venire al Vineyard prima del 21 giugno per vederlo?
Alcune cose. Naomi Latta, che interpreta Margot, non sapeva suonare la batteria quando ha preso il ruolo. Le [abbiamo chiesto], “Pensi di poter imparare?” Lei ha risposto di sì [e] lo ha fatto. Questo mi stupisce. Questo dimostra il livello di talento, il livello di devozione, dedizione, amore che questi attori hanno per questo pezzo.
Un'altra curiosità è che quando ero in questo programma da bambina, ho composto molta musica, e c'è un piccolo estratto di uno dei pezzi che ho composto nel pezzo. Non è qualcosa che qualcuno catturerà mai; è qualcosa che è un Easter egg che solo noi sappiamo nel cast. E Pam. È durante una scena nella sala prove. Gianna DiGregorio Rivera, che interpreta Clementine, suona sulla flute questa piccola linea che ho scritto quando avevo 13 o 14 anni. È stato divertente poterla inserire lì.
Un'altra cosa che sento sia importante condividere è che la musica stessa non è qualcosa che le persone di solito vedono su un palco teatrale—e sicuramente non su un palco di Broadway. È il tipo di musica che potresti sentire in una scuola musicale o forse in un club jazz. Evocando Esperanza Spalding [e] Craig Taborn. Quindi c'è una diversa estetica nella musica di cui penso che le persone siano abituate a vedere nel teatro. Penso che sia molto gradita e la gente sta rispondendo. [Si] godono quella musica e quel suono e sono stata veramente entusiasta di ciò.
Vieni a vedere il pezzo e sentire l'ispirazione che vi è incorporata. C'è un vero senso di riflessione che avviene automaticamente quando vedi il pezzo. E [con] un cast come questo, è un momento nel tempo che sento sia davvero prezioso [data] la posizione in cui si trovano nelle loro carriere. Ero seduta e parlavo con Hillary e Naomi la scorsa notte e dicevano che per loro è stato molto impegnativo. Qualcosa che dico spesso a loro è: “Non nasconderti.” [Hillary ha detto] non nascondersi in una sala prove una volta che inizi a conoscere le persone è una cosa, ma poi non nascondersi una volta che le luci sono accese è un'altra. Hanno davvero accettato quella sfida. Abbiamo parlato molto di rimuovere letteralmente la propria pelle per questi personaggi. Questa storia è così cruda, così vulnerabile. Lo stanno facendo ed è davvero raro.
Siamo a New York e stiamo attraversando molte cose come nazione e come globo. Se sei un adolescente queer di colore, hai molte cose che sono sfide per te. E per loro dire, in realtà aprirò il mio cuore e darò tutto ciò che sono, senza filtri, senza quella armatura protettiva, è un vero dono che il pubblico non riceve sempre. E capisco perché le persone indossano un'armatura. Lo comprendo davvero. Penso che quello che siamo riusciti a fare sia semplicemente creare abbastanza spazio coraggioso l'uno per l'altro in cui siamo in grado di dare quella apertura. Mi piacerebbe che le persone potessero provare questo mentre siamo in scena.
Crediti foto: Carol Rosegg
