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1965, Nueva York. El romance entre Trevor Copeland y Arthur Brightman es ilegal. En su acto secreto de club nocturno, “Midnight”, interpretan canciones de amor como un acto de desafío a un mundo que exige que permanezcan ocultos. A medida que aumentan las tensiones al inicio de un movimiento histórico, Trevor y Arthur se debaten entre su aventura clandestina y la tormenta inminente de la revolución social.
¿Qué opinan los críticos?
Midnight at the Never Get se presenta en el Menier Chocolate Factory hasta el 12 de septiembre
Crédito de foto: Johan Persson
Clementine Scott, BroadwayWorld: El estilo metateatral de Midnight parece perfecto para alguien como Platt, que aunque es excepcionalmente talentoso y la voz más memorable del teatro musical de su generación, posee una voz distintiva cargada de vibrato que puede dividir opiniones. Este es un espectáculo donde puede interpretar una especie de caricatura de un intérprete conocido y esotérico, mientras explora el rico potencial emocional y el natural sentido cómico de su voz en las canciones de Mark Sonnenblick.
Nick Curtis, The Standard: Se plantea aquí una tesis fascinante pero no del todo nueva: que la cultura gay tuvo que estar oculta bajo un manto de camp o ironía autoconciente, y que lo escandaloso era menos impactante que la sinceridad. Más interesante aún es la sugerencia de que el compromiso de Arthur con su arte lo lleva a sacrificar su vida emocional y a traicionar a Trevor. Me pregunto con qué personaje simpatizará más Sonnenblick, que escribió la música, el ingenioso libro y las letras.
Theo Bosanquet, WhatsOnStage: Sobre todo, es una exhibición soberbia del talento musical de Platt, ese falsete tembloroso, tan familiar por Dear Evan Hansen, que se utiliza abundantemente en canciones que quizás no tengan un éxito pegadizo pero ciertamente cuentan la historia con estilo. También demuestra su dominio del ingenio y la comedia, especialmente en la canción "Boy in Blue", sobre un romance con un policía (“No olvidaré su número, es el 911”), jugando con el hecho de que la homosexualidad era ilegal en ese momento. En un punto, la (excelente) banda se revela brevemente en un lateral del escenario mientras la pareja baila con gracia alrededor del público, con la coreografía de Lynne Page que evoca la edad dorada de Astaire y Kelly.
Tom Wicker, TimeOut: A medida que el espectáculo lanza indicios cada vez más claros de que estamos viendo un revue que quizás no esté ocurriendo en un plano corporal, su metateatralidad y su ruptura de la cuarta pared a veces entorpecen el propio ritmo. El complicado encuadre corre el riesgo de distraer del peso agridulce y punzante de su historia central. Por suerte, Cromer nunca pierde de vista esto, manteniendo la intimidad, la duda personal y el arrepentimiento como elementos centrales mientras Trevor deambula entre nosotros. Es tan escurridizo, complicado y romántico como un recuerdo doloroso.
Kate Wyver, The Guardian: A medida que la oscuridad se infiltra en la historia, comenzamos a entender las lagunas temporales y de memoria de nuestro narrador. El director David Cromer (The Fear of 13) conserva la intimidad del espectáculo manteniendo las cosas simples, con un pequeño truco de magia –que vale la pena mantener en secreto– que cierra los cabos sueltos de la historia, aunque el golpe emocional sería aún más fuerte con un montaje más breve. Midnight at the Never Get ve la música como a la vez desamor y cura. Con un ojo puesto en quién está a punto de entrar por la puerta, revela qué es lo que el amor te deja cuando todo lo demás se pierde: canciones para cantar a pleno pulmón en recuerdo de quien solías ser.
Holly O'Mahony, The Stage: En el corazón de esta producción hay un espectáculo maravillosamente íntimo: uno que captura la sensación de encontrar un amor que se siente como tu otra mitad perdida, antes de derramar la miseria que trae perderlo. Pero la producción de Cromer a menudo nos pierde también, ya que la línea temporal de la historia salta. Las revelaciones significativas se presentan con poca carga emocional, lo que podría ser parte del acto de Trevor, pero niega a estos momentos la magnitud que el teatro musical normalmente les daría. Necesita algún afinamiento.
Olivia Garrett, Radio Times: Sobre Ben Platt. Creo que es justo decir que gracias a él, una especie de magia envuelve este espectáculo. Su interpretación es a partes iguales encantadora, entrañable, dolorosa y cruda. Maneja la historia con agilidad delante del público y los guía hacia su clímax, solo para que nos demos cuenta de que él no tuvo control en ningún momento. Su voz es encantadora y perfectamente capaz de manejar el estilo vibrato típico de los cantantes de los 60, y la naturaleza hipnotizante de su papel se debe a lo absolutamente real que se siente.
Marianka Swain, The Telegraph: Mark Sonnenblick, quien co-creó las pegadizas canciones del megaéxito de Netflix KPop Demon Hunters, ofrece un hermoso pastiche del Great American Songbook en un score que hace referencia a Irving Berlin, George Gershwin y (el secretamente queer) Cole Porter a través de canciones swing y baladas nostálgicas. Pero el compositor ficticio Arthur (Gregor Milne) es un hombre fuera de su tiempo. Critica la crudeza de las nuevas bandas de rock como los Beatles, prefiriendo expresar el sentimiento dentro de una escritura hermosa y controlada. También rechaza la sugerencia de Trevor de unirse a marchas de protesta. Su forma de activismo es legitimar su amor a través de la canción, al menos hasta que una gran discográfica le ofrece fama si solo cambia los pronombres.
Calificación promedio: 77.5%
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