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1965, New York City. Die Liebe zwischen Trevor Copeland und Arthur Brightman ist gegen das Gesetz. In ihrem geheimen Nachtclub-Act „Midnight“ singen sie Liebeslieder als Akt des Widerstands gegen eine Welt, die verlangt, dass sie verborgen bleiben. Während zu Beginn einer historischen Bewegung die Spannungen steigen, sind Trevor und Arthur hin- und hergerissen zwischen ihrer heimlichen Affäre und dem herannahenden Sturm der sozialen Revolution.
Was sagen die Kritiker?
Midnight at the Never Get läuft bis zum 12. September im Menier Chocolate Factory
Foto-Credit: Johan Persson
Clementine Scott, BroadwayWorld: Der metatheatrale Stil von Midnight scheint perfekt für jemanden wie Platt zu sein, der zwar außergewöhnlich talentiert und die unvergesslichste Musical-Stimme seiner Generation ist, aber eine markante, vibratolastige Stimme besitzt, die die Meinungen spalten kann. In dieser Show kann er eine Art Karikatur eines esoterischen, bekannten Künstlers spielen und gleichzeitig das reiche emotionale Potenzial und das natürliche komödiantische Timing seiner Stimme in Mark Sonnenblicks Songs ausleben.
Nick Curtis, The Standard: Hier wird eine faszinierende, wenn auch nicht ganz neue These vertreten, dass die schwule Kultur mit Camp oder selbstironischer Distanz umhüllt sein musste, und dass Ausgeflipptheit weniger schockierend war als Aufrichtigkeit. Noch interessanter ist der Vorschlag, dass Arthurs Engagement für seine Kunst ihn dazu bringt, sein emotionales Leben zu opfern und Trevor zu verraten. Ich frage mich, mit welchem Charakter Sonnenblick, der Musik, Buch und witzige Texte schrieb, wohl am meisten sympathisiert?
Theo Bosanquet, WhatsOnStage: Vor allem ist es eine hervorragende Bühne für Platts musikalisches Talent, sein bebendes Falsett, das man schon aus Dear Evan Hansen kennt, wird reichlich eingesetzt in Liedern, denen zwar möglicherweise ein prägnanter Ohrwurm fehlt, die aber die Geschichte stilvoll erzählen. Er zeigt auch sein Gespür für Laune und Komik, besonders in der Nummer „Boy in Blue“ über eine Romanze mit einem Polizisten („Ich vergesse seine Nummer nicht, sie lautet 911“), was darauf anspielt, dass Homosexualität damals illegal war. An einer Stelle wird die (exzellente) Band kurz an der Seitenbühne enthüllt, während das Paar anmutig um das Publikum tanzt – Lynne Pages Choreographie erinnert an die goldene Ära von Astaire und Kelly.
Tom Wicker, TimeOut: Da die Show immer stärkere Hinweise fallen lässt, dass wir eine Revue sehen, die nicht unbedingt auf der körperlichen Ebene stattfindet, gerät ihre metatheatrale und die vierte Wand durchbrechende Cleverness manchmal ins Stolpern. Der verschlungene Rahmen könnte vom herzzerreißend bittersüßen Kern der Geschichte ablenken. Glücklicherweise verliert Cromer dies nie aus den Augen und hält Intimität, Selbstzweifel und Bedauern im Mittelpunkt, während Trevor um uns herum wandert. Es ist so glitschig, schwierig und romantisch wie eine schmerzhafte Erinnerung.
Kate Wyver, The Guardian: Mit zunehmender Dunkelheit im Verlauf der Geschichte beginnen wir die Lücken im Zeitverlauf und Gedächtnis unseres Erzählers zu verstehen. Regisseur David Cromer (The Fear of 13) bewahrt die Intimität der Show durch Einfachheit, mit einem kleinen Zaubertrick – den es zu bewahren gilt –, der die losen Enden der Geschichte zusammenführt, auch wenn der emotionale Schlag umso heftiger käme, wenn man die Inszenierung etwas straffen würde. Midnight at the Never Get sieht Musik als Herzschmerz und Heilung zugleich. Mit einem Auge darauf, wer gerade durch die Tür kommt, zeigt es, was Liebe einem hinterlässt, wenn alles andere verloren ist: Lieder, die man laut singt zur Erinnerung an das, was man einmal war.
Holly O'Mahony, The Stage: Im Zentrum dieser Produktion steht eine wunderschön intime Show – eine, die das Gefühl einfängt, die Liebe zu finden, die sich wie die fehlende Hälfte anfühlt, und zugleich den Schmerz wiedergibt, sie wieder zu verlieren. Doch Cromers Inszenierung verliert uns oft, da die Zeitleiste der Geschichte hin und her springt. Bedeutende Enthüllungen werden emotional abgeschwächt, was vielleicht Teil von Trevors Inszenierung ist, den Momenten jedoch die emotionale Wucht nimmt, die das Musical ihnen üblicherweise verleiht. Hier besteht noch Bedarf an Feinarbeit.
Olivia Garrett, Radio Times: Kommen wir zu Ben Platt. Man kann wohl sagen, dass dank ihm eine Art Magie über dieser Show schwebt. Seine Darstellung ist gleichermaßen charmant, liebenswert, schmerzvoll und roh. Er hält die Geschichte geschickt vor dem Publikum und begleitet es auf dem Weg zu ihrem Höhepunkt, nur damit wir erkennen, dass er die Kontrolle darüber nie hatte. Seine Stimme ist bezaubernd und perfekt geeignet für den vibratolastigen Stil der Sänger der 60er Jahre. Die fesselnde Wirkung der Rolle entsteht daraus, dass alles vollkommen echt wirkt.
Durchschnittliche Bewertung: 77,1%
