Beschikbare Talen
Tegenwoordig lijkt het label "icoon" overal voor te komen. Maar voor kijkers die Legally Blonde in het begin van de jaren 2000 leerden kennen, was Elle Woods terecht een van de meest iconische vrouwelijke personages van dat era. Door genderstereotypen af te breken en zichzelf onbeschaamd te zijn, is Elle een sterke aanwezigheid in de popcultuur gebleven, en de nieuwe prequel series van Prime Video bewijst dat zij nog lang niet weg zal gaan.
Gespeeld door Reese Witherspoon in de originele film van 2001 en door Laura Bell Bundy in de Broadway musical van 2007, wordt het personage nu tot leven gebracht door Lexi Minetree. Met de titel Elle verkendt de dramedy van Prime de eerdere jaren van dit, inderdaad, icoon, terwijl zij de turbulente jaren van haar middelbare schooltijd navigeert. Harvard mag dan niet moeilijk zijn, maar middelbare school blijkt een grote uitdaging voor Elle, vooral als het zo ver weg is van het zonnige Californië.
De serie voert het personage mee naar de stad Seattle rond 1995, waar Elle zich voor het eerst in haar leven uit haar plaats voelt. Terwijl zij zich aanpast aan de nieuwe omgeving, ontdekt zij een sinister complot in haar gemeenschap, en probeert zij met behulp van nieuwe vrienden de schuldige op het spoor te komen, terwijl zij ook waardevolle lessen over zichzelf leert en over het soort persoon dat zij voor haar omgeving wil zijn.
We spraken met showrunners en schrijvers Laura Kittrell en Caroline Dries, die inzicht gaven in het schrijfproces, het creëren van achtergrondverhaal voor het geliefde personage en het vinden van de juiste toon voor de nieuwe serie. Alle afleveringen van seizoen één zijn nu te streamen op Prime Video.
Waarschuwing: Spoilers vooruit voor afleveringen zes en zeven.
Dit interview is ingekort voor duidelijkheid en lengte.
Er is duidelijk veel ander Legally Blonde-materiaal. Er is het originele boek, de films en vervolgens de stage musical. Waar haalde je uit bij het uitwerken van haar achtergrondverhaal? Was er iets dat misschien niet belangrijk is voor de gemiddelde kijker, maar dat je bijzonder inzichtelijk vond?
Laura Kittrell: De twee films, vooral de eerste film, waren onze gids. Ik ben erg vertrouwd met de musical, en onze cast zingt voortdurend ervan. Dat zeg ik je, dat speelde iets minder mee, maar ik ben er fan van. In de serie werken we de karakters van de ouders meer uit dan in de film.
In de boeken bezit het karakter Eva een kunstgalerie, wat we in de serie niet doen of verwijzen ernaar. Maar het zette wel een zaadje in mijn gedachten: "Wat zou het beroep van deze vrouw zijn? Wie zou zij zijn buiten haar huwelijk en haar rol als moeder?" Dat was een draad die we iets meer hebben gevolgd in termen van referenties die mensen niet noodzakelijk zouden kennen. Het is moeilijk omdat de fans van de film zo gepassioneerd zijn dat ik denk dat zij alles zullen weten.
Voelde je dat je continuïteit moest behouden, of had je vrijheid om dingen aan te passen? Hoeveel wist je dat je moest opnemen of wilde behouden?
Kittrell: We wisten dat we de film nooit tegen elkaar in konden zeggen. Het soort tightrope walking waar we in de serie mee bezig zijn, is dat we een karakter laten groeien over hopelijk veel seizoenen. Zij moet groeien, maar toch ook nog steeds een persoon zijn die in de film opnieuw kan groeien.
Iets waar we veel over hebben nagedacht was dat, omdat zij tiener is, zij niet noodzakelijk het vertrouwen heeft dat zij in de film heeft. In de film voelt zij zich er slecht aan dat mensen haar verkeerd beoordelen en gemeen zijn tegen haar, maar zij neemt het niet echt persoonlijk op en denkt: "Ben ik het soort persoon dat zij zeggen dat ik ben?" Zij gelooft het niet over zichzelf, maar als je tiener bent, neem je de dingen die mensen zeggen wel ter harte. Dus dat was iets wat we altijd dachten te kunnen verkennen, maar we hebben opzettelijk niets gedaan wat iets zou ongedaan maken dat in die eerste film gebeurt.
Qua toon is hier een balans tussen comedy en de meer dramatische aspecten. Hoe ben je op die toon terecht gekomen en hoe zag dat eruit toen je hem aan het ontwikkelen was?
Caroline Dries: De toon is lastig voor ons beiden. Het is noch een volledige straight comedy, noch echt droge drama. En dan heb je nog de YA-elementen waarbij dingen voor het eerst voelen, en het is inspirerend, en je hebt dit fish-out-of-water verhaal.
We wisten dat het, allereerst, een plot engine nodig had die acht afleveringen drama kon dragen en dat alle afleveringen deze emotionele diepte moesten hebben waarbij Elle een emotionele reis doormaakt en een diepgaande conclusie bereikt. We maakten ons minder zorgen over of het grappig of dramatisch was.
We dachten als volgt: "Wat zijn de menselijke dingen die kinderen op middelbare school meemaken, en wat zijn onze verhalen als volwassenen nu achteraf gezien? Wat heeft ons gevormd?" We putten uit de waarheid, en dan kun je het draaien en van die situaties erg grappig maken. Maar uiteindelijk is Elle een menselijk wezen dat door moeilijke dingen heen gaat.
Nu we seizoen twee hebben afgerond, weten we wat te ver is en wat gek voelt. Elle en Eva zijn soort de meest verheven karakters in de serie. Alles om hen heen moet gegrond zijn, anders raakt de trein de rails kwijt.
Terwijl je het seizoen aan het ontwerpen was, wat waren enkele verhaalkundig uitdagingen waar je bijzonder tevreden over was dat je ze hebt opgelost?
Kittrell: We hebben een centraal mysterie over het hele seizoen heen en we hadden veel verschillende schuldigen. Toen we eindelijk landden op degene die we hebben gekozen, was dat erg bevredigend. Er was ook aflevering zes, die we steeds "The Breakfast Club aflevering" hebben genoemd. We probeerden uit te zoeken hoe iedereen op hetzelfde moment op dezelfde plek kon zijn om samen te werken en dit mysterie op te lossen. Toen we dat in elkaar zetten dat zij opzettelijk besloten om zichzelf "Breakfast Club"-achtig in de school te zetten, was dat erg bevredigend voor ons om dat verhaal te vertellen.
Dries: We wilden ook een eerbetoon brengen aan de film en Elle als advocate zien in bepaalde zin. Dus het was belangrijk voor ons dat zij voor een groep mensen staat die haar onderschatten en zegt: "Eigenlijk, dit is wat er gebeurd is," en de stukjes aan elkaar passen.
Tegen aflevering zeven heeft zij dit Rubik's cube-achtige verzekeringsfraudeschema uitgewerkt en kan zij haar plan beknopt schetsen. Het was een groot moment voor ons om te onthullen. We wilden echt die Nokia-ringtone gebruiken, wat zo'n herkenbaar geluid van de '90s is, en dat "gotcha" moment hebben. Dus we hebben hard gewerkt om dingen op te zetten en dat naadje goed in te passen.
Kittrell: We hadden gewoon een lijst van '90s-dingen die we op een bepaald moment wilden proberen in te passen. En de manier waarop we erachter kwamen hoe Star 69 in te voegen was erg bevredigend.
Hoe ben je op Seattle als locatie van de serie terecht gekomen en welke elementen van de stad wilde je vastleggen, zonder al te veel in stereotypen te vervallen?
Kittrell: Het jaar 1995 hielp echt het Seattle-probleem op te lossen, wetende dat we haar een fish out of water wilden hebben, en gewoon naar een kaart van de Verenigde Staten kijkend en dachten: "Wat voelt anders dan Harvard?"
We hebben veel respect voor Seattle en Seattle van die tijd. Soms zouden we naar Seattle in de kamer verwijzen als "Seattle" tussen aanhalingstekens omdat je moet leunen in de stereotypen op dezelfde manier waarop we soms vrij agressief leunen in de Bel-Air en LA stereotypen.
Als we het nodig hadden voor de humor, moesten we in aanhalingstekens "Seattle" leunen, maar gewoon wanneer we eigenlijk de textuur van de plek hebben, wilden we authentiek zijn en het Seattle waar we van houden.
Er zijn hier geweldige Seattle-locaties, zoals Pike Place Market. Kun je erover vertellen hoe je die tot leven hebt gebracht?
Kittrell: Onze production designer, Lauren Kelsey, veranderde een kroegje in de Rainforest Cafe.
Dries: We hebben wel een B-roll unit in Seattle gaan filmen. Ze zijn daadwerkelijk naar Pike Place Market gegaan, dus we waren daar tenminste aan de buitenkant. De Carpet Mart-locatie was gebaseerd op een plek waar Laura mee opgroeide in Mississippi, maar ik voel dat die dingen in Seattle algemeen waren—een locatie die overdag voor het ene werd gebruikt en waar 's nachts een band speelde met partijen voor minderjarigen.
Onze openingssequentie vergelijkt opzettelijk Seattle en Bel Air momenten. We deden dat omdat we realiseerden dat in 2026 de jonge kijkers geen context hebben voor hoe Seattle eigenlijk in de '90s eruitzag omdat zoveel is veranderd in dezelfde esthetiek ongeacht waar je leeft. Het was belangrijk voor ons om het publiek een klein beetje op te voeden door dit soort saga cel van onze openingskredits. Dat was erg opzettelijk.
Foto credit: Prime Video
