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Räumt Platz für Punchdrunk: das längste laufende immersive Drama der Welt ist im Vereinigten Königreich angekommen. In einem unisex Friseursalon setzt
Zu einer Zeit, in der viele neue Stücke nur für Wochen oder vielleicht Monate vor einem zahlenden Publikum aufgeführt werden, ist es wirklich mind-boggling zu bedenken, wie oft Paul Pörtner’s Werk von 1963 bereits aufgeführt wurde. Es wurde in achtzehn Ländern aufgeführt, wobei die Vereinigten Staaten besonders von der Adaption von Marilyn Abrams und Bruce Jordan begeistert sind. Im John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington lief eine Produktion fast 15.000 Aufführungen lang und wurde erst letzten Monat geschlossen, nachdem Präsident Trump die Schließung des Veranstaltungsortes vorgeschlagen hatte; in London wurden nur Das Phantom der Oper, Les Misérables und Die Mausfalle häufiger aufgeführt. Unterdessen lief eine andere Version in Boston ab 1980 vierzig Jahre lang, bis Covid 2020 zur Schließung zwang.
Innerhalb von Alex Markers buntem Bühnenbild treffen wir zuerst die Friseure Tony Whitcomb (Daniel Cane) und Barbara McMarley (Rosaleen Burton), die sich um ihre Kunden kümmern. Nick O’Brien (ein ausgezeichneter Paul O’Neill) liegt ungeduldig zurück und erwartet eine Rasur, die nie kommt. Die wohlhabende Mrs. Shubert (Natalie Ogle) sitzt geduldig unter einem Haartrockner und schaut gelegentlich zu Edward Lawrence (Jonathan Markwood) hinüber, der auf einer Seite mit seiner Aktentasche fest umklammert sitzt. Vielleicht wartet er auf seinen Turnus. Vielleicht auch nicht.
Oben im Salon spielt die unsichtbare Isabel Czerny laut Klavier zur Bestürzung von Tony. Als die Geduld des schwulen Friseurs schließlich reißt, geht er nach oben, um zu protestieren; kurz darauf wird die bekannte Musikerin tot aufgefunden, und die Mordwaffe ist ein Paar Friseurscheren. An diesem Punkt enthüllt O’Brien, dass er ein Polizist ist und mit seinem jungen Partner Mike Thomas (Gwithian Evans) seine Ermittlungen mit der Hilfe des Publikums aufnimmt.
Und hier kommt das Publikum hinein: die Teilnahme und das Interaktionselement. Wie bei Neil Kelsos überlegener Mordgeschichte Dead On Time (das über vier Stunden in einem Zug durch die Landschaft von Kent spielt), können die Zuschauer die Verdächtigen nach Belieben befragen. Wie fest entschlossen war Tony, Isabels Spiel zu beenden? War Barbaras Beziehung zur Pianistin rein platonisch? Was befindet sich in Edwards geheimnisvoller Aktentasche und warum schien er Barbara so körperlich nahe zu sein?
Die gestaffelten, halbkreisförmigen Sitzgelegenheiten ermöglichen es dem großen Publikum, sich wirklich einzulassen und engagiert zu fühlen. Ähnliche Shows wie das langlaufende Jury Duty oder das kürzlich erschienene Alibi: Dead Air finden in kleinen Räumen statt und haben daher eine intensivere und intimere Atmosphäre, aber sie fehlt das freundlichere und lokalere Gefühl von Shear Madness. Und dieses lokalisierte Gefühl ist ein Schlüsselelement der Anziehung des Stücks. Das Skript ist voller verbaler Anspielungen auf benachbarte Viertel und die bekannteren Persönlichkeiten der Gegend, O’Neill trägt stolz sein Reading FC Fußballtrikot und es gibt zahlreiche weitere Hinweise, die auf der Bühne verstreut sind.
Viele der Mängel des Stücks liegen im Ausgangsmaterial. Die Charaktere sind alle bewusst dünn (an einem Punkt ruft Tony: "Ich bin kein Stereotyp. Ich bin ein Prototyp!"), die Handlung ist vorhersehbar und das gesamte Setup hängt von dem interaktiven Element für seinen Erfolg ab. Hughes tut, was sie kann, um mit dem Ansatz umzugehen, und fügt süße immersive Akzente rund um das Veranstaltungsort hinzu: Eisverkäufer sind als Polizisten verkleidet und Tatort-Bänder schmücken die Wände. Ihre Hände sind jedoch gebunden, wenn es darum geht, dieser abgedroschenen Komödie ein modernes Gefühl zu verleihen, selbst mit jedem erdenklichen Aspekt des Zeitgeists – die Hochzeiten von Taylor Swift, die US-Weltmeisterschaft und der rechtsgerichtete Kommentator Katie Hopkins – hineingequetscht. Eine nie endende Flut uralter Witze und Wortspiele ("Du kannst Tony nicht glauben – er ist ein genitaler Lügner!") wird dich entweder zum Lachen bringen oder dir die Ohren abreißen wollen.
Pörtner nannte das Werk, für das er am bekanntesten sein würde, Scherenschnitt oder Der Mörder sind Sie, ein Titel, in dem beide Teile doppelt gezählt werden. Ein Scherenschnitt bezieht sich auf eine Papiersilhouette, bedeutet aber wörtlich "ein Scherenschnitt": ein Teil verweist auf den Mörder, dessen Identität bis zum Ende ein Geheimnis bleibt (sogar für die Darsteller); der andere darauf, wie das unsichtbare Opfer ihr blutiges Ende findet. Der zweite Teil ist noch direkter: Der Mörder sind Sie übersetzt sich in "der Mörder sind Sie", wobei das Plural Sie uns mitteilt, dass es nicht nur einen Verdächtigen auf der Bühne gibt, sondern eine ganze Laden voller von ihnen. Abrams' und Jordans englische Umbenennung in Shear Madness hält das Wortspiel am Laufen, tauscht jedoch Pörtner’s leise bedrohliches Wortspiel gegen einen kitschigen Namen aus.
Und wenn der Titel allein nicht ein mentalen Auslöser für eine Lawine ähnlicher Wortspiele ist, dann ist dieses Stück vielleicht nicht für dich. Ist dieses Spiel haarsträubend? Überhaupt nicht. Sind die Tickets ein absolutes Schnäppchen? Basierend auf den Preisen im West End, sind sie nicht zu schlecht. Ist Shear Madness eine Klasse für sich? Kaum, aber sobald die Kerndramaturgie erledigt ist, gibt es dennoch viel Spaß zu haben.
Shear Madness läuft bis zum 15. August.
Foto: Pamela Raith Photography
