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Heutzutage scheint das Label „Ikone“ überall zu sein. Aber für das Publikum, das Legally Blonde Anfang der 2000er Jahre kennenlernte, herrschte Elle Woods zu Recht als eine der ikonischsten weiblichen Figuren jener Zeit. Indem sie Geschlechterstereotype aufbricht und unverblümt sie selbst ist, ist Elle in den folgenden Jahren eine beständige Präsenz der Popkultur geblieben, und die neue Prequel-Serie von Prime Video beweist, dass sie so schnell nicht verschwinden wird.
Gespeilt von Reese Witherspoon im Originalfilm von 2001 und Laura Bell Bundy im Broadway-Musical von 2007, wird die Figur nun von Lexi Minetree zum Leben erweckt. Unter dem Titel Elle erforscht die Prime-Dramedy die frühen Jahre der, ja, Ikone, während sie sich durch die tückischen Gewässer ihrer Highschool-Zeit navigiert. Harvard mag nicht schwer sein, aber die Highschool stellt sich für Elle, besonders wenn sie weit entfernt vom sonnigen Kalifornien ist, als große Herausforderung dar.
Die Serie versetzt die Figur in die Stadt Seattle circa 1995, wo Elle sich zum ersten Mal in ihrem Leben fehl am Platz fühlt. Während sie sich an das neue Umfeld gewöhnt, entdeckt sie eine finstere Verschwörung in ihrer Gemeinde und versucht mit Hilfe neuer Freunde, den Täter aufzudecken, während sie auch wertvolle Lektionen über sich selbst und die Art von Person, die sie für ihren Kreis sein möchte, lernt.
Wir sprachen mit den Showrunnern und Autorinnen Laura Kittrell und Caroline Dries, die Einblicke in den Schreibprozess, die Entwicklung der Hintergrundgeschichte der beliebten Figur und die Tonalität der neuen Serie gaben. Alle Episoden der ersten Staffel sind jetzt auf Prime Video verfügbar.
Achtung: Spoiler für die Episoden sechs und sieben.
Dieses Interview wurde für Klarheit und Länge gekürzt.
Es gibt offensichtlich viele weitere Legally Blonde-Medien. Da ist das ursprüngliche Buch, die Filme und dann das Musical. Woraus habt ihr beim Ausarbeiten ihrer Hintergrundgeschichte geschöpft? Gab es etwas, das für den durchschnittlichen Zuschauer vielleicht nicht bedeutsam ist, für euch aber besonders aufschlussreich war?
Laura Kittrell: Die beiden Filme, besonders der erste, waren unser Leitstern. Ich kenne das Musical sehr gut, und unser Cast singt ständig daraus. Das hat zwar ein wenig Einfluss gehabt, aber ich bin auch Fan davon. In der Serie entwickeln wir die Charaktere der Eltern viel ausführlicher als im Film.
In den Büchern besitzt die Figur Eva eine Kunstgalerie, was wir in der Serie nicht aufgreifen oder erwähnen. Aber das hat in meinem Kopf die Frage aufgeworfen: „Was wäre der Beruf dieser Frau? Wer wäre sie außerhalb ihrer Ehe und ihrer Rolle als Mutter?“ Diesen Faden haben wir etwas stärker verfolgt in Bezug auf Referenzen, die den meisten Zuschauern wahrscheinlich nicht bewusst sind. Das ist schwierig, denn die Fans des Films sind so leidenschaftlich, dass sie fast alles wissen werden.
Habt ihr euch verpflichtet gefühlt, Kontinuität einzuhalten, oder hattet ihr Freiheit, Dinge anzupassen? Wie viel musstet ihr unbedingt einbeziehen oder bewahren?
Kittrell: Wir wussten, dass wir den Film niemals widersprechen dürfen. Das enge Gleichgewicht, auf dem wir mit der Serie wandeln, ist, dass sich die Figur möglichst über viele Staffeln hinweg entwickeln muss. Sie muss wachsen, aber gleichzeitig auch eine Persönlichkeit bleiben, die im Film später noch weiter wachsen kann.
Ein Thema, über das wir viel gesprochen haben, ist, dass sie als Teenager nicht zwangsläufig die Selbstsicherheit hat, die sie im Film zeigt. Im Film findet sie es zwar schlimm, dass die Leute sie falsch einschätzen und gemein zu ihr sind, aber sie nimmt es sich nicht wirklich zu Herzen oder fragt sich: „Bin ich die Person, für die sie mich halten?“ Sie glaubt es nicht von sich selbst. Aber als Teenager internalisiert man diese Dinge. Das war etwas, das wir unbedingt erkunden wollten, ohne dabei aber etwas zu tun, das dem Film widersprechen würde.
Vom Ton her balanciert die Serie zwischen Comedy und dramatischen Elementen. Wie habt ihr diesen Ton getroffen und wie sah der Entwicklungsprozess aus?
Caroline Dries: Der Ton ist für uns beide eine Herausforderung. Es ist weder eine reine Komödie noch ein trockener, ernster Drama. Es hat auch Elemente des Young Adult-Genres, in denen Dinge zum ersten Mal neu erlebt werden, sie aspirativ sind und eine Art „Außenseiter-Story“ erzählt wird.
Wir wussten, dass es eine starke Handlung braucht, die eine achtteilige Staffel tragen kann, und dass jede Folge eine emotionale Basis braucht, auf der Elle eine emotionale Reise macht und eine bedeutende Erkenntnis gewinnt. Ob es lustig oder dramatisch ist, war uns dabei weniger wichtig.
Wir haben uns gefragt: „Was sind die menschlichen Erfahrungen von Jugendlichen in der Highschool und was sind unsere erwachsenen Geschichten im Rückblick? Was hat uns geprägt?“ Daraus haben wir viel Wahrheit gezogen und manche Situationen humorvoll zugespitzt. Am Ende des Tages ist Elle aber ein Mensch, der harte Zeiten durchlebt.
Wir haben schon die zweite Staffel fertig und wissen nun genauer, was zu weit geht und wann es zu albern wirkt. Elle und Eva sind die am stärksten überhöhten Figuren in der Serie. Alles andere muss geerdet sein, sonst gerät das Ganze aus den Fugen.
Welche erzählerischen Herausforderungen habt ihr beim Schreiben der Staffel als besonders befriedigend gelöst empfunden?
Kittrell: Wir haben ein zentrales Mysterium, das sich durch die Staffel zieht, und hatten viele verschiedene Verdächtige. Als wir uns schließlich auf die richtige Person festgelegt haben, war das sehr befriedigend. Auch Episode sechs, die wir liebevoll „The Breakfast Club Episode“ nennen, war ein Highlight. Wir suchten einen Weg, alle Figuren an einen Ort zu bringen, damit sie zusammenarbeiten und das Geheimnis lösen – die Idee, dass sie sich absichtlich wie im "Breakfast Club" in der Schule einschließen, war für uns ein großartiger Erzählschachzug.
Dries: Wir wollten ebenfalls eine Hommage an den Film schaffen und Elle in irgendeiner Weise als Anwältin zeigen. Deshalb war es uns wichtig, dass sie vor einer Gruppe von Leuten aufsteht, die sie unterschätzen, sagt: „Tatsächlich ist folgendes passiert“ und die Puzzleteile zusammenfügt.
In Episode sieben hat sie das komplexe Thema Versicherungsbetrug entwirrt und kann ihren Plan klar darlegen. Das war für uns ein großer Moment. Wir wollten den Nokia-Klingelton benutzen – ein so vertrautes Geräusch aus den 90ern – für den großen „Erwischte dich“-Moment. Dafür haben wir lange gearbeitet und alles sorgfältig vorbereitet.
Kittrell: Wir hatten eine Liste mit 90er-Jahre-Elementen, die wir gerne einbauen wollten. Wie wir dann Star 69 eingebaut haben, war sehr befriedigend.
Wie seid ihr auf Seattle als Schauplatz der Serie gekommen und welche Aspekte der Stadt wolltet ihr einfangen, ohne zu sehr auf Klischees zu setzen?
Kittrell: Das Jahr 1995 hat uns sehr geholfen, die Frage nach Seattle zu beantworten, weil wir wollten, dass sie ein Fisch außerhalb ihres Wassers ist – einfach nur auf eine Karte der USA zu schauen und zu überlegen: „Was fühlt sich anders an als Harvard?“
Wir haben viel Respekt und Liebe für Seattle und gerade das Seattle jener Zeit. Manchmal nannten wir das „Seattle“ in Anführungszeichen, wenn wir im Raum über die Stadt sprachen, weil man schon zu gewissen Stereotypen greifen muss – ähnlich wie wir manchmal sehr bewusst Klischees über Bel-Air und LA ausspielen.
Wenn wir es für die Komödie brauchten, legten wir die „Seattle“-Anführungszeichen besonders stark an. Wenn es aber darum ging, eine echte Atmosphäre einzufangen, wollten wir authentisch sein und die Seattle zeigen, die wir lieben.
Es gibt tolle Seattle-Locations wie Pike Place Market. Könnt ihr etwas darüber erzählen, wie ihr die zum Leben erweckt habt?
Kittrell: Unsere Produktionsdesignerin Lauren Kelsey hat eine kleine Kneipe in das Rainforest Cafe umgewandelt.
Dries: Wir haben auch eine B-Roll-Einheit nach Seattle geschickt. Sie waren dort am Pike Place Market, also zumindest an Außenaufnahmen. Der Carpet Mart-Standort basiert auf einem Veranstaltungsort, mit dem Laura in Mississippi aufgewachsen ist – aber solche Locations gibt es in Seattle wie Sand am Meer. Veranstaltungen, die tagsüber etwas anderes sind und abends eine Band auftreten und Unter-18-Partys stattfinden.
Unser Vorspann kontrastiert gezielt Seattle und Bel Air. Das war uns wichtig, weil wir gemerkt haben, dass junge Zuschauer 2026 keine Vorstellung mehr haben, wie Seattle in den 90ern aussah, weil sich so vieles inzwischen zu einem einheitlichen Ästhetikstil verwandelt hat, egal wo man lebt. Wir wollten das Publikum durch diesen kleinen Saga-Cell-Effekt unseres Vorspanns ein wenig aufklären. Das war eine bewusste Entscheidung.
Foto-Credit: Prime Video
