Ngôn ngữ có sẵn
Bạn có câu hỏi nào nóng bỏng về Broadway không? Muốn biết thêm về một sự thật ít người biết đến của Broadway? Nhà sử học Broadway và người tự nhận là tín đồ sân khấu Jennifer Ashley Tepper đang ở đây để giúp bạn với Broadway Deep Dive. BroadwayWorld đang nhận câu hỏi từ những người yêu thích sân khấu như bạn. Nếu bạn may mắn, câu hỏi của bạn có thể được chọn làm chủ đề cho bài viết tiếp theo của cô ấy!
Gửi câu hỏi Broadway của bạn tại đây!
Tác giả và diễn viên được đề cử giải Pulitzer Eisa Davis thảo luận về vở kịch mới của cô tại Vineyard, ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, cũng như các dự án sắp tới khác của cô bao gồm việc phục hồi Mixtape của Angela và vở nhạc kịch mới Warriors.
Khi nào bạn bắt đầu viết vở kịch ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||, và nguồn cảm hứng ban đầu của bạn cho nó là gì?
Lý do vở kịch này ra đời là vì Pam MacKinnon.
Vào năm 2018, Pam MacKinnon trở thành giám đốc nghệ thuật của A.C.T. [Nhà Hát Bảo Tàng Mỹ ở San Francisco]. Một trong những hành động đầu tiên của cô ấy trên cương vị giám đốc nghệ thuật là ủy quyền cho những người mà cô thực sự muốn kể chuyện về khu vực vịnh, và đó là nơi tôi đến từ. Cô ấy suy nghĩ: Tôi đang bước vào một không gian mới nơi tôi có thể làm nổi bật những câu chuyện của những người sẽ là cộng đồng mới của tôi.
Chúng tôi đã biết nhau từ trước. Tôi đã tham gia một buổi hội thảo của cô ấy và tất nhiên, tôi rất ngưỡng mộ Pam MacKinnon, người là một người diễn giải tuyệt vời của Edward Albee và Craig Lucas và Lydia Diamond và Itamar Moses và tất cả những người mà cô đã làm việc cùng. Tôi đã không thể tin rằng cô muốn tôi viết một vở kịch.
Cô ấy đã đến xem vở kịch mà tôi đang [diễn] tại The Public Theater, được đạo diễn bởi Tommy Kail—một vở kịch của Sarah Burgess mang tên Kings. Và cô ấy đã hỏi, “Bạn cảm thấy thế nào về việc viết một vở kịch [như] một sự ủy quyền cho A.C.T.?” Tôi ban đầu hơi ngần ngại. Tôi hơi mệt mỏi vì viết trong các phòng truyền hình và phải chịu áp lực thời gian. Nhưng sau đó tôi đã thấy: Tôi thực sự muốn viết về khu vực vịnh và tôi muốn viết về chương trình âm nhạc mà tôi đã tham gia khi còn nhỏ, từ 10 đến 17 tuổi. Tôi muốn tìm một cách để tôn vinh các giáo viên mà tôi đã có ở đó và những ngày đẹp đẽ mà tôi đã dành cho việc học âm nhạc: piano cổ điển, thanh nhạc, jazz, gospel, pop, và âm nhạc thử nghiệm. Tất cả những điều đó đã xảy ra trong những tuần hè kỳ diệu mà tôi đã dành [ở đó] và cũng [trong] các bài học hàng tuần trong suốt cả năm. Vì vậy là do sự thúc giục của Pam. Và sau đó tôi nói, “Tôi luôn thích viết về một câu hỏi nào đó đang ám ảnh tôi hoặc một đam mê, một tình yêu sâu sắc mà tôi có, hoặc cả hai.”
Tôi bắt đầu thực sự viết vở kịch, [trong] một thời gian ngắn cư trú ở khu vực vịnh, vào năm 2019. Tôi đã viết bản thảo đầu tiên vào đầu năm 2020, ngay trước khi COVID bùng phát. Từ đó, quá trình diễn ra là chúng tôi đã thực hiện một buổi hội thảo trên Zoom trong vòng một tuần vào tháng 11 năm 2020 với một dàn diễn viên trưởng thành và một dàn diễn viên thanh thiếu niên. Tôi muốn những thanh thiếu niên có thể nói với tôi xem họ có thực sự đồng cảm với những gì tôi đang viết cho những đứa trẻ cùng độ tuổi hay không và sau đó các diễn viên trưởng thành sẽ cung cấp kinh nghiệm và hỗ trợ kịch bản mà bạn cần khi thử nghiệm một vở kịch trong những vùng nước không quen thuộc. Chúng tôi đã tìm thấy một cách thú vị để tương tác cùng nhau. Đây là những ngày đầu Zoom, trước khi các nghệ sĩ có thể phát ra âm thanh cùng một lúc. Nhưng chúng tôi đã tìm ra được một cách. Và tôi đã nói: hãy tìm một cách để luôn giữ nguyên yếu tố cơ hội và improvisation trong các buổi hội thảo này. Vì vậy, chúng tôi đã làm như vậy.
Tôi không chắc Pam có thực sự thích vở kịch sau đó không. Tôi không biết liệu họ có giữ được nguồn tài trợ nào để tiếp tục hay không. Nhưng sau đó, họ đã phản hồi ở A.C.T. và chúng tôi đã thực hiện một buổi đọc khác. Tôi đã tham gia một kỳ cư trú viết tại A.C.T. vào năm 2023 và đó là nơi hình dạng của vở kịch bắt đầu xuất hiện. Ban đầu tôi muốn xem liệu tôi có thể ngẫu nhiên hóa tất cả các cảnh được không. Tôi đã nghĩ có thể tìm ra cách để làm cho điều này hoạt động với các cảnh theo bất kỳ thứ tự nào. Chúng sẽ được xác định bởi khán giả theo cách mà khán giả chọn hàng âm bây giờ. Có thể mỗi cảnh có thể được gán cho một nốt nhạc và sau đó khán giả sẽ xác định thứ tự của những nốt đó và sau đó chúng tôi sẽ có một vở kịch có thể đi theo mọi cách có thể. Chúng tôi đã thử nghiệm trong các buổi hội thảo [và] điều đó hoàn toàn không hoạt động. Tôi thất bại thảm hại, nhưng đó là lý do cho các thí nghiệm. Bạn tìm ra điều gì [hiệu quả]. Tôi nhận ra rằng câu chuyện tôi muốn kể là tích lũy, rằng đó là một câu chuyện cần có những thứ có tính hệ quả. Có một phản ứng rất mạnh mẽ [đối với] buổi đọc đó. Hình dạng cảm xúc của vở kịch thực sự bắt đầu được hình thành vào năm 2023.
Vào năm 2024, A.C.T. nói có, chúng tôi muốn thực hiện nó. Và sau đó [tại] Vineyard, nơi tôi đã có một sự ủy quyền và được nhận một giải thưởng qua Paula Vogel và Daryl Roth, tôi [hỏi]: “Bạn có nghĩ vở kịch này sẽ hoạt động như sự ủy quyền của tôi ở đây không?” Họ đã đọc nó tại Vineyard và thích nó, vì vậy chúng tôi đã thực hiện một sự hợp tác đồng sản xuất giữa A.C.T. [tại khu vực vịnh] và Vineyard ở New York. Tôi không thể diễn tả quá trình đó đã đẹp như thế nào. Thường thì bạn sẽ có điều đó với một vở nhạc kịch mà bạn có một lần thử diễn ở ngoài thành phố. Và đó là điều mà chúng tôi đã thực hiện, chúng tôi đã dành tất cả thời gian mà chúng tôi cần để thực sự phát triển âm nhạc và các mối quan hệ giữa các nhân vật. Chúng tôi đã có thời gian để các diễn viên thực sự cảm thấy như ở nhà trong các buổi diễn đó.
Và một khi tôi có thể thấy buổi diễn ở San Francisco, tôi đã phân tích lại vở kịch. Một khi [tôi] có ý tưởng rằng 'các cảnh có thể đi theo bất kỳ thứ tự nào?', mặc dù đó không phải là điều mà chúng tôi đã thực hiện một cách chính thức, nhưng đó chắc chắn là điều mà tôi đã làm trong lần sửa đổi. Và một khi chúng tôi đến New York, tôi đã viết lại nhiều phần của vở kịch, kết hợp các cảnh, cắt bỏ các cảnh, [và] viết các cảnh mới. Ngay cả trong quá trình tập dượt, chúng tôi đã thay đổi thứ tự mà các cảnh sẽ diễn ra. Những gì bạn đang thấy trên sân khấu tại Vineyard bây giờ thực sự rất, rất khác so với những gì đã diễn ra ở San Francisco vào tháng Ba và tháng Tư và tất nhiên, những gì chúng tôi đã có trong tất cả những buổi hội thảo này.
Trên đường đi, nó đã thực sự biến đổi và tôi yêu thích việc Pam và Joy Meads, người đã hỗ trợ kịch bản của chúng tôi, đã rất tin tưởng tôi trong việc lắng nghe vở kịch và để nó kể cho tôi hình thái mà nó muốn có, những gì mà nó muốn nói, những gì mà các nhân vật có thể cung cấp cho chúng ta về câu chuyện của họ như một phản ánh của những gì mà chúng ta trong khán giả cũng cảm thấy. Có những khoảnh khắc thực sự đam mê mà họ có như những người trẻ mà tôi nghĩ rất nhiều chúng ta có thể thực sự đồng cảm, đặc biệt là những người ở New York có một nền tảng nghệ thuật vững chắc. Và nếu họ không [còn tham gia] vào nó, vẫn có một tình yêu sâu sắc dành cho nó, và điều đó có thể chính là lý do tại sao họ sống ở New York.
Tôi thích việc những gì bạn chia sẻ đã làm nổi bật cách tôi cảm thấy khi xem vở kịch—tôi cảm thấy sự hoài niệm mà các nhân vật sẽ có [về thời gian này] trước khi họ có nó. Bạn có nói rằng vở kịch này là tự truyện hoặc bán tự truyện không?
Không phải. Và đó không phải là một vở kịch trí nhớ—nó thực sự là một vở kịch quay ngược thời gian. Chúng tôi đã nói về sự phân biệt đó vì thật sự rất khác biệt khi nhìn lại cuộc sống của bạn thay vì nhìn về phía trước. Tất nhiên vào cuối vở kịch, có thể cảm thấy như: liệu đó có phải là một vở kịch trí nhớ không? Nhưng tôi thực sự thích năng lượng [ở đây] là một cái gì đó đang tiến về phía trước trong thời gian. Và [vở kịch này] hoàn toàn không phải là tự truyện. Các nhân vật là phát minh, cốt truyện được phát minh, và thậm chí bối cảnh... Tôi đã được truyền cảm hứng bởi trường âm nhạc mà tôi đã theo học, nhưng điều đó đã xảy ra rất lâu trước đó và [trường học của tôi] hoàn toàn không có giới tính.
Cách mà Pam luôn diễn đạt là: nó không phải là tự truyện, nó chỉ là rất cá nhân. Và cách mà tôi diễn đạt là [cảm xúc] của vở kịch đến từ những ngõ ngách sâu thẳm trong tâm hồn tôi. Điều đó không thể nhầm lẫn. Đó là tôi. Đó chỉ là trái tim tôi trên một cái đĩa. Không có gì đã xảy ra với tôi trong vở kịch—trừ việc đã từng lấy cắp một vài chai 2 lít khi tôi còn là một đứa trẻ cùng với vài người bạn và đã gây ra một số chuyện rắc rối với điều đó. Và tình yêu âm nhạc, tất nhiên. Nhưng nó không phải là tự truyện [dù] nó chắc chắn rất [sâu sắc] và là một thế giới mà tôi biết.
Tôi rất tò mò về cách bạn tìm được sự cân bằng [giữa] những cảm xúc đó với việc quay ngược vào bản thân và cảm giác như thế nào khi ở một người trẻ khi bạn trải qua một chương trình tương tự và sau đó là những gì đang diễn ra hiện nay. Tôi cảm thấy như bất cứ ai không thuộc thế hệ hiện tại luôn nói về việc việc lớn hơn của bản thân [bây giờ] là khác nhiều nhờ công nghệ. Bạn đã nói một chút về việc làm việc với những người thuộc thế hệ khác trong buổi hội thảo trên Zoom. Bạn có thể nói thêm về cách mà bạn làm việc trên một tác phẩm có những người trẻ ngày nay không?
Tôi không cảm thấy đó là một thách thức vì tôi thực sự tin tưởng vào việc lắng nghe mà tôi thực hiện như một nghệ sĩ. Bất kể tôi viết về ai, tôi lắng nghe rất cẩn thận những câu chuyện mà họ muốn kể, những gì mà họ quan tâm, những gì mà họ cảm thấy chưa được lên tiếng, đôi khi.
Có một vở kịch mà tôi đã viết mà David Mendizábal đã đạo diễn vào năm 2022 mang tên Mushroom. Vở kịch đó nói về những người hái nấm không có giấy tờ ở Pennsylvania. Vở kịch đó có hai ngôn ngữ tiếng Anh và tiếng Tây Ban Nha và trên thực tế còn có một số ngôn ngữ khác trong đó. Tất nhiên tôi không phải là một người hái nấm không có giấy tờ và mặc dù vậy, tôi chỉ sử dụng cùng một kỹ thuật lắng nghe, chỉ đơn giản là lắng nghe. Những câu chuyện nào cần được kể mà chúng tôi không biết đến?
Hoặc vở kịch của tôi, Bulrusher. Ở một số khía cạnh, đó là một kiểu lắng nghe tưởng tượng. Tôi đã lắng nghe tiếng nói của các bậc cao niên của tôi ở Birmingham, Alabama, nơi một số nhân vật đến từ. Tôi đã lắng nghe âm thanh của tiếng địa phương mà tôi chỉ nghe trong vài câu chuyện và đọc trong một quyển sách. Tôi cảm thấy rằng có một kiểu nhịp điệu thực sự mà tôi hiểu và có thể chạm vào. Vì vậy, theo một số cách, cũng như tôi làm việc như một diễn viên và bước vào các vai diễn khác nhau, tôi cũng làm như vậy với tư cách là một nhà viết kịch, bước vào các vai khác nhau và cố gắng tìm kiếm sự kết nối và lên tiếng chân thật mà tôi có thể mang lại. Vì vậy, ở đây, tôi đã tìm kiếm những cuộc trò chuyện với những người trẻ trong quá trình này.
Thật tuyệt vời khi có những bạn trẻ là khán giả. Chúng tôi đã có một buổi biểu diễn matinee cho học sinh hôm qua và có một cảm giác nhận diện rất to lớn. Mọi người cảm thấy: ôi trời ơi, đây là câu chuyện của tôi, đây là điều mà tôi cảm thấy. Người trẻ [đã đến] nói chuyện với các diễn viên sau đó và đã khóc nức nở nói rằng, “Tôi cũng cảm thấy như vậy.”
Cũng có những lúc, tôi đã lắng nghe và chưa lắng nghe đủ. Và sau đó tôi đã bị gọi nhẹ nhàng hoặc cứng rắn hoặc tức giận bởi những người mà tôi đang cố gắng đại diện. Khi điều đó xảy ra, tôi làm mọi thứ có thể để đảm bảo rằng họ cảm thấy sự đại diện của họ là công bằng và chính xác.
Bạn có thể nói thêm về cách mà bạn cảm thấy công việc của bạn với tư cách là một diễn viên ảnh hưởng đến công việc của bạn với tư cách là một nhà viết kịch và cụ thể là có giao thoa với cách bạn nói chuyện với các diễn viên trong một vở kịch mà bạn đang viết không?
Nhiều tác phẩm viết của tôi luôn xuất phát từ một nơi: những vai diễn mà tôi muốn đóng vai. Tất nhiên tôi không thể đóng vai những nhân vật này trong ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| nhưng nếu tôi ở độ tuổi đó, tôi rất muốn đóng vai những nhân vật này. Có một chút mong muốn đảm bảo rằng các diễn viên sẽ có thứ gì đó cảm thấy thực sự hấp dẫn và thịt, và rằng họ sẽ không cảm thấy bị gạt ra bên lề bởi câu chuyện. Tôi nghĩ rằng tốt cho dramaturgically không cảm thấy rằng bất kỳ ai có một vai nhỏ hơn bất kỳ ai khác. Ngay cả một người trong vở kịch này như Clementine, người mà chúng ta nghe thấy ít nhất có được một chút phong cách và một cái cảm giác như đã vượt qua mọi thứ. Cô ấy không cần phải tham gia vào những drama diễn ra trong tam giác của ba thanh thiếu niên khác. Cô ấy chỉ thực hành [âm nhạc] và làm việc của mình và đó là điều làm cô ấy hạnh phúc. Có rất nhiều người đã đến hỏi tôi sau đó, hoặc đến hỏi Gia, người đóng vai Clementine, và nói: “Đó là nhân vật mà tôi cực kỳ yêu thích” và “Tôi đang cố gắng kích hoạt cái tôi bên trong của mình như Clementine và không bị vướng bận và chỉ làm những gì tôi làm.” Vì vậy tôi nghĩ có một chút muốn đảm bảo rằng có những vai mà tôi cảm thấy thực sự quan tâm.
Trong các vở kịch khác tôi đã viết, có một vai là 'tôi' trong đó. Tôi đã viết những phần mà tôi thật sự muốn đóng vai. Và đôi khi điều đó xảy ra và đôi khi thì không. Tôi muốn vở kịch trở thành một dự án độc lập không phụ thuộc vào sự hiện diện của tôi hay không. Tôi luôn cố gắng suy nghĩ với tất cả thiện cảm [và] sự hòa nhập khi tôi xem xét cách các nhân vật hoạt động như một nhà viết kịch và các diễn viên sẽ thể hiện các vai này ra sao—những gì họ cần trong câu chuyện và sau đó trong dài hạn trong suốt quá trình biểu diễn.
Cách mà nó ảnh hưởng đến cách tôi giao tiếp với các diễn viên là tôi thực sự yêu thích các diễn viên. Tôi nghĩ rằng có một yếu tố hiến dâng thực sự trong những gì mà tất cả các nghệ sĩ sáng tạo diễn giải làm cùng với việc mang đến những điều tốt nhất của [họ] mà có mặt ở đó. Vậy nên điều khác mà tôi đã làm, đặc biệt trong những tác phẩm biểu diễn được thiết kế nhiều hơn là tôi sẽ hỏi các diễn viên: có điều gì mà bạn luôn muốn làm trên sân khấu mà bạn chưa bao giờ có cơ hội làm không? Đó là một cách chẩn đoán tốt, ngay cả khi chúng tôi không thực sự làm điều đó vì vậy tôi có thể cảm nhận những gì họ khao khát và mong chờ và tôi sẽ xem liệu có cách nào để đưa điều đó vào tác phẩm.
[Rồi còn có] năng lượng của một dàn diễn viên, với nền tảng của tôi là một nhạc sĩ và diễn viên. Các giáo viên của tôi ở trường sau đại học luôn lãng mạn hóa những dàn diễn viên lớn: The Group Theatre và Nhà Hát Nghệ Thuật Moscow… Tôi là một thành viên của The Actors Studio. Và [có] một cảm giác mạnh mẽ về dàn diễn viên, khi bạn có một ý thức thực sự vững chắc về dàn diễn viên và một cảm giác tin tưởng. Tôi yêu thích Công ty Nhà Hát LAByrinth, tôi yêu những công ty nhà hát mà các diễn viên làm việc cùng nhau nhiều lần. Khi bạn có mức độ thân mật đó, bạn có thể thực hiện những thành công mà bạn không thể đạt được nếu bạn chỉ gặp nhau lần đầu.
Ngay cả khi trong nhiều tác phẩm mà tôi đã làm và hợp tác với những người khác, chúng tôi đã tụ họp trong một khoảng thời gian ngắn, sau đó tạo ra một thứ, rồi chia tay, tôi thật sự rất yêu thích cảm giác củng cố dàn diễn viên của chúng tôi. Nếu mọi người muốn ở bên nhau, nếu mọi người đang học hỏi từ nhau, nếu mọi người có thể tin tưởng nhau trên sân khấu bất kể điều gì xảy ra, thì bạn sẽ có nhiều trải nghiệm đẹp đẽ hơn. Điều đó đã xảy ra trong Passing Strange, trong mọi khía cạnh. Nó cũng [đến] từ việc thực hiện ba phiên bản của [vở diễn]: Berkeley Rep, The Public Theater, [và] Broadway. Tôi cảm thấy chúng tôi đã được làm điều đó với [ ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||], đi đến A.C.T. và sau đó đến đây với Vineyard. Dàn diễn viên là một điều mà tôi nghĩ thực sự quan trọng trong cách mà tôi giao tiếp với các diễn viên.
Tôi không bao giờ muốn bảo ai đó phải làm gì nhưng tôi cũng có một ý tưởng rất rõ ràng về một cái gì đó và nếu cái gì đó ra ngoài phạm vi đó thì tôi phải điều chỉnh. Thực sự đó là việc lên dây cót, như một chiếc tông. Nếu cái gì đó không hòa hợp, thì cả thứ đó chỉ cảm thấy không đúng chỗ. Vì vậy, tôi cố gắng học hỏi từ Pam và nhớ điều gì là điều tôi yêu thích như một diễn viên đó là luôn có những ghi chú và gợi ý rất tích cực và có thể hành động. Tôi cố gắng sai lầm ở phía đó. Tất cả chỉ là mối quan hệ và có một mục tiêu chung như muốn tạo ra một cái gì đó mà cảm thấy như biểu hiện cao nhất của những gì mà chúng ta có thể làm cùng nhau và những gì mà tác phẩm yêu cầu chúng tôi.
Cho chúng tôi biết thêm về lịch sử của bạn với Vineyard. Có sự ủy quyền của bạn, nhưng bạn đã có trải nghiệm nào ở đó như một khán giả chưa? Bạn cảm thấy không gian đã đóng góp gì cụ thể cho tác phẩm và bạn có những suy nghĩ nào khác về việc làm việc tại Vineyard không?
Về tác phẩm này cụ thể, điều mà tôi thực sự thích là sự thân mật của không gian. Đó là điều mà chúng tôi không có theo cùng cách tại A.C.T. vì Nhà Hát Strand đẹp ở đó có khoảng 283 chỗ ngồi. Nó là một nhà hát đã được chuyển đổi từ rạp chiếu phim. Vì vậy, việc chuyển từ đó với cùng một bối cảnh sang Vineyard có nghĩa là âm thanh của vở kịch khác, cảm giác khác. Chúng tôi không có độ cao mà chúng tôi đã có trên sân khấu. Đường nhìn khác.
Chúng tôi đã có hai phiên bản thực sự tuyệt vời của vở kịch. Nó như thể vở kịch đã được sinh ra và lớn lên ở khu vực vịnh và sau đó được gia vị và trưởng thành ở New York. Giống như tôi.
Tôi thực sự thích làm việc với Vineyard và tất cả các chương trình mà họ đã thực hiện, với các buổi hòa nhạc sau chương trình và các đêm thân thuộc. Thật thú vị khi chỉ được ở đó mỗi ngày.
Và điều tôi yêu thích về Vineyard trong những năm qua là tôi đã thấy một số vở kịch yêu thích của tôi ở đó. Tôi đã thấy How I Learned to Drive, Indecent… Tôi đã đề cập đến Paula Vogel bởi vì Paula, cùng với Adrienne Kennedy, là người ủng hộ quan trọng nhất cho công việc của tôi mà tôi đã có. Tôi không nghĩ rằng tôi thực sự có một sự nghiệp như một nhà viết kịch nếu không có cô ấy đã cứu Bulrusher từ đống bài gửi và nói, “Điều này thực sự xứng đáng được công nhận,” trong ban giám khảo Pulitzer. Và chỉ đơn giản là những người mà [Vineyard] đã sản xuất và năng lượng. Tôi đang nghĩ rất cụ thể về Deirdre O’Connell trong Dana H. Lần thứ hai tôi thấy Tarell Alvin McCraney’s work, sau khi xem The Brothers Size tại Public, là Wig Out! Danh sách này cứ kéo dài mãi về những ai đã đến Vineyard, vì vậy điều đó có ý nghĩa rất nhiều để được gia nhập vào hàng ngũ đó.
Và sau đó tôi đã có tất cả những mối quan hệ thú vị khác với những người tại Vineyard. [Giám đốc nghệ thuật lâu năm của Vineyard] Doug Aibel đã cast tôi vào [các dự án] khi là một giám đốc casting. [Giám đốc nghệ thuật hiện tại] Sarah Stern và tôi thực sự đã dạy một khóa học cùng nhau tại Princeton cùng với Trip Cullman mà được thiết kế để đi sâu vào công việc chưa hoàn thành của Michael Friedman, American Pop. Vì vậy, có rất nhiều nhánh thú vị giữa tôi và Vineyard và được có kỳ cư trú ở đó thông qua giải thưởng này và sau đó họ đã đọc vở kịch này và ngay lập tức cảm thấy yêu thích nó và nhảy vào để đồng sản xuất, đó thực sự là một vinh dự. Tôi vẫn không thể tin rằng điều này đang xảy ra.
Mọi người có thể hơi sốc khi tôi nói điều này nhưng tôi thực sự chưa có nhiều tác phẩm được phát triển ở New York. Tôi đã có một buổi biểu diễn tại Trung tâm Nghệ thuật HERE vào tháng 9 mang tên The Essentialisn’t. Trước đó, sản xuất đầy đủ cuối cùng mà tôi đã có ở New York là vào năm 2009 với Mixtape của Angela. Vì vậy, đã 16, 17 năm trôi qua kể từ khi tôi có một vở kịch. Vì vậy, thực tế là tôi đã có không chỉ một mà còn hai vở trong mùa này thật là điều kinh ngạc. Và tôi rất biết ơn Vineyard. Trải nghiệm thực hiện vở kịch này, bởi vì đó là trái tim của tôi trên một cái đĩa, thực sự cảm thấy như một giấc mơ. Tất nhiên bạn muốn giấc mơ tiếp tục mãi mãi. Nhưng chúng tôi chỉ còn hai tuần rưỡi nữa. Tôi thực sự yêu những diễn viên này. Tôi biết rằng họ sẽ tiếp tục là những người mà mọi người thực sự ngưỡng mộ và theo dõi. Tôi chỉ không thể chờ đợi để thấy họ tiếp tục nở rộ và vươn lên trong tất cả công việc mà họ sẽ thực hiện.
Có điều gì mà bạn đã trải nghiệm gần đây như một khán giả mà bạn cảm thấy thực sự truyền cảm hứng? Sân khấu, phim, TV, một bài hát, bất kỳ điều gì mà bạn đã thấy truyền cảm hứng như một người xem?
Điều này luôn khó khăn vì tôi thấy rất nhiều và sau đó thật khó để tôi nhớ những điều tuyệt vời nhất. Ngoài ra, tôi thực sự nỗ lực không xem, đọc, nghe bất kỳ điều gì ngoài thứ mà tôi biết sẽ tốt. Nhiều người thì bảo, “Tôi sẽ xem với tâm lý ghét” hoặc “Tôi chỉ đơn giản là sẽ xem một thứ vô lý để thư giãn.” Tôi không làm như vậy. Tôi sẽ luôn đặt cả trái tim và tâm hồn mình vào việc lắng nghe, vào việc xem, vào việc đọc. Và những điều thực sự ở lại trong tôi rất lâu. Tôi nhạy cảm theo cách đó. Nếu tôi xem một bộ phim, tôi biết nó sẽ ở lại trong tâm trí tôi và thực sự ảnh hưởng đến cách tôi nhìn thế giới trong hai ngày tiếp theo. Vì vậy, tôi phải thật cẩn thận.
Nhân dịp nói về phim, tôi đã xem Is God Is, [có] Aleshea Harris [lần đầu ra mắt] rất chắc chắn, điều chỉnh từ vở kịch của cô ấy. Tôi chưa bao giờ được xem Is God Is vì tôi đang diễn vở kịch Kings tại Public cùng lúc với vở diễn tại Soho Rep. Seeing Mallori Johnson—người mà tôi đã làm việc với trong Kindred, Branden Jacobs-Jenkins’ bản phim thích ứng trích từ tiểu thuyết của Octavia Butler—với Kara [Young] trong vai cặp song sinh và toàn bộ dàn diễn viên rất thú vị đối với tôi là một người mong muốn tạo ra phim. Có một kịch bản mà tôi đã viết mà tôi đang rất mong chờ để thực hiện thực sự. Và tôi luôn rất vui khi thấy một ai đó dũng cảm và có tầm nhìn như Aleshea cũng thực hiện điều đó.
Về những gì mà tôi đã đọc, gần đây tôi đã trở lại đọc những bài thơ của Wanda Coleman, người là một nhà thơ hoang dã và tuyệt vời ở L.A. Tôi đã tham gia một tổ chức có tên là Cave Canem, nơi là một ngôi nhà cho các nhà thơ người da đen. Cornelius Eady, người mà vở kịch có âm nhạc của anh ấy Running Man đã diễn ra tại Vineyard nhiều năm trước, với sự tham gia của Joe Morton, là một trong những người đồng sáng lập của Cave Canem.
Tất cả các nghệ sĩ mà tôi đã làm việc gần đây thực sự đã truyền cảm hứng cho tôi. Aneesa Folds! Và toàn bộ dàn diễn viên của [||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||]. Cũng gần đây có thể dành một chút thời gian tại các sự kiện với Ayo Edebiri, người đang hoàn thành mùa này của The Bear và đang trong Proof ngay bây giờ trên Broadway. Có thể thấy cách mà vở kịch này có thể biến đổi, dưới sự chỉ đạo của Tommy Kail, và dàn diễn viên này của Don Cheadle và Jin Ha và Ayo và Kara. Thấy phiên bản gốc… đó là một trong những cái kết yêu thích của tôi trong Act One của mọi thời đại. Được thấy phiên bản mới với gia đình này, nó có những ý nghĩa khác nhau. Tất nhiên, David Auburn đã thực hiện một vài thay đổi trong kịch bản để phù hợp với kiểu trải nghiệm khác mà một gia đình da màu sẽ có trong những tình huống này.
Tôi đang rất hào hứng cho người bạn của tôi Lin-Manuel Miranda [người] đang thực hiện một phiên bản phim của Dave Malloy’s Octet. Tôi đã thấy những video và hình ảnh nhỏ mà anh gửi từ trường quay. Tôi không thể chờ đợi để xem điều đó.
Chỉ riêng hôm nay tôi đã nghe Bobbi Humphrey, người là một nhạc công flautist jazz thực sự tuyệt vời. Nếu bạn nghe hip hop hoặc nếu bạn nghe A Tribe Called Quest hoặc [các] hip hop khác nhìn về jazz cho mẫu, bạn sẽ nhận ra âm thanh đó. Đó chính là âm thanh mà tôi đã lớn lên ở khu vực vịnh cùng với mẹ tôi. [Có] những buổi sáng sớm và những buổi tối nghe jazz và funk thực sự tuyệt vời. Tôi muốn đề xuất Bobbi Humphrey hôm nay.
Có một vở kịch nào trước đó của bạn mà bạn cảm thấy đam mê nhất về việc mang đến được cho đông đảo khán giả? Một tác phẩm mà bạn nghĩ: đó chính là điều mà tôi muốn có một sự phục hồi lớn ở New York?
Tôi sẽ nói về Bulrusher. Nó lần đầu tiên được thực hiện 20 năm trước tại Urban Stages và chỉ có một vài người đã xem. Kể từ đó, nó đã được công diễn tại các nhà hát khu vực. Sau đó chúng tôi đã thực hiện một buổi đọc Zoom trong đại dịch. Tôi thực sự muốn thấy vở kịch đó trên sân khấu ở đây tại New York. Tôi nghĩ điều đó sẽ rất thú vị.
Tôi đã thấy Paula Vogel khi cô ấy đến xem ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| tuần trước và cô ấy vẫn đang dõi theo tôi. Cô ấy đã nói: “Khi nào tôi sẽ thấy Bulrusher ở New York? Chúng ta phải thấy nó ở New York!” Cô ấy rất mê vở kịch. Tôi sẽ nói rằng đây là một vở kịch mà tôi thực sự muốn thấy được phục hồi.
Bởi vì tôi có một kỳ cư trú Signature đáng kinh ngạc phía trước mình, mà tôi vẫn không thể nào vượt qua được, chúng tôi đã thực hiện một buổi đọc vừa mới đây của Mixtape của Angela, mà tôi đã đề cập đến, chúng tôi đã thực hiện vào năm 2009 thông qua New Georges và Liên hoan Nghệ thuật Hip-Hop. Và chúng tôi sẽ thực hiện điều đó [tại Signature] vào mùa xuân tới. Tôi nghĩ tôi sẽ tham gia vào đó, điều đó sẽ rất thú vị. Vì vậy, đó sẽ là một sự phục hồi khác. Tôi nghĩ rằng tôi có thể vẫn đánh giá thấp giá trị của vở kịch đó, bởi vì đó là câu chuyện về tôi và gia đình tôi và tôi chỉ cảm thấy: oh, tôi không nên nói về chính mình. Tôi chỉ nên phát minh điều gì đó và tập trung vào câu chuyện của các nhân vật khác. Nhưng tôi nghĩ đặc biệt sau khi thực hiện buổi đọc hôm qua và nghe cách [vở kịch] vang lên bây giờ, có rất nhiều giá trị trong đó có thể dẫn đến một cảm giác lạc quan [và] cảm hứng mà tôi nghĩ tôi cần, mà chúng ta cần ngay bây giờ giữa mọi thứ đang diễn ra với chúng ta trong khoảng thời gian tàn khốc này.
Khi dì của tôi Angela [Davis] viết tự truyện của mình, khi cô được biên tập bởi Toni Morrison tại Random House, cô không muốn viết về chính mình. Cô cảm thấy mình quá trẻ. Cô cảm thấy rằng không có điều gì cụ thể khiến câu chuyện của cô khác biệt với bất kỳ người tù chính trị nào khác hoặc phụ nữ da đen nào sống ở Hoa Kỳ. Cô ấy [đã] luôn thực sự nhận diện với tập thể và luôn nói về cách mà tập thể chính là điều đã giải phóng cô. Điều này cũng khá trùng hợp khi chúng ta đang nói chuyện vào ngày 4 tháng 6, bởi vì đó là ngày mà cô ấy được tha bổng tất cả các cáo buộc vào năm 1972. Nhưng cô ấy thực sự do dự khi viết một cuốn tự truyện vì cô không muốn ánh sáng chiếu vào mình theo bất kỳ cách nào không công bằng hay khai thác hay không tỷ lệ. Tuy nhiên, cô đã tiếp tục viết điều đó. Cô hiểu rằng có thể sẽ có điều gì đó hữu ích, điều gì đó có ích trong việc kể câu chuyện của mình cho người khác.
Và tôi nghĩ đó là điều mà tôi thực sự khám phá ra về Mixtape của Angela. Nó vừa bùng nổ ra khỏi tôi như một vụ phun trào núi lửa. Một lần nữa, tôi rất do dự về việc chia sẻ nó, và thế nhưng nó phải được chia sẻ. Tôi thực sự hiểu điều đó từ phản ứng mà chúng tôi đã nhận được hôm qua từ các diễn viên và mọi người xem [vở kịch] rằng có điều gì đó rất mạnh mẽ trong việc tìm hiểu về cuộc đấu tranh cấp tiến, sự tận tâm đối với công bằng xã hội, [và] tầm quan trọng mà công việc văn hóa có trong việc đáp ứng những mục tiêu đó. Điều quan trọng là phải hiểu rằng các mục tiêu có thể sẽ không được thực hiện trong cuộc đời bạn nhưng bạn phải làm phần của mình để tiếp tục thúc đẩy bóng bóng xuống sân. Có rất nhiều tổ tiên, rất nhiều người bảo vệ tinh thần, rất nhiều người đã bị giết ở độ tuổi sung sức, những người đã làm việc vì lợi ích, phúc lợi, lợi ích, tự do và giải phóng của chúng ta. Đó là tinh thần mà tôi gửi tặng vở kịch đó. Tôi muốn tất cả công việc của mình trở nên hữu ích.
Khi bạn đang nói về các thế hệ, có rất nhiều cách mà thần kinh học của chúng ta đã thay đổi với sự phát triển của việc sử dụng thiết bị điện tử và mạng xã hội. Và tôi biết rằng có điều gì đó rất sâu sắc và rất con người mà tất cả chúng ta thực sự có thể hưởng lợi từ việc kết nối, bất kể tuổi tác hay thần kinh học. Tôi đang ngồi ngay bên đường từ Brooklyn Tech và tôi biết rằng việc cấm điện thoại trong [những trường công lập New York] đã có ảnh hưởng lớn đến tất cả học sinh, những người đã nói: hãy chơi trò chơi bàn hoặc tụ tập và nói chuyện với nhau trong giờ ăn trưa. Và điều đó có nghĩa là gì? [Đó là] đơn giản, đơn giản, đơn giản. Tôi nghĩ đó là lý do mà tôi yêu thích nhà hát nhiều như vậy. Nó là một loại tập hợp nơi mà chúng ta thực sự có thể tạo ra thời gian tránh khỏi cuộc tấn công liên tục và chỉ đơn giản là tìm hiểu cách chúng ta sống trong thế giới và cách chúng ta muốn sống cùng nhau.
Tôi không thể chờ để xem Mixtape của Angela. Điều đó khiến tôi thật sự hào hứng khi thấy nó. Tất cả những gì bạn đã nói đã thể hiện chính xác lý do tại sao tôi đã viết cuốn sách của mình, Phụ Nữ Viết Nhạc Kịch—để cho tiếng nói cho những tổ tiên nghệ thuật đó. Cảm ơn bạn vì suy nghĩ đẹp đó.
Tất nhiên bạn cũng đang làm việc trên bản chuyển thể sân khấu của Warriors. Bạn có thể nói về điều mà bạn cảm thấy phấn khích nhất khi đưa nó lên sân khấu không?
Chỉ riêng sự thật rằng đó là Warriors [và] sự thật rằng tôi đang làm việc với Lin-Manuel… những điều đó, tự thân, là nguồn cảm hứng và kích thích đam mê. Điều mà tôi đam mê nhất trong dự án này là quá trình khám phá với Lin, tìm ra cách mà chúng tôi chuyển thể bộ phim này, nó là một sự chuyển thể từ một tiểu thuyết, nó lại là một sự chuyển thể từ một câu chuyện Hy Lạp. Làm thế nào [để] chúng tôi chuyển thể bộ phim này thành một album khái niệm? Và bây giờ, làm thế nào [để] chúng tôi chuyển thể một album khái niệm thành một tác phẩm có hình ảnh và di chuyển trong thời gian và được thể hiện?
Quá trình tự nó giống như bạn là một nhà khoa học điên trong phòng thí nghiệm và bạn đang cố gắng thực hiện nhiều thí nghiệm khác nhau và giải quyết các vấn đề. Đôi khi bạn đang cố gắng tạo ra những vết nứt trong bê tông để một chút hoa hồng có thể nở ra. Đôi khi bạn thậm chí không biết loại giả định gì bạn đang đặt lên công việc của chính mình cho đến khi bạn có một cuộc trò chuyện với đạo diễn hoặc bạn bè hoặc [người cộng tác] đáng tin cậy. Sau đó, bạn sẽ nói: ôi, tôi đã không nhìn thấy từ quan điểm đó, hãy xem có cách nào để thực sự tôn trọng điều đó. Đôi khi mọi người rất có phương pháp và nói: bạn cần phải làm điều này. Mặc dù ghi chú theo cách đó không thực sự hữu ích, nó thường chỉ ra điều gì đó đang hơi không hòa hợp. Bạn có thể nhận được một ghi chú mà bạn sẽ không tiếp nhận ngay lập tức, nhưng [đó là về] ghi chú dưới ghi chú. [Nó] có thể đi vào tiềm thức của bạn và sau đó bạn bắt đầu khám phá xem nó chữa lành mạch vỡ nào đã khiến mọi thứ cảm thấy không ổn định. Quá trình!
Tôi đang rất hào hứng với những diễn viên này. Đây là một cuộc hành trình rất cảm xúc và đầy cảm xúc. Chúng tôi muốn đảm bảo rằng chúng tôi có thể tạo ra mọi loại cảm xúc có thể xảy ra trong [khán giả] trong khi cũng tạo ra một câu chuyện vô cùng ấn tượng, cần thiết. Bạn đã trải nghiệm điều này như một nhà sử học về nhạc kịch và người yêu nhạc kịch: âm nhạc có thể rất tuyệt vời nhưng nếu chúng tôi không cùng nhau trong sự ôm ấp của một câu chuyện thực sự mạnh mẽ thì chúng tôi không cảm thấy mức độ hài lòng và hoàn thành mà chúng tôi muốn có. Nó hoàn toàn khác nếu bạn đi đến một buổi hòa nhạc và nghe tất cả những âm nhạc tuyệt vời này và bạn đang đứng lên, đi vệ sinh, đi đến quầy bar, nói chuyện với bạn bè của bạn. Đó là một môi trường hoàn toàn khác so với việc ngồi trên một chiếc ghế thường sẽ không cho bạn nhiều không gian cho chân. Bạn hơi không thoải mái, bạn đang ở trong một không gian tối. Thường thì, mọi người chỉ đến đó để ngủ, vì vậy điều gì sẽ khiến một người cảm thấy hơi không thoải mái, có thể buồn ngủ, và bị hạn chế thực sự ngồi ở mép ghế và phấn khích không chỉ với âm nhạc mà với câu chuyện đang giữ âm nhạc?
Lin hiển nhiên biết cách thực hiện điều đó. Anh ấy có một hồ sơ đáng tin cậy về việc thực hiện điều đó rất tốt. Và tôi rất thích việc anh ấy đã mời tôi tham gia để cùng xem điều mà tôi thấy trong tiềm năng [của Warriors] và những gì tôi có thể cung cấp mà anh ấy không thể thấy. Chúng tôi thường đùa trong tác phẩm này rằng đứa bé nhìn giống cả hai chúng tôi. Ban đầu, anh đã mời tôi làm người viết kịch bản, và anh sẽ viết nhạc và lời. Sau đó, khi sự cộng tác của chúng tôi diễn ra, tôi đã gửi anh những đoạn ghi âm giọng nói và nói, “Đây là một dòng bass,” “Đây là một sự phát triển hợp âm,” “Đây là một dòng synth,” “Đây là một điệp khúc”… Vì vậy, cả hai chúng tôi đã nhận ra rằng cả hai sẽ cùng thực hiện tất cả công việc. Nó chủ yếu được thể hiện bằng lời nói. Chúng tôi nhận ra rằng chúng tôi không nên cố gắng phân chia những công việc riêng của chúng tôi, rằng nó sẽ không được đóng gói trong từng phần. Chúng tôi sẽ cùng nhau thực hiện mọi việc [và] tạo ra mọi thứ. Đôi khi thật tốt khi có hai người vì tôi có thể rời đi và viết điều gì đó và anh ấy có thể rời đi và viết điều gì đó… và đó là tuyệt vời khi chúng tôi chạy lại với nhau, như “Nghe này! Nghe điều này nhé!”
Chúng tôi cả hai đều có quyền phủ quyết đối với những gì mà bên kia làm. Chúng tôi đã thực sự đến với nhau như một bộ não đơn lẻ tiếp cận dự án này. Bây giờ, làm việc với [đạo diễn] Jenny Koons, người là một nghệ nhân vô cùng tài năng và đã kết hợp toàn bộ đội ngũ sáng tạo của chúng tôi, đây là một khoảnh khắc rất thú vị khi mọi thứ bắt đầu trở nên ba chiều và luôn cố gắng duy trì sự liên kết với tầm nhìn của chúng tôi. Đôi khi nó sẽ không hoàn toàn giống như những gì chúng tôi tưởng tượng nhưng nó phải ở trong lĩnh vực đó. Nó phải cảm thấy như nó hoạt động từ mầm mống của tác phẩm và không thể chỉ là một thứ gì đó dường như sẽ là một điều thú vị để làm. Bột trộn phải hoàn toàn được kết hợp [thành] một hợp chất không có bất kỳ cục nào.
Đó là nơi mà chúng tôi đang ở hiện nay: [tìm hiểu] điều gì sẽ xảy ra khi mọi người đang nhảy múa, chiến đấu và hát. Làm thế nào để chúng tôi thực sự thực hiện tất cả những điều mà chúng tôi không phải lo lắng trong album? Chúng tôi đang trên tàu điện ngầm, chúng tôi đang bị một chiếc xe buýt đuổi theo, chúng tôi đang chạy từ Bronx đến Coney Island. Làm thế nào để chúng tôi mô tả tất cả điều này—hoặc không mô tả và gợi lên thay thế? Đó là những câu hỏi mà chúng tôi đang đặt ra.
Điều mà tôi đam mê và hào hứng là việc thực hiện tác phẩm—và trở lại với điều đó, sử dụng nguồn năng lượng cao mà tôi đã trải qua, [từ] việc ở trong thế giới của ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:||.
Có điều gì khác bạn muốn chia sẻ về ||:GIRLS:||:CHANCE:||:MUSIC:|| cho bất cứ ai đang cân nhắc đến Vineyard trước khi ngày 21 tháng 6 đến để xem nó?
Vài điều. Naomi Latta, người đóng vai Margot đã không biết chơi trống khi nhận vai này. Chúng tôi [đã hỏi], “Bạn có nghĩ rằng bạn có thể học được không?” Cô ấy đã nói có [và] cô ấy đã làm được. Điều đó khiến tôi phải ngạc nhiên. Điều đó cho thấy trình độ tài năng, sự cống hiến, sự tận tụy, tình yêu mà những diễn viên này dành cho tác phẩm này.
Một sự thật thú vị khác là khi tôi ở trong chương trình đó khi còn nhỏ, tôi đã sáng tác nhiều bản nhạc, và có một đoạn nhỏ trong một trong những tác phẩm mà tôi đã sáng tác trong vở kịch. Đó không phải là điều mà bất kỳ ai sẽ bắt gặp; đó là một điều như món trứng phục sinh mà chỉ có chúng tôi biết trong dàn diễn viên. Và Pam. Đó là trong một cảnh phòng tập. Gianna DiGregorio Rivera, người đóng vai Clementine, trên sáo, đang chơi một giai điệu nhỏ mà tôi đã viết khi tôi mới 13 hoặc 14. Điều đó thật thú vị khi có thể đưa vào đó.
Điều nữa mà tôi cảm thấy quan trọng để chia sẻ là âm nhạc tự nó không phải là điều mà mọi người thường thấy trên sân khấu nhà hát—và chắc chắn không phải trên sân khấu Broadway. Đây là loại âm nhạc mà bạn có thể nghe thấy ở một trường âm nhạc hoặc có thể tại một câu lạc bộ jazz. Chúng tôi gợi lên Esperanza Spalding [và] Craig Taborn. Vì vậy, có một thẩm mỹ khác trong âm nhạc so với những gì mà tôi nghĩ mọi người quen thấy trên sân khấu. Tôi nghĩ rằng điều đó rất được hoan nghênh và mọi người đang phản hồi lại điều đó. [Họ] rất thích âm nhạc và âm thanh đó và tôi đã rất hào hứng về điều đó.
Hãy đến xem tác phẩm và cảm nhận nguồn cảm hứng mà nó chứa đựng. Có một cảm giác thật sự phản chiếu mà tự nó xảy ra khi bạn xem tác phẩm. Và [với] một dàn diễn viên như vậy, đó là một khoảnh khắc trong thời gian mà tôi cảm thấy rất quý giá [vì] nơi họ đang ở trong sự nghiệp của mình. Tôi đã ngồi và trò chuyện với Hillary và Naomi tối qua và họ đã nói rằng điều này thật khó khăn với họ. Điều mà tôi thường nói với họ là: “Đừng ẩn giấu.” [Hillary đã nói] không ẩn giấu trong một phòng tập khi bạn đã bắt đầu làm quen với mọi người là một chuyện, nhưng sau đó không ẩn giấu khi ánh đèn chiếu vào bạn là một chuyện khác. Họ thực sự đã nhận thử thách đó. Chúng tôi đã nói rất nhiều về việc thực sự xé bỏ lớp da của bạn cho những nhân vật này. Câu chuyện này rất thô ráp, rất dễ bị tổn thương. Họ đang làm điều đó, và điều đó thực sự không phổ biến.
Chúng tôi đang ở New York và đang trải qua rất nhiều điều như một quốc gia và toàn cầu. Nếu bạn là một thanh thiếu niên queer da màu, bạn có rất nhiều điều thách thức đang chờ đợi bạn. Và để họ nói, tôi thực sự sẽ mở lòng và cho đi tất cả những gì tôi có, không có lớp bảo vệ đó, là một món quà thực sự mà các khán giả không phải lúc nào cũng nhận được. Và tôi hiểu tại sao mọi người lại giữ lớp bảo vệ. Tôi thực sự hiểu điều đó. Tôi nghĩ những gì mà chúng tôi đã có thể thực hiện chỉ đơn giản là tạo ra đủ một không gian dũng cảm cho nhau nơi chúng tôi có thể cung cấp mở lòng. Tôi mong muốn mọi người có thể trải nghiệm điều đó trong thời gian chúng tôi đang diễn.
Ảnh hưởng: Carol Rosegg
