Interview : « Il n’y a personne comme David » : Annie-B Parson sur la chorégraphie de DAVID BYRNE'S AMERICAN UTOPIA

Cinq ans après ses débuts au Festival international du film de Toronto, David Byrne’s American Utopia arrive dans les salles de cinéma du pays pour une seule soirée, le 5 août, cette fois en 4k. Réalisé par Spike Lee, le film est l’enregistrement d’une performance live du « spectacle rock » basé sur l’album de Byrne de 2018 du même nom.

Récemment, nous avons eu l’opportunité de discuter avec Annie-B Parson, la chorégraphe de American Utopia. Nous avons abordé ce qui l’a d’abord attirée vers la danse et la chorégraphie, ce que cela a représenté de travailler avec David Byrne et les musiciens pour créer un concert entièrement chorégraphié, ainsi que certains de ses moments préférés du spectacle.

Qu’est-ce qui vous a attiré vers la chorégraphie ?

Je pense que c’est cet aspect mystérieux de certains cerveaux que j’appelle « l’esprit chorégraphique ». C’est ce truc où les gens aiment organiser du matériel visuel d’une certaine manière, à la fois rythmiquement et visuellement. J’ai remarqué que je cherchais toujours à louer une salle et faire venir des gens pour les arranger en différentes formes, leur mettre des vêtements différents, leur faire faire des actions différentes à différentes vitesses. Je me suis dit : « Oh attends, je crois vraiment que je pourrais devenir chorégraphe ! »

Qu’est-ce qui vous a donnée envie de chorégraphier American Utopia ?

J’avais travaillé avec David Byrne pendant de nombreuses années. J’avais fait plusieurs de ses tournées, ses spectacles rock, et nous sommes entrés en contact parce qu’il connaissait mon travail dans le milieu de la danse underground. C’est un grand amateur de danse et de théâtre, particulièrement dans les domaines expérimentaux. Il avait vu mon travail et m’a invitée, ainsi que deux autres chorégraphes, à chorégraphier quelques-unes de ses chansons pour sa tournée réalisée avec Brian Eno. Et honnêtement, j’étais une immense fan des Talking Heads ! Talking Heads a été une énorme partie de mon esthétique de jeunesse. Tout le monde a un artiste qui façonne sa façon de voir le monde, et Talking Heads était définitivement le mien. En un sens, j’avais chorégraphié pour David dans ma tête depuis que j’ai commencé à chorégraphier. Donc, lorsque nous avons travaillé sur American Utopia, j’avais déjà chorégraphié plusieurs spectacles pour lui.

Pouvez-vous nous parler un peu de votre processus créatif, notamment pour American Utopia ?

Au départ, David a esquissé la vision qu’il avait du spectacle. La plupart de ce que nous créons est un rejet de certaines choses, une réaction à d’autres, ainsi qu’une réception de nouvelles idées. En ce sens, il rejetait le bazar omniprésent sur scène que les groupes avaient.

En quelque sorte, cela se traduit par une esthétique visuelle minimaliste, et lui-même est un artiste visuel. Il m’a donc dit : « Je ne veux rien sur scène. Pas de câbles, pas de micros, pas de plateformes. Tout le monde sera mobile, tout le monde dansera. Tout le groupe dansera, et nous serons dans une boîte. » Au départ, la boîte devait être blanche, mais elle est devenue une cage de chaînes sur les murs pour une raison très pratique, qui est devenue une force créative majeure dans le spectacle. Cette modification, il l’a esquissée, et je me suis dit : « Eh bien, si tout le monde est mobile, alors tout est chorégraphié, » et il a répondu : « Oui, c’est ce que nous faisons. » Voilà comment tout a commencé !

Vous avez mentionné que tout le spectacle est chorégraphié. Comment est-ce de travailler sur un spectacle comme celui-ci, surtout avec des musiciens qui ne sont pas forcément issus d’une formation en danse ?

C’est assez différent que de travailler avec des danseurs ! Mais j’ai collaboré avec beaucoup de musiciens au fil des ans. J’ai chorégraphié des orchestres, des fanfares, des opéras… Bref, de tout ! Donc je suis assez habituée et très enthousiaste à l’idée de travailler avec des musiciens. J’apprécie leurs limites, et mon travail tend à être dans mon propre sens du rejet et de l’idéation – un rejet du monde de la danse pop basée sur les phrases. J’ai commencé, à un niveau personnel, dans ma chambre, en écoutant les démos de la musique. J’ai d’abord exploré les éléments de composition comme l’espace, la forme, la ligne, la distillation, l’isolation, des choses comme ça.

Cependant, une des principales collaborations a été entre moi et Rob Sinclair [concepteur lumière]. Toute cette démarche de création s’est déroulée avec Rob et moi assis ensemble à jouer avec des idées sur comment la lumière et la chorégraphie pouvaient être liées. J’ai travaillé avec des concepteurs lumière toute ma vie, mais je n’avais jamais chorégraphié avec un concepteur lumière. En général, je chorégraphie d’abord, puis on ajoute la lumière. Nous avons pris beaucoup de plaisir à découvrir ce que nous pouvions faire – il y a tellement de choses amusantes !

Comment s’est passé la chorégraphie de morceaux comme « I Should Watch TV » basée sur cette lumière venant du côté de la scène ?

Eh bien, c’était une autre idée de composition ! Je me suis dit : « Et si David était sur la gauche de la scène plutôt qu’au centre ? » Encore une fois, un rejet de la position omniprésente en plein-devant que la rock star occupe toujours. David n’est pas intéressé par cela ; moi non plus. Si on jouait avec ça ? C’est un de ces artistes rares qui ne ressent pas le besoin de garder cette position. J’ai aussi exploré cette idée beaucoup plus en profondeur avec St. Vincent, dans un de ses shows où elle n’entrait pas au centre-devant avant la moitié du spectacle. Une fois décidé que David serait à gauche de la scène dans ce show, il fallait se demander : « Où est le groupe ? Bougent-ils ? » Là, il s’agit de locomotion. Le groupe bouge de la droite vers la gauche de la scène tout au long de la chanson, puis que se passe-t-il quand ils arrivent ?

Aviez-vous une chanson préférée à chorégraphier dans le spectacle ?

J’adore « Glass, Concrete & Stone » – c’est tellement beau. Elle arrive vers la moitié du spectacle où les artistes ont les bras à travers les chaînes. Encore une fois, compositionnellement, je travaillais sur l’isolation. « Glass, Concrete & Stone » est une de ces chansons dont je rêvais que David l’inclue dans le spectacle parce que je l’aime, mais que je n’avais encore jamais chorégraphiée puisqu’il ne l’avait pas jouée dans les shows sur lesquels j’avais travaillé ! La relation qu’a David à l’émotion dans l’écriture des chansons me fascine, et je pense que c’est très inhabituel parce que généralement, les artistes mettent tout leur cœur sur scène, alors que lui… Il nous donne seulement des petits bouts. Et c’est indéniablement une de ces chansons où on entend son cœur.

Qu’espérez-vous que le public retienne de American Utopia ?

Eh bien, il y a deux choses très différentes, mais peut-être étrangement liées. J’aime l’idée que le cerveau d’artiste de David nous invite à regarder différemment, à revoir ce que peut être une image de la musique.

Et j’aime qu’il demande au public d’imaginer la musique autrement, et pas seulement de s’attacher au rythme ou autre chose. Il veut bien sûr que vous dansiez et tout ça, mais j’adore la liberté qu’il m’a donnée pour repenser ce que pourrait être un concert. C’est seulement grâce à lui que j’ai appris à expérimenter avec la forme du concert musical.

Il n’y a personne comme David. C’est vraiment un artiste-citoyen, et il intègre la politique dans son travail de la manière la plus organique et personnelle. J’espère que le public prendra cela très au sérieux.

David Byrne’s American Utopia sera projeté au Royaume-Uni le 5 août.

Crédit photo : David Gordon