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1965, New York City. La storia d'amore tra Trevor Copeland e Arthur Brightman è illegale. Nel loro numero segreto da nightclub, "Midnight", eseguono canzoni d'amore in un atto di sfida contro un mondo che esige che rimangano nascosti. Mentre le tensioni crescono all'inizio di un movimento storico, Trevor e Arthur sono lacerati tra la loro relazione segreta e la tempesta imminente della rivoluzione sociale.
Cosa hanno pensato i critici?
Midnight at the Never Get sarà in scena al Menier Chocolate Factory fino al 12 settembre
Foto di: Johan Persson
Clementine Scott, BroadwayWorld: Lo stile metateatrale di Midnight sembra perfetto per qualcuno come Platt, che oltre ad essere eccezionalmente talentuoso e la voce più memorabile del teatro musicale della sua generazione, possiede una vocalità distintiva, ricca di vibrato, che può dividere il pubblico. Questo è uno show in cui può interpretare una sorta di caricatura di un performer esoterico ma noto, concedendosi al contempo il pieno potenziale emotivo della sua voce e il suo naturale tempismo comico nelle canzoni di Mark Sonnenblick.
Nick Curtis, The Standard: Qui c'è una tesi affascinante ma non del tutto nuova, che la cultura gay dovesse essere mascherata da camp o da ironia consapevole, che l'esagerazione fosse meno scioccante della sincerità. Ancora più interessante è la suggestione che l'impegno di Arthur per la sua arte lo porti a sacrificare la sua vita emotiva e a tradire Trevor. Mi domando con quale personaggio Sonnenblick, che ha scritto musica, libro brillante e testi, senta maggiormente simpatia?
Theo Bosanquet, WhatsOnStage: È soprattutto una vetrina superba per i talenti musicali di Platt, quel falsetto tremolante, così familiare da Dear Evan Hansen, messo abbondantemente a frutto in canzoni che forse non hanno un earworm memorabile, ma raccontano certamente la storia con stile. Mostra anche la sua padronanza della frivolezza e della comicità, in particolare nel numero “Boy in Blue”, su una storia d'amore con un poliziotto (“Non dimenticherò il suo numero, è il 911”), giocando sul fatto che l'omosessualità all'epoca fosse illegale. A un certo punto, la band (eccellente) viene svelata brevemente sul lato del palco mentre i due danzano con grazia intorno al pubblico; la coreografia di Lynne Page richiama l'età d'oro di Astaire e Kelly.
Tom Wicker, TimeOut: Man mano che lo spettacolo lascia sempre più chiari suggerimenti che stiamo assistendo a una revue che potrebbe non svolgersi necessariamente sul piano corporeo, la sua meta-teatralità e la rottura della quarta parete a volte si mettono contro se stesse. La cornice convoluta rischia di distogliere l'attenzione dal peso dolceamaro pungente della storia centrale. Fortunatamente, Cromer non perde mai di vista questo, mantenendo intimità, dubbio e rimpianto al centro mentre Trevor si aggira intorno a noi. È scivoloso, complicato e romantico come un ricordo doloroso.
Kate Wyver, The Guardian: Mentre l'oscurità permea la storia, iniziamo a comprendere le lacune temporali e di memoria del nostro narratore. Il regista David Cromer (The Fear of 13) mantiene l'intimità dello spettacolo con una messinscena semplice, con un piccolo trucco di magia – da mantenere segreto – che chiude i fili sciolti della storia, anche se l'impatto sarebbe più forte con un taglio. Midnight at the Never Get considera la musica sia come cuore spezzato sia come cura. Con un occhio a chi sta per entrare dalla porta, rivela cosa l'amore ti lascia quando tutto il resto è perduto: canzoni da cantare a squarciagola al ricordo di chi eri una volta.
Holly O'Mahony, The Stage: Al cuore di questa produzione c'è uno spettacolo magnificamente intimo – che cattura la sensazione di trovare un amore che sembra la tua metà mancante, per poi riversare il dolore che deriva dal perderlo. Ma la produzione di Cromer ci perde spesso, a causa dei salti temporali della storia. Rivelazioni significative sono emozionalmente sottovalutate, il che potrebbe far parte dell'interpretazione di Trevor, ma priva questi momenti della grandezza che normalmente il teatro musicale conferirebbe loro. Serve un po' di rifinitura.
Olivia Garrett, Radio Times: Parlando di Ben Platt. Penso sia giusto dire che grazie a lui, una sorta di magia aleggia su questo spettacolo. La sua performance è allo stesso tempo affascinante, adorabile, struggente e cruda. Con abilità oscilla la storia davanti al pubblico conducendolo lungo il percorso verso il climax, solo per renderci conto che lui non ha mai avuto il controllo di tutto. La sua voce è incantevole e perfettamente adatta a gestire lo stile vibrato tipico dei cantanti anni ’60 e il fascino ipnotico del ruolo deriva dal fatto che sembra assolutamente reale.
Marianka Swain, The Telegraph: Mark Sonnenblick, co-creatore delle canzoni coinvolgenti del mega-hit Netflix KPop Demon Hunters, offre un bellissimo pastiche del Great American Songbook in una colonna sonora che richiama Irving Berlin, George Gershwin e (l’inaspettatamente queer) Cole Porter attraverso ritmi swinganti e ballate nostalgiche. Ma il compositore di finzione Arthur (Gregor Milne) è un uomo fuori dal tempo. Disprezza la schiettezza delle nuove band rock come i Beatles, preferendo incorniciare il sentimento in scritture belle e controllate. Esita anche di fronte alla proposta di Trevor di unirsi alle manifestazioni di protesta. La sua forma di attivismo è legittimare il loro amore attraverso la canzone – almeno fino a quando una grande casa discografica gli offre fama in cambio di una modifica dei pronomi.
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