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1965, Nova Iorque. O romance entre Trevor Copeland e Arthur Brightman é contra a lei. No seu ato secreto de nightclub, "Midnight", eles interpretam canções de amor como um ato de desafio a um mundo que exige que permaneçam escondidos. À medida que as tensões aumentam no início de um movimento histórico, Trevor e Arthur são dilacerados entre o seu caso furtivo e a iminente tempestade de revolução social.
O que pensaram os críticos?
Midnight at the Never Get está em exibição no Menier Chocolate Factory até 12 de setembro
Crédito da foto: Johan Persson
Clementine Scott, BroadwayWorld: O estilo metateatral de Midnight parece perfeito para alguém como Platt, que pode ser extraordinariamente talentoso e a voz do teatro musical mais memorável da sua geração, mas possui uma voz distinta, carregada de vibrato, que pode dividir opiniões. Este é um espetáculo onde ele pode interpretar uma caricatura de um performer esotérico bem conhecido, ao mesmo tempo em que explora o potencial emocional rico da sua voz e o seu timing cómico natural nas canções de Mark Sonnenblick.
Nick Curtis, The Standard: Aqui é apresentada uma tese fascinante, embora não inteiramente nova, de que a cultura gay tinha que ser envolvida em camp ou numa ironia autoconsciente, onde o absurdo chocava menos do que a sinceridade. Ainda mais interessante é a sugestão de que o compromisso de Arthur com a sua arte o leva a sacrificar a sua vida emocional e trair Trevor. Pergunto-me com qual personagem Sonnenblick, que escreveu a música, o livro espirituoso e as letras, mais se identifica?
Theo Bosanquet, WhatsOnStage: Acima de tudo, é uma vitrine soberba para os talentos musicais de Platt, aquele falsete trémulo, tão familiar de Dear Evan Hansen, utilizado amplamente em canções que podem não ter um hit marcante, mas certamente contam a história com estilo. Ele também demonstra o seu domínio do humor e da comédia, notadamente no número “Boy in Blue”, sobre um romance com um polícia (“I won’t forget his number, it’s 911”), jogando com o facto de a homossexualidade ser ilegal na altura. Em dado momento, a banda (excelente) é brevemente revelada no lado do palco enquanto o par dança graciosamente ao redor do público, a coreografia de Lynne Page a evocar a idade dourada de Astaire e Kelly.
Tom Wicker, TimeOut: À medida que o espetáculo deixa cada vez mais explícito que estamos a assistir a uma revista que pode não estar necessariamente a decorrer no plano corpóreo, a sua metateatralidade e a inteligência em quebrar a quarta parede por vezes atrapalham-no. A estrutura complexa corre o risco de desviar o foco do peso doce-amargo e pungente da sua história central. Felizmente, Cromer não perde isso de vista, mantendo como centro a intimidade, a dúvida e o arrependimento enquanto Trevor vagueia à nossa volta. É tão escorregadio, complicado e romântico quanto uma memória dolorosa.
Kate Wyver, The Guardian: À medida que a escuridão infiltra-se na história, começamos a fazer sentido das lacunas do nosso narrador em tempo e memória. O realizador David Cromer (The Fear of 13) mantém a intimidade do espetáculo, mantendo as coisas simples, com um truque de mágica menor – que vale a pena manter em segredo – a fechar as pontas soltas da história, embora o golpe emocional fosse ainda mais forte com algum corte. Midnight at the Never Get vê a música como tanto desamor quanto cura. Com um olho em quem pode entrar pela porta, revela o que o amor deixa quando tudo mais se perde: canções para cantar a plenos pulmões à memória de quem você costumava ser.
Holly O'Mahony, The Stage: No cerne desta produção está um espetáculo maravilhosamente íntimo – que captura a sensação de encontrar um amor que parece a sua outra metade em falta, antes de derramar o sofrimento que vem de o perder. Mas a produção de Cromer por vezes perde-nos, também, com os saltos na linha temporal da história. Revelações significativas são subestimadas emocionalmente, o que pode fazer parte do ato de Trevor, mas nega a esses momentos a magnitude que o teatro musical geralmente lhes daria. Precisa de algum refinamento.
Olivia Garrett, Radio Times: Sobre Ben Platt. Creio que é justo dizer que, graças a ele, paira uma espécie de magia sobre este espetáculo. A sua atuação é simultaneamente charmosa, cativante, dolorida e crua. Ele maneja habilmente a história perante o público e conduz-nos pelo caminho até ao clímax, só para percebermos que ele nunca teve controlo sobre tudo. A sua voz é encantadora e perfeitamente apta para o vibrato típico dos cantores dos anos 60, e a natureza hipnotizante da personagem vem da sensação de total autenticidade.
Marianka Swain, The Telegraph: Mark Sonnenblick, que co-criou as canções cativantes do mega sucesso Netflix KPop Demon Hunters, fornece um pastiche magnífico do Great American Songbook numa partitura que faz referências a Irving Berlin, George Gershwin e (o secretamente queer) Cole Porter através de canções vibrantes e baladas saudosas. Mas o compositor fictício Arthur (Gregor Milne) é um homem fora do seu tempo. Ele critica a frontalidade das novas bandas de rock, como os Beatles, preferindo expressar sentimento através de escrita belíssima e controlada. Ele também rejeita a sugestão de Trevor de participarem em marchas de protesto. A sua forma de ativismo é legitimar o seu amor através da canção – pelo menos, até uma grande gravadora lhe oferecer fama se ele mudar os pronomes.
Média da Classificação: 77,5%
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