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Drei Frauen, alle auf ihre Weise ohne Männer (das Stück wurde von einem Mann geschrieben, dem einst gefeierten Rodney Ackland, adaptiert nach einem Buch eines anderen Mannes, dem einst gefeierten Hugh Walpole) leben in einzelnen Zimmern. Die Herberge ist physisch ein Stück über den von Armut gezeichneten Pensionen, die einst die Straßen von Notting Hill säumten, aber die psychologische Entbehrung ist akut.
Es sind die hungrigen Dreißiger und obwohl sie nicht verhungern, geht das Geld zur Neige und es herrscht eine Einsamkeit und stille Verzweiflung, vermittelt durch die Ängste der unteren Mittelschicht, die an ihrer Seele nagen. Das Stück, angesiedelt in jener beunruhigendsten aller Zeiten für jene, die nirgendwohin gehen können - Weihnachten - ist ein psychologischer Thriller, dem jedoch die notwendige Psychologie und Spannung fehlt.
Die Schauspielerinnen tun, was sie können, mit dem pedantischen, veralteten Material. Julia Watson fängt die Verzweiflung einer Witwe, Mrs. Amorest, ein, deren Sohn im Ausland ist und daran arbeitet, sein Vermögen zu machen, und nicht auf ihre Briefe antwortet. Man kann förmlich spüren, wie ihr das Fehlen zu schaffen macht, während sie den Schmerz dadurch zu verbergen versucht, dass sie erfolglos, aber anständig, versucht, ihre Mitbewohnerinnen zu bemuttern, die beide, wie ihr Sohn, ständig mit einer unverdienten Vorschusslorbeeren bedacht werden. Amorest ist natürlich eine Verbindung der französischen Wörter für Liebe und Verbleiben, und man kann nicht umhin zu denken, dass sie feststeckt, blockiert im Leben durch eine Liebe, die bei ihr bleibt, aber nicht erwidert wird.
Catherine Cusack hat weniger, woran sie sich festhalten kann; ihre verängstigte Miss Beringer klammert sich an die Vergangenheit in Form eines riesigen Bernsteinklumpens, der von einem verlorenen Freund geschenkt wurde, und sehnt sich nach einem Hund, in den sie all die Emotionen hineinlegt, die besser einem Sohn oder einer Tochter gewidmet gewesen wären. Der Charakter fügt sich nicht wirklich zusammen, da sie ihre vorherige Unterkunft verlassen und eine beträchtliche Entfernung zurückgelegt hat, um ein Zimmer in einem Haus voller Fremder in einem für die Arbeitssuche unwahrscheinlichen Ort zu beziehen. Sie ist keine Närrin, nur eine Frau am Rande eines Nervenzusammenbruchs, aber weshalb ist sie dort, wo sie ist?
Den Sand im Schuh stellt Abigail Thaw als psychotische Agatha Payne dar, die sich zwei verbundene Ziele gesetzt hat: Miss Beringer unablässig zu schikanieren und sich den glänzenden Bernsteinklumpen zu verschaffen, um ihr Elsterverlangen nach glänzenden Dingen zu befriedigen. Mit einem Hauch von Cruella de Vil ist es fast unmöglich, die Rolle zu spielen. Wenn man es geradlinig angeht (wie in dieser Produktion), ist A Payne tatsächlich ein Schmerz, sowohl für uns als auch für ihre Mitbewohner. Wenn man es mit einer ironisch hochgezogenen Augenbraue angeht, besteht die Gefahr, in Lady Bracknell-Territorium abzudriften, wenn auch mit echter Böswilligkeit in Worten und Taten.
Aus irgendeinem Grund wird kaum versucht, drei Räume auf der Bühne zu schaffen, und es dauert eine Weile, bis man merkt, dass die Handlung nicht in einem gemeinsamen Salon stattfindet, sondern in den einzelnen Zimmern der Frauen. Warum diese Frauen keine Schlösser an ihren Türen haben oder zumindest ihre Ankunft ankündigen, ist schwer nachvollziehbar. Selbst die grausame Mrs. Payne hält sich bis zu einem gewissen Grad an soziale Konventionen - um so besser eine Grundlage zu haben, von der aus sie ihre übergriffigen Angriffe zu starten.
Ist das Stück unrettbar? Ich glaube nicht. Regisseurin Brigid Larmour hatte die gute Idee, die Handlung auf das Jahr 1935, das Jahr der Erstaufführung des Stücks, zu verlegen, aber mit Sicherheit hätte es adaptiert und in der Gegenwart angesiedelt werden sollen. So würden Themen wie Einsamkeit und Isolation im Alter, die Auswirkungen von zerbrochenen Kernfamilien, die Ursachen von Mrs. Paynes Empathiemangel, der für mein ungeschultes Auge wie unerkannter Autismus wirkt, in den Vordergrund treten.
Es ist frustrierend zu sehen, wie viele aktuelle Themen durch ein langsames Tempo, Karikaturen anstelle von Charakteren und eine Festhaltung an einem Text, der vor sicherlich 30 Jahren bei seiner letzten Aufführung auf einer Londoner Bühne abgelaufen war, nahezu unsichtbar werden. Insofern ist es ein seltener Fehltritt für ein Haus, das so oft lang vernachlässigte Juwelen gefunden und für unser Vergnügen poliert hat.
Die alten Damen im Finborough Theatre bis zum 19. April
Foto-Bilder: Carla Joy Evans