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1965, New York City. La storia d'amore tra Trevor Copeland e Arthur Brightman è contro la legge. Nel loro numero segreto in un nightclub, "Midnight", interpretano canzoni d'amore come atto di sfida a un mondo che chiede loro di restare nascosti. Mentre le tensioni crescono all'inizio di un movimento storico, Trevor e Arthur sono lacerati tra la loro relazione surrettizia e l’imminente tempesta della rivoluzione sociale.
Cosa hanno pensato i critici?
Midnight at the Never Get è in scena al Menier Chocolate Factory fino al 12 settembre
Foto credito: Johan Persson
Clementine Scott, BroadwayWorld: Lo stile metateatrale di Midnight sembra perfetto per qualcuno come Platt, che può essere eccezionalmente talentuoso e la voce più memorabile del teatro musicale della sua generazione, ma possiede una voce distintiva, vibrata, che può dividere le opinioni. Questo è uno spettacolo dove può interpretare una sorta di caricatura di un artista esoterico molto noto, indulgendo al contempo nel ricco potenziale emotivo della sua voce e nel naturale tempismo comico nelle canzoni di Mark Sonnenblick.
Nick Curtis, The Standard: Qui viene espressa una tesi affascinante ma non del tutto nuova: la cultura gay doveva essere celata sotto il camp o un'ironia consapevole; l'eccesso risultava meno scioccante della sincerità. Ancora più interessante è il suggerimento che l’impegno artistico di Arthur lo porti a sacrificare la vita emotiva e a tradire Trevor. Mi chiedo con quale personaggio Sonnenblick, che ha scritto musica, libro e testi spiritosi, simpatizzi di più?
Theo Bosanquet, WhatsOnStage: È, soprattutto, una vetrina superba per i talenti musicali di Platt, quel falsetto tremolante, così familiare da Dear Evan Hansen, ampiamente utilizzato in canzoni che potrebbero non avere un ritornello orecchiabile ma raccontano comunque la storia con stile. Mostra anche la sua maestria nel capriccio e nella comicità, in particolare nel numero “Boy in Blue”, su una storia d'amore con un poliziotto (“Non dimenticherò il suo numero, è il 911”), giocando sul fatto che l'omosessualità all’epoca era illegale. In un momento, la (eccellente) band viene brevemente mostrata sul palco laterale mentre la coppia danza con grazia attorno al pubblico: la coreografia di Lynne Page richiama l’età d’oro di Astaire e Kelly.
Tom Wicker, TimeOut: Man mano che lo spettacolo lascia sempre più indizi sul fatto che stiamo guardando una rivista che potrebbe non svolgersi necessariamente sul piano corporeo, la sua metateatralità e la rottura della quarta parete a volte ostacolano lo spettacolo stesso. L'incorniciatura complicata rischia di distogliere l’attenzione dal peso amaramente dolce della storia centrale. Fortunatamente, Cromer non perde mai di vista questo, mantenendo intimità, dubbio di sé e rimpianto al centro mentre Trevor si muove tra di noi. È scivoloso, difficile e romantico come un ricordo doloroso.
Kate Wyver, The Guardian: Man mano che l’oscurità si insinua nella storia, iniziamo a capire le lacune temporali e mnemoniche del nostro narratore. Il regista David Cromer (The Fear of 13) mantiene l’intimità dello spettacolo con semplicità, con un piccolo trucco di magia – da tenere segreto – che annoda i fili sciolti della storia, anche se il colpo allo stomaco sarebbe ancora più forte con un taglio. Midnight at the Never Get vede la musica come cuore spezzato e cura. Con un occhio rivolto a chi sta per entrare dalla porta, rivela cosa lascia l’amore quando tutto il resto è perduto: canzoni da cantare a pieni polmoni per ricordare chi eri una volta.
Holly O'Mahony, The Stage: Al centro di questa produzione c’è uno spettacolo meravigliosamente intimo – che cristallizza la sensazione di trovare un amore che sembra la tua metà mancante, prima di riversare il dolore che deriva dal perderlo. Ma la produzione di Cromer spesso ci perde, con la timeline della storia che salta continuamente. Rivelazioni importanti sono minimizzate emotivamente, il che potrebbe fare parte della recita di Trevor, ma nega a questi momenti la magnitudine che il teatro musicale di solito gli riserva. Serve un po’ di rifinitura.
Olivia Garrett, Radio Times: E arriviamo a Ben Platt. Credo si possa dire che, grazie a lui, una sorta di magia avvolge questo spettacolo. La sua interpretazione è al contempo affascinante, tenera, struggente e cruda. Sovrintende alla narrazione, guidando il pubblico verso il climax, solo perché poi ci rendiamo conto che non ne aveva mai il controllo. La sua voce è incantevole e perfettamente adatta a gestire lo stile vibrato tipico dei cantanti degli anni ’60 e la natura ipnotica del ruolo deriva dal fatto che sembra del tutto reale.
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