인터뷰: '데이비드처럼 독특한 사람은 없다' — 애니-B 파슨이 말하는 《데이비드 번스 아메리칸 유토피아》 안무 작업

토론토 국제영화제에서 첫 선을 보인 지 5년 만에, 데이비드 번스의 아메리칸 유토피아가 8월 5일 단 하루 전국 극장에서 4K 버전으로 다시 상영됩니다. 스파이크 리(Spike Lee) 감독이 연출한 이 영화는 번스의 2018년 동명의 앨범을 바탕으로 한 “록 스펙터클” 콘서트 라이브 퍼포먼스를 기록한 작품입니다.

최근 우리는 애니-B 파슨, 아메리칸 유토피아의 안무가를 만나 이야기를 나누는 기회를 가졌습니다. 그녀가 처음 춤과 안무에 끌린 이유, 데이비드 번스 및 뮤지션들과 함께 완전한 안무가 들어간 콘서트를 만들며 경험한 점들, 그리고 쇼에서 가장 좋아하는 순간들에 대해 이야기했습니다.

안무에 이끌린 계기는 무엇인가요?

특정 사람들의 뇌에 존재하는 신비로운 측면, 제가 '안무적 사고방식'이라고 부르는 게 있다고 생각해요. 시각적 자료를 리듬감과 시각적으로 어떤 식으로든 조직하는 걸 사랑하는 거죠. 저는 항상 방을 빌려 사람들을 모아 다양한 모양으로 배치하고, 다른 옷을 입히며, 다양한 속도로 다른 동작을 하도록 했어요. 그때 ‘아, 나 진짜 안무가가 되고 싶나 보다!’라는 생각이 들었죠.

어떻게 해서 아메리칸 유토피아의 안무를 맡게 되었나요?

저는 데이비드 번스와 여러 해 동안 함께 작업해왔습니다. 그의 투어 공연과 록 쇼의 여러 부분에서 작업을 했고, 그는 저의 실험적인 무용 작업을 알게 되면서 첫 인연이 닿았죠. 번스는 무용과 연극의 실험적 영역에 깊이 관심이 있는 열렬한 관객이에요. 그는 제 작업을 보고 나서 저와 두 명의 다른 안무가를 초청해 브라이언 이노와 함께한 투어에서 몇 곡의 안무를 맡기기도 했습니다. 솔직히 말하면, 저는 토킹 헤즈의 엄청난 팬이었어요! 토킹 헤즈는 제 젊은 시절 미학에 큰 영향을 준 아티스트였거든요. 모든 사람에게는 세상을 바라보는 방식을 형성하는 아티스트가 있듯, 토킹 헤즈가 바로 저에게 그런 존재였어요. 어떤 의미에서 저는 안무를 시작한 순간부터 마음속으로 데이비드를 위한 안무를 만들어 왔던 셈입니다. 그래서 아메리칸 유토피아 작업을 할 당시에는 이미 그를 위한 여러 공연의 안무를 맡은 상태였죠.

아메리칸 유토피아를 위한 창작 과정에 대해 조금 말씀해 주시겠어요?

처음에 데이비드는 작품의 세계관을 대략 그려 놓았어요. 우리가 만드는 많은 것들이 어떤 것에 대한 거부, 반응 그리고 새로운 아이디어 수용의 과정입니다. 이런 맥락에서 그는 밴드 공연에서 흔히 보이는 어수선하고 어디에나 있는 무대 장치들을 거부했죠.

어느 정도 미니멀하고 시각적인 미학이고, 번스도 시각 예술가입니다. 그래서 그는 저에게 “무대에 아무것도 놓고 싶지 않아. 코드도, 마이크도, 플랫폼도 없을 거야. 모두가 이동 가능하고, 모두가 춤을 출 거야. 밴드 전원이 춤을 추면서 우리는 사각형 안에 있을 거야”라고 말했어요. 원래는 흰색 박스였지만, 실용적인 이유로 벽에 체인들이 설치되었고 그게 작품 내에서 엄청난 창의적 힘이 되었죠. 그 변화가 구상된 후 저는 “모두가 이동 가능하다면 전체 공연이 안무된 게 아니냐?”고 했고 그는 “맞아, 바로 그거야”라고 답했어요. 그렇게 시작되었죠!

쇼 전체가 안무됐다 하셨는데, 춤이 본업이 아닌 뮤지션들과 작업하는 건 어땠나요?

댄서들과 작업하는 것과는 상당히 다릅니다! 하지만 저는 수년간 많은 뮤지션과 작업해왔어요. 오케스트라, 행진 밴드, 오페라 등 어떤 형태든 다루었죠. 그래서 뮤지션과 작업하는 데 익숙하고 흥미를 느낍니다. 그들의 제한점을 좋아하고, 제 작업은 주로 저 자신의 거부감과 아이디어화에 기반합니다 — 구절 중심의 팝 댄스 세계를 거부하는 것이죠. 개인적으로는, 제 방에서 음악 데모를 들으며 시작했습니다. 공간, 형태, 선, 요약, 고립 같은 작곡적 요소들을 하나씩 분석하며 작업을 시작했어요.

가장 협업이 활발했던 부분 중 하나는 저와 롭 싱클레어 [조명 디자이너]였습니다. 작품을 만드는 전 과정을 통해 저와 롭은 조명과 안무가 어떻게 결합할 수 있을지 아이디어를 주고받았어요. 평생 조명 디자이너와 함께 작업해왔지만, 조명 디자이너와 함께 안무를 창조한 것은 이번이 처음입니다. 보통은 안무를 먼저 만들고 조명을 더하는 방식이었거든요. 이번에는 정말 즐겁게 다양한 시도를 했고, 할 수 있는 재미있는 것들이 무척 많았습니다!

스테이지 측면에서 나오는 빛을 활용한 “I Should Watch TV” 같은 곡의 안무는 어땠나요?

이 또한 작곡적인 아이디어였습니다! ‘데이비드를 무대 중앙이 아닌 왼쪽에 배치하면 어떨까?’라고 생각했죠. 록스타가 흔히 점유하는 무대 앞 중앙 위치를 거부하는 겁니다. 데이비드는 그런 위치에 집착하지 않아요. 저도 관심 없고요. 그걸 가지고 놀아보자는 거죠. 그는 그런 위치를 꼭 차지해야 한다는 느낌이 전혀 없는 드문 퍼포머입니다. 저는 이 아이디어를 세인트 빈센트 공연에서도 더 깊게 시도했어요. 거기서는 무대 앞 중앙에 그녀가 등장하는 게 공연 시작 후 30분이 되어서야 일어났죠. ‘좋아, 데이비드는 이번엔 무대 왼쪽에 있고 밴드는 어디 있을까? 움직이나?’ 이건 모두 이동성 문제에 관한 거죠. 밴드는 곡 내내 무대 오른쪽에서 왼쪽으로 움직이고, 도착하면 무슨 일이 벌어질지 고민하는 식으로 작업했습니다.

쇼 중 가장 좋아하는 안무 곡은 무엇인가요?

“Glass, Concrete & Stone”을 정말 좋아해요 — 너무 아름답거든요. 쇼 중반 즈음에 나오는 곡으로, 출연진들이 쇠사슬에 팔을 끼고 있는 장면이 있어요. 구성면에서 고립이라는 개념을 사용했죠. “Glass, Concrete & Stone”은 제가 데이비드가 꼭 쇼에 넣었으면 꿈꿨던 곡입니다. 제가 아직 안무를 직접 한 적은 없었지만요, 그가 제가 작업한 다른 쇼에서는 연주하지 않았거든요! 데이비드가 감정 표현에 대해 갖는 독특한 접근 방식이 저를 매료시켜요. 대부분 퍼포머가 무대 위에 마음을 쏟는 반면, 그는 조금씩만 표현하거든요. 그런데 그 노래에서는 그가 마음의 조각들을 드러내는 게 분명히 들립니다.

아메리칸 유토피아를 통해 관객들이 어떤 것을 얻어갔으면 하나요?

두 가지 매우 다르지만 묘하게 연결된 점을 바라고 있어요. 데이비드라는 예술가의 두뇌가 우리에게 음악이 될 수 있는 이미지에 대해 다르게 바라볼 것을 요구한다는 점이 마음에 듭니다.

그가 청중에게 음악을 다르게 상상하도록 요청하는 게 좋아요. 단순히 비트나 그런 것만 생각하지 말라는 거죠. 물론 그는 여러분이 춤추길 원하고 다 그런 걸 원하지만, 그가 저에게 콘서트의 모습에 대해 다시 생각할 자유를 준 것이 너무 좋았습니다. 그를 통해서만 음악 콘서트 형식에 대해 실험할 수 있다는 걸 배웠어요.

데이비드처럼 독특한 사람은 없습니다. 그는 진정한 시민 예술가이며, 그의 작업에 정치적 메시지를 가장 유기적이고 개인적인 방식으로 담아냅니다. 관객들이 그 점을 깊이 새겨주길 바랍니다. 

데이비드 번스의 아메리칸 유토피아가 8월 5일 영국에서 상영됩니다.

사진 출처: 데이비드 고든