Interview: Sydney James Harcourt erfindet Rum Tum Tugger neu

In dem Moment, in dem Sydney James Harcourt als Rum Tum Tugger in CATS: THE JELLICLE BALL ins Rampenlicht tritt, steigt die Temperatur im Broadhurst Theatre. Das Publikum schreit und die Fans klappern. Harcourts Tugger schleicht sich durch den Raum wie ein Rockstar, der eine Arena bespielt, nicht wie ein Broadway-Star. Und diese Energie ist völlig absichtlich.

Harcourts Interpretation von Tugger lehnt die traditionell campige, Elvis-nahe Darstellung ab, die viele Zuschauer mit CATS verbinden. Stattdessen schöpft seine Performance aus Prince, George Michael, Ballsaalkultur, Nachtleben und zeitgenössischer Popkonzert-Ästhetik, um etwas zu schaffen, das radikal aktuell wirkt. Es ist Schwung ohne Entschuldigung. Sexualität ohne Scham. Und vielleicht am wichtigsten ist eine Version von Broadway, die sich weigert, in der Vergangenheit gefangen zu bleiben.

Jetzt, im 9-fach Tony-nominierten Revival, sieht Harcourt die Produktion als mehr als nur eine Neuerfindung von Andrew Lloyd Webbers skurrilem Musical. Für ihn ist es der Beweis, dass der Broadway sich weiterentwickeln kann, wenn er die Kunstfertigkeit, die Freude und die kulturelle Sprache annimmt, mit denen das Publikum bereits außerhalb der Theaterwände beschäftigt ist. „Mein Interesse an New Yorker Musicaltheater war immer: Warum ist es immer noch so steif?“ sagt Harcourt. „Warum spiegelt es nicht wider, was jetzt im Entertainment passiert?“

Vor seinem Engagement in der Produktion war Harcourts Beziehung zu CATS überraschend begrenzt. „Die einzige Beziehung, die ich vor dieser Produktion zu CATS hatte, war das Sehen von Fernsehwerbungen,“ erinnert er sich. „Die großen blinzelnden Augen und so weiter.“ Darüber hinaus war seine stärkste Assoziation mit „Memory“, dem charakteristischen Lied des Musicals. „Ich kannte Barbra Streisands Interpretation von ‚Memory‘,“ verrät er. „Aber ich hatte kein echtes Wissen über die größere Bedeutung im Kontext der Show.“

Seine frische Perspektive wurde zu einem Vorteil, als er erfuhr, dass dies keine traditionelle Produktion von CATS sein würde, sondern eine von Ballsaalkultur durchzogene Neuerfindung. „Meine Agenten riefen an und sagten: ‚Hey, wir haben ein Vorsprechen für dich für CATS, aber hör mir zu, sie setzen es in die Welt eines Harlem-Balls‘“, erinnert sich Harcourt. „Ich sagte: ‚Ihr habt meine Aufmerksamkeit.‘“

Je tiefer er in das kreative Team eintauchte, desto unvermeidlicher fühlte sich das Projekt an. „Sobald ich wusste, dass Omari Wiles und Arturo Miyake-Mugler [auch bekannt als Arturo Lyons] die Choreografen waren, war das der entscheidende Punkt für mich,“ sagt er.

Für Harcourt war Ballroom kein unbekanntes Terrain. Obwohl das Publikum ihn hauptsächlich durch Theater, Fernsehen und Film kennt, offenbart er, dass das New Yorker Nachtleben und queere Performance-Räume immer grundlegend für seine künstlerische Identität waren. „Ich bin hierher gezogen, als ich ein Teenager war und habe sofort angefangen, Clubs zu besuchen,“ erklärt er. „Ich war tief in das Clubleben von New York City eingetaucht.“

Diese Immersion ins Nachtleben führte ihn lange vor der Existenz des THE JELLICLE BALL zur Ballsaalkultur. „Meine ersten Begegnungen mit Ballroom waren wirklich auf den Tanzflächen von New York um 2:00 Uhr nachts,“ sagt er. Darüber hinaus entschloss sich Harcourt, um seinen Charakter in dieser Produktion voll zu verkörpern, Ballroom zu studieren und war in den letzten zwei Jahren sogar Mitglied des House of Oricci.

Dennoch blieb viel von diesem Teil Harcourts innerhalb der Branche verborgen. „Es gibt einen Teil von mir, den die Musicaltheater-Welt bis jetzt nie gekannt hat,“ gesteht er. „Man tritt nicht in Vorsprechen in das, was traditionell die sehr steife Welt des Musicaltheaters ist, und telegraphiert erst einmal, dass man für die meisten Projekte schwul ist,“ fügt er hinzu. „Für jemanden, der wie ich aussieht, suchen sie besonders nicht nach einem maskulinen Schwulen. Sie suchen nach einem heterosexuellen Mann.“

Für Harcourt stellt CATS: THE JELLICLE BALL eine längst überfällige Evolution dar. „Das fühlte sich so an, als würde es diese Gelegenheit bieten,“ erklärt er. „Teil von etwas zu sein, das das Genre vorantreibt.“ Diese Philosophie fließt direkt in seine einzigartige Interpretation von Rum Tum Tugger ein. Harcourts Version bewahrt den Charisma und die offensichtliche Sexualität, während sie Tugger auch in der modernen Pop-Performance und den Ästhetiken des Ballsaals verwurzelt.

„Das Team wollte, dass er nicht nur auf einem Pop-Idol wie Usher, Prince oder George Michael basiert,“ erklärt er, „sie wollten auch, dass er sichtbar bisexuell ist.“ Das schuf eine faszinierende Spannung im Kontext der „Realness“-Kategorien des Ballsaals, die häufig hyper-performte Männlichkeit belohnen. „Wie kann jemand, der sichtbar bisexuell ist, eine Realness-Kategorie aufrechterhalten und gewinnen?“ erinnert sich Harcourt, dass er sich fragte.

Die Antwort wurde letztendlich Selbstbewusstsein. „Und das ist die Kraft von Tugger, dass er sich nicht darum kümmert, was du denkst,“ weist Harcourt darauf hin. Diese unerschütterliche Energie ist zu einem der charakteristischen Merkmale seiner Performance geworden. „Das Publikum kümmert sich nicht,“ sagt er mit einem breiten Lächeln. „Sie reagieren auf Tugger's absolute Selbstsicherheit in dem, was er da draußen serviert.“

Musikalisch nähert sich Harcourt der Rolle weniger wie einem traditionellen Broadway- und mehr wie einem zeitgenössischen Popkonzert. „Ich gebe da draußen ein Popkonzert,“ sagt er unverblümt. Dieser Ansatz prägt jede vokale Entscheidung, die er trifft. „Pop-Sänger gehen nicht da raus und singen mit ihrer vollen Stimme,“ erklärt er. „Sie streicheln dein Ohr mit dem Mikrofon.“

Um Tugger's Stimme zu finden, durchdringt Harcourt die Partitur mit klanglichen Referenzen, die das Publikum instinktiv erkennt. „In dem Lied ‚The Rum Tum Tugger‘ ist viel Prince drin,“ bemerkt er und zeigt, wie er Princes Artikulationsmuster und hörbares Atmen einbezieht, indem er ein paar Zeilen a cappella singt.

Diese Entscheidungen sind gleichermaßen über Zugänglichkeit wie Kunstfertigkeit. „Ich versuche, ein neues Publikum in dieses Theater zu bringen, das weiß, wie echte Popmusik klingt, weil es sie jeden Tag hört,“ verrät er. Er veranschaulicht dies mit ein paar Zeilen von „Mr. Mistoffelees“, in dem er aufzeigt, wie er Intonationsmuster aus dem Soul- und R&B-Klassiker „Son of a Preacher Man“ für diese Nummer übernommen hat.

Aber über den Schwung und die Sexualität hinaus war Harcourt auch entschlossen, Tugger's emotionale Kern zu enthüllen. „Ich denke, ein Teil davon, was ich wirklich über Tugger zeigen wollte, ist, dass er sich um die anderen Katzen kümmert,“ erklärt er. Diese Menschlichkeit kommt in ruhigeren Momenten während der Show zur Geltung, besonders wenn er sich während „Gus: The Theatre Cat“ mit Sillabub kuschelt und in Tugger's Beziehung zu Mistoffelees. „Er liebt Mistoffelees so sehr und ist bereit, als dieses maskuline Archetyp verletzlich genug zu sein, um ihn vor allen zu küssen,“ sagt Harcourt.

Ebenso beeinflusst Grizabellas Erlösungsbogen Tugger tief. „Er sieht die wahre Macht der emotionalen Verletzlichkeit,“ sagt Harcourt über Tuggers Beobachtungen von Grizabella, die zum Ball zurückkehrt. Und diese Emotionalität wurde während der Broadway-Übertragung noch ausgeprägter. „Die Geschichte der Transfemme-Ermächtigung ist jetzt wirklich mehr im Stück zentriert,“ erklärt er und verweist auf die Art und Weise, wie Leiomy’s Macavity, Garnet Williams’ Bombalurina und Bebe Nicole Simpsons Demeter alle „Tempress“ Chastity Moores Grizabella aufgrund ihrer gemeinsamen Erfahrungen als trans Frauen im Ballroom ermutigen und umarmen.

Nach Harcourts Ansicht verstärkt die Broadway-Bühne auch das gemeinschaftliche Erlebnis des Balls selbst. „Irgendwie ist es sogar noch freudiger,“ verrät er. Ein Teil davon kommt von Rachel Haucks immersivem Design, das die Zuschauer direkt auf die Bühne bringt. „Du kannst die Menschen im Publikum als Teil der Show beobachten,“ erklärt er. „‘Schau dir an, was die da auf der Bühne trägt,‘ ‚Oh mein Gott, sie schläft ein,‘ oder ‚Oh, schau, sie klappert so heftig mit ihrem Fächer.‘“

Diese immersive Elektrizität beflügelt seine Performance, selbst wenn die Erschöpfung einsetzt. „Wenn du im Zentrum von 1.200 Leuten stehst, die dir die Köpfe ab schreien, muss diese Art von Energie irgendwohin gehen, und sie geht in mich hinein,“ sagt er. Dennoch erfordert es Disziplin, Tuggers unermüdliche Körperlichkeit aufrechtzuerhalten. „Ich trinke nicht, ich rauche nicht, ich mache nichts, was das, was ich nachts zu tun habe, beeinträchtigen könnte,“ gesteht Harcourt. „Ich mache sehr intensive Akupunktur, wie elektrisiert zu werden und all das, wahrscheinlich zweimal pro Woche. Ich dehne, ich sitze jeden Tag vor der Show in der heißen Wanne, ich rolle mit einem Schaumroller und all das, um diese Körperlichkeit für 8 Shows pro Woche zu erhalten.“

Bei all dem Spektakel und der Theatralik glaubt Harcourt, dass die wahre Errungenschaft der Show darin liegt, dass sie vorgefasste Meinungen über CATS selbst herausfordert. „Es gibt eine allgemeine Wahrnehmung, dass CATS cringe ist,“ sagt er. Aber diese Version zerschmettert diese Annahme völlig. „Es gibt eine Menschlichkeit darin. Es gibt eine Geschichte, und es gibt so viel Feiern von Freude.“

Für Harcourt ist diese Freude nicht oberflächlich. Sie ist transformativ. „Du wirst eine unaussprechliche Freude erleben, wie du sie in keiner Produktion von irgendetwas zuvor erlebt hast,“ sagt er. Und in einem kulturellen Moment, der zunehmend von Spaltung und Angst geprägt ist, könnte diese Art von Freude genau das sein, was Broadway und das Publikum am meisten brauchen.

Karten und weitere Informationen sind verfügbar unter https://catsthejellicleball.com/

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