Talia Suskaurer plonge dans son dernier rôle dans A WALK ON THE MOON

Je n'ai pas eu de processus d'audition. Max Beer, qui travaille pour Hendel Productions, est un très vieux ami à moi depuis French Woods. Nous étions enfants au camp d'été ensemble et il est devenu producteur. Il est impliqué dans le spectacle depuis des années à travers Hendel Productions. Je ne savais pas mais dans son esprit, il se disait : Wow, quand Talia atteindra l'âge, elle serait parfaite pour ce rôle.

J'ai fait la tournée de Parade l'année dernière et Max m'a envoyé un message pour me faire savoir qu'il et ses supérieurs venaient voir le spectacle à Chicago. Je ne savais pas que c'était un voyage de reconnaissance [mais c'en était un]. Ils sont venus voir le spectacle et me rencontrer. C'était vraiment Max qui disait : Je pense qu'elle serait parfaite pour Pearl quand nous avancerons avec cela. Heureusement, ils ont pensé la même chose et donc j'ai été invitée à faire une lecture du spectacle en septembre. Ensuite, nous avons fait une autre lecture en janvier et ils nous ont dit que nous allions passer à une production. C'était très cool.

En dehors de la recherche sur les camps d'été historiques, avez-vous fait d'autres recherches sur la période où se déroule le spectacle ? Avez-vous regardé l'alunissage ? Y a-t-il eu autre chose qui est entrée dans votre recherche pour la pièce ?

J'ai fait beaucoup de recherches familiales, ce qui a été cool. [J'ai exploré] le style et la façon dont les gens parlaient à l'époque. [Je voulais savoir] ce que Pearl et les femmes de sa génération auraient fait. Nous jouons au Mahjong dans le spectacle et je ne voulais pas le faire de façon fausse car notre public pourrait l'identifier. Donc j'ai réellement pris un cours de Mahjong, ce qui était vraiment cool et fascinant.

Il aurait été très facile dans ces scènes d'écrire ça comme un jeu banal que les femmes jouaient juste pour passer le temps. En fait, le jeu est tellement stratégique. Toutes les femmes, [y compris] mes membres de la famille qui jouaient au Mahjong, étaient brillantes. Non seulement elles jouaient et planifiaient tout le temps, mais elles discutaient et bavardaient en même temps. Cela m'a appris beaucoup sur la façon dont ces femmes utilisaient leur puissance intellectuelle quand elles n'étaient pas vraiment autorisées à travailler. C'était une recherche importante à faire.

J'ai en fait amené deux des autres filles qui sont dans la scène de Mahjong avec moi à la leçon. Nous, trois, au début, regardions la table de Mahjong en disant : attendez, qu'est-ce que c'est que ça ? Nous ne faisions que lancer des tuiles et maintenant nous sommes là : en fait, cela doit être configuré de cette manière et nous devons avoir ce nombre de tuiles. Nous avons dû changer les répliques pour nous assurer qu'elles avaient toutes du sens en fonction de l'ordre dans lequel nous devions jouer.

J'ai [aussi] regardé l'alunissage. Je fais toujours mon propre petit paquet de dramaturgie. Je ne veux jamais dire quelque chose [sur scène] sans savoir réellement ce que c'est. C'est très important.

C'est incroyable. Ta grand-mère jouait-elle au Mahjong comme la mienne le faisait à l'époque ?

Absolument. Elle joue encore ! Je pense qu'elle joue maintenant plus à la Canasta. Mais elle a beaucoup joué au Mahjong et ça fait partie de sa semaine encore.

A Walk on the Moon vous a aussi réunie avec Max Chernin après que vous ayez co-starré dans la tournée de Parade ensemble. Parlez-nous de votre collaboration continue avec lui.

Je l'adore. Il est génial. J'ai vu Max dans Parade dans son numéro d'ensemble quand j'ai vu le spectacle à Broadway. Je ne le connaissais que de manière périphérique en faisant des concerts avec lui dans la ville. Je lui ai envoyé un message par la suite et je l'ai félicité d'être partie prenante de quelque chose de si émouvant et magnifique. Et il m'a envoyé un message juste après, disant : Je pense que nous devrions faire Lucille et Leo sur la route. C'était un an avant que cela ne se réalise et j'étais comme : de tes lèvres ! Ce serait incroyable. Et cela a fini par arriver, ce qui est tellement fou.

Je pense que Parade va rassembler n'importe qui. Notre compagnie est très proche, mais être Lucille et Leo requiert beaucoup de confiance et de communication ouverte, de vérification mutuelle. Après cette expérience, pouvoir faire quelque chose d'un peu plus léger avec lui est tellement rafraîchissant. Cela se sent incroyablement bien car nous avons déjà cette couche de confiance et de communication intégrées. Pouvoir aborder un nouveau spectacle qui est une bête à part et vérifier l'un l'autre tout le temps a été un cadeau total. Il n'y a pas ce temps de se connaître [normalement] qui accompagne ce processus. Nous plongeons juste dans notre style de communication habituel. De plus, il a la plus belle voix que j'ai jamais entendue. Pouvoir chanter avec quelqu'un comme ça est un rêve.

Comment était-ce de faire la tournée de Parade ? Étant donné un temps si divisé dans notre pays, sentez-vous que vous avez abordé le spectacle différemment à cause de ce qui se passait à l'extérieur des portes du théâtre par rapport aux événements d'actualité en Amérique ?

Oui, oui, et oui. Je fais A Walk on the Moon avec Andréa Burns qui a été la première Lucille en tournée nationale en 2000. C'est intéressant de parler de nos expériences parallèles. Quand Jason Robert Brown nous a parlé du spectacle, il a dit que cela n'avait pas vraiment eu autant d'impact la première fois parce qu'il ne reflétait pas les temps à l'extérieur. Le spectacle se déroulait et les gens disaient : cela ne me touche pas comme cela devrait. Malheureusement, maintenant, c'est si poignant.

Je pense que le bon et le mauvais de faire Parade juste après est que les gens regardaient quelque chose auquel ils pouvaient facilement se connecter. Ils n'avaient pas besoin de se demander : [comment] puis-je me lier à ça ? De plus, nous ne pouvions pas échapper à cela. L'administration venait de changer et nous avions à en gérer les conséquences. En général, vous entrez au travail et vous essayez de ne pas y penser, mais vous ne pouvez pas le faire [avec Parade] parce que notre spectacle était très politique.

Cela ajoutait aussi un niveau de danger au fait de le jouer. Nous tournions dans tout le pays, du sud au ouest au nord et des gens de diverses opinions politiques assistaient à chaque spectacle. Cela comportait un risque d'une certaine manière. Vous ne savez pas ce qui pourrait déclencher quelqu'un ces jours-ci ou amener quelqu'un à s'exprimer ou réagir. Donc, il y avait un sentiment de bravoure chaque nuit que nous devions rassembler pour [sortir en pensant] : cette histoire est vraiment importante et nous allons la raconter maintenant à un moment où les gens ont vraiment besoin de l'entendre des deux côtés.

C'était très courageux. Je sais qu'en ce moment, avec la montée de l'antisémitisme que nous constatons, j'ai des inquiétudes concernant les mesures de sécurité prises et beaucoup d'autres aussi. C'est une période effrayante dans notre pays pour [tournoyer avec Parade].

Nous avons [eu des inquiétudes] et il y a eu des fois où je me suis dit : ça ne suffit pas, nous avons besoin de quelqu'un à la porte de la scène chaque nuit pour nous assurer que nous sortons bien. Nous avons eu quelques incidents qui n'étaient pas idéaux et Dieu merci, il n'y en a eu qu'un ou deux. J'étais vraiment fière de notre compagnie de prendre soin des uns des autres. Nous avons fait notre dernière à D.C., donc c'était troublant. Quelques mois avant notre clôture à D.C. a eu lieu la fusillade au Musée Juif là-bas. Nous sommes entrés avec cela en tête et dans le cœur en disant : d'accord, cela s'est passé dans un musée national où le niveau de sécurité est vraiment élevé. J'espère que nous aurons cela et plus au Kennedy Center.

Parade est aussi une œuvre magistrale. C'est l'une de ces comédies musicales où vous vous dites : d'accord, les circonstances n'ont pas permis qu'elle soit jouée aussi longtemps qu'elle aurait dû à l'origine, et comme Merrily We Roll Along, ou d'autres spectacles qui connaissent ce retour triomphal, c'est tellement excitant que Parade ait été vu de cette manière lors de cette reprise [à Broadway] et en tournée.

Je pense que notre tournée a été la production de Parade ayant duré le plus longtemps. C'est une pièce difficile à jouer si longtemps. C'était vraiment génial d'être partie prenante de quelque chose que vous savez que la plupart des gens qui viennent la voir n'ont jamais vu. C'était vraiment cool d'être impliqué dans quelque chose que nous savions être si bon. Vous êtes tellement convaincus que le public va aller avec vous dans ce voyage, qu'ils finissent par l'apprécier ou se sentir mal à l'aise à la fin. C'est tout le but : vous faire ressentir quelque chose à la fin. Mais c'est un spectacle difficile à [jouer] si longtemps. Cela prend beaucoup de vous émotionnellement. À la fin des neuf mois, nous étions comme : d'accord. [Nous sommes prêts] à en finir.

Chaque fois que j'ai interviewé quelqu'un qui a fait A Chorus Line, ils [parlent] de la manière dont jouer ce rejet et ce sentiment de désespoir chaque nuit vous touche et vous le ramenez chez vous. Je pense que cela a tout son sens qu'une œuvre comme Parade s'imprègne dans votre corps et que vous finissiez par l'emporter chez vous.

Et la belle mise en scène de Michael Arden du spectacle [nous avait] assis là pour presque tout le [temps] du spectacle.

Nous [avons fait le spectacle au] Texas une semaine après que cette horrible inondation ait anéanti le camp de vacances de cette fille et tué ces [jeunes enfants]. Nous avions un public qui était à quelques kilomètres de là et connaissait tous des gens qui y étaient. Nous chantions une chanson sur l'enterrement d'une petite fille chaque nuit où nous étions là. Bien sûr, nous allons penser à cela et bien sûr, le public va le penser. Cela pèse sur vous. Cela s'inscrit dans vos os d'une manière lourde. Mais c'est [aussi] important d'aider un public à ressentir un catharsis comme celle-ci quand il en a vraiment besoin. [C'était] un vrai honneur.

Vous et moi avons en commun notre héritage de gamins du théâtre de Floride du Sud. Parlez-moi de votre parcours théâtral en tant qu'étudiant en Floride du Sud et à l'université. Comment cela vous a-t-il façonné en tant que professionnel que vous êtes aujourd'hui ?

C'est tout. Je n'ai pas fait de théâtre professionnellement en grandissant, mais mes parents m'ont inscrit à des cours de danse et de chant très tôt. Et nous allions toujours voir les spectacles en tournée. En grandissant en Floride, il y a tant de théâtres, comme vous le savez. [Il y avait] trois maisons de tournées différentes à une heure de chez moi. Nous étions constamment exposés et écoutions des albums de casting dans la voiture. J'ai eu la chance d'aller dans une école intermédiaire pour les arts et un lycée pour les arts et de faire des spectacles extérieurs. J'ai participé à des spectacles dans un théâtre pour enfants pendant tout le temps où j'étais à l'école. J'étais constamment en train d'apprendre.

En plus de cela, [je faisais] ce que vous et moi savons et aimons, la Thespian Society, à la fois au collège et au lycée. Je dirigeais mes camarades [dans] des numéros et je jouais aussi ! [Je participais] à des compétitions de manière à ce que nous savons tous que c'est l'expérience la plus amusante et joyeuse et allant à différentes compétitions et étant entouré de gamins du théâtre. J'étais constamment dans un état d'inspiration et de joie.

Même dans une école de théâtre, on m'a un peu fait sentir que j'étais trop théâtral car j'étais obsédée par ça. Je ne faisais rien d'autre. Je suis toujours une gamine du théâtre et je le serai toujours. Ce niveau d'inspiration et de joie m'a emmené à l'université. Je suis allée à Penn State. Y performer et être entourée de théâtre et être encouragée à le faire depuis un jeune âge a complètement changé ma vie. Être entouré de tant d'enfants comme moi quand j'allais à ces compétitions et festivals a été une expérience qui change la vie.

C'est l'aspect artistique mais c'est aussi la communauté de cela. Vous êtes entouré de milliers de gamins du théâtre ! C'est si excitant.

Et puis ils disent : mettons tous ces gens dans une grande salle de bal et mettons des albums de casting pour que vous puissiez chanter et danser avec eux. Parfois, lorsque ce que nous faisons commence à ressembler à du travail, j'aimerais que nous puissions tous rentrer dans une grande salle et mettre des albums de casting et juste danser et chanter parce que c'est vraiment ce que c'est au final.

Y a-t-il un spectacle ou un album de casting dont vous étiez obsédée en tant que jeune du théâtre que vous aimeriez vraiment faire un jour professionnellement ? Un auteur avec qui vous aimeriez travailler ou quelque chose que vous espérez revenir, provenant de vos obsessions de jeunesse ?

J'étais obsédée par l'album original de Ragtime. Je connais chaque mot. J'aimerais faire Ragtime. J'aimerais faire un spectacle d'Ahrens et Flaherty. Le fait que Ragtime revienne est incroyable et je l'adore. J'ai aussi joué Mother à 16 ans, donc j'étais très dedans.

J'étais obsédée par Falsettos et j'ai pu le faire à l'université. J'aimerais faire un spectacle de Bill Finn.

Trina vient définitivement pour vous.

Je suis prête, et je ne jouais même pas [ce rôle] quand j'étais à l'université. J'ai fait Charlotte, l'une des lesbiennes d'à côté, ce qui était génial. Mais je pense qu'il y a des petits morceaux de Trina dans Pearl, que je joue en ce moment. J'essaie d'infuser ces personnages féminins que j'aimais tant dans ce rôle également.

Ce que vous avez dit à propos des trois maisons de tournées a vraiment résonné car j'ai l'impression d'avoir pu voir tellement de théâtre en grandissant en Floride grâce à cela ! J'ai aussi vu une production régionale de Parade au Broward Stage Door au début des années 2000. Je fouillais toujours le journal Sun Sentinel pour des productions théâtrales. Les gens ne réalisent peut-être pas à quel point la Floride nous nourrit nous, gamins du théâtre, car tous les oiseaux de neige signifient qu'il y a tant de théâtre autour.

Constamment ! Et je vis à 10 minutes du Maltz Jupiter Theatre. Il y a toutes ces grandes maisons régionales et les acteurs en Floride peuvent gagner leur vie en faisant du théâtre. Il y a tant de ça. C'était le mieux d'avoir grandi là-bas.

Pour revenir à A Walk on the Moon, je dois vous demander ce que c'est de travailler avec votre sœur. Avez-vous déjà travaillé ensemble professionnellement auparavant ? Comment s'est passée cette expérience ?

Non, nous ne l'avons pas fait. C'est incroyable. D'abord, je peux être avec elle tous les jours. Nous venons de nous installer ensemble - puis nous avons obtenu ce travail. C'était un peu fou. C'est bien pour notre relation de se dire : comment naviguons-nous cela en tant que sœurs et voyons comment nous pouvons traverser cela en soutenant l'une l'autre ? Quelles sont les petites choses qui nous dérangent ? Nous avons dû définir certaines limites au début. Et c'était génial. C'était super, la façon dont nous avons pu exister en tant que collègues d'une manière que je n'aurais même pas imaginée. Le fait que les gens aient pu nous traiter comme deux personnes individuelles et pas juste comme : les sœurs !

Et le fait de pouvoir observer son travail a été le cadeau de ma vie. La dernière fois que nous avons fait un spectacle ensemble, c'était au lycée. Avoir la personne que je suis la plus proche dans ma vie [vraiment là dans la pièce]… Normalement, je montrerais des vidéos ou [j'enverrais] des mémos vocaux de répétition et [je demanderais son avis]. Ça a été génial d'obtenir sa validation en temps réel.

Je pense que vous allez regarder en arrière à cette période comme quelque chose de tellement spécial. Combien de personnes peuvent avoir cela avec leur sœur ?

J'ai récemment fait un concert avec Jonathan Christopher et j'ai [demandé] comment c'était de travailler avec son frère [Nicholas Christopher]. Ils ont fait Sweeney ensemble. Il a dit : c'était incroyable. C'est super spécial. À quelle fréquence cela se produit-il ? Je tiens vraiment à cette expérience.

Vous avez joué Elphaba dans Wicked à Broadway et en tournée et vous étiez incroyable dans ce rôle. Étant donné que vous avez vécu l'expérience de jouer ce rôle avant et après la pandémie, comment était-ce de jouer Elphaba sur une si longue période, durant une période en particulier ? Des choses ont-elles changé dans votre approche ou dans votre quotidien à cause de votre expérience dans [Wicked] dans deux époques très différentes ?

La première chose à laquelle je pense, c'est quand vous et moi avons eu notre première expérience de pandémie ensemble. Vous veniez de venir me voir à Baltimore et nous prenions le train de retour à New York un dimanche. C'était fin février 2020. J'avais deux masques et je me suis dit : "Veux-tu un masque ?" La masques était cassé, peut-être ? Que s'est-il passé ?

Vous aviez très gentiment dit : oh, je pense que nous devrions probablement porter des masques, en voulez-vous un ? J'ai mis le mien et il s'est cassé, probablement [à cause de] mes grandes oreilles ou quoi que ce soit. Et je me suis dit : oh ça va, je n'en ai pas besoin, nous n'en avons pas vraiment besoin, mais merci beaucoup. C'était un moment où nous avons réalisé un mois plus tard, en nous disant : wow, nous avions vraiment besoin de ces masques.

C'était un peu fou. Je pense souvent à cela. [Il y avait] la joie et la frivolité de faire mon spectacle de tournée avant la pandémie et d'avoir le meilleur temps, de voir des gens et des amis qui venaient voir le spectacle. Et maintenant, cela ressemble à si longtemps. Je l'ai commencé à 22 ou 23 ans, donc j'étais vraiment jeune. Et nous n'avions évidemment pas encore connu la pandémie mondiale. J'étais chez moi en Floride pendant toute cette période de pandémie et j'ai souffert de dépression pour la première fois de ma vie, pleurant la perte de cette vie de rêve dans laquelle je pensais être auparavant.

Revenir à [Wicked] environ un an et demi plus tard, il y avait ce poids sur [ce que nous avions tous traversé. Il y avait ce sentiment d'avoir traversé une expérience proche de la mort et certaines personnes n'ont pas vécu cela. Cette chose qui avant était la seule chose de ma vie, la plus importante de ma vie ne l'est pas vraiment. J'ai pu être avec ma famille et survivre à cette période folle. Revenir à Wicked après la pandémie [m'a rappelé que] c'est une expérience que je vis mais ce n'est pas ma [toute] vie, ce n'est pas tout. Cela a mis beaucoup de choses en perspective pour moi.

Remonter ce spectacle avec l'équipe créative originale est la raison pour laquelle je suis allée à Broadway [avec cela]. Pouvoir travailler avec Joe Mantello et toute cette équipe pendant 10 jours pour remettre en place le spectacle et apprendre comment les choses se sont mises en place… ce n'est pas normal lorsque vous entrez dans Wicked. Vous pourriez même ne pas avoir la chance de travailler avec lui, donc c'était très cool. Puis le faire à Broadway était un rêve devenu réalité.

Vraiment, j'ai ressenti ce changement lorsque je suis revenue au spectacle un an après la fin de mon contrat en 2023. Un an plus tard, je suis revenue faire le spectacle pour une performance, après avoir fait d'autres choses. Ça a été vraiment différent. À nouveau, je suis revenue dans le spectacle cette année et j'ai fait quatre performances. J'étais là : oh, je suis une personne adulte jouant cela maintenant et cela se sent différent dans mon corps. J'ai eu des expériences de vie et des déceptions. Faire ce spectacle à 22 ans et le faire à 30 ans est vraiment différent. C'est très génial de pouvoir vivre le même personnage de différentes manières.

Vous me donnez envie d'un documentaire sur les gens qui ont fait cela, y compris vous dans Wicked. À quel point serait-il génial un documentaire sur Charlotte d'Amboise dans Chicago au fil des décennies ?

Right ? C’est tellement vrai. Il y a beaucoup de femmes qui ont fait cela avec Wicked. Il y a des Galinda qui sont revenues après avoir perdu des parents, des années plus tard. La façon dont nous avons pu grandir dans ces rôles est très cool. C'est très incroyable d'être continuellement appelée à le faire. J'ai beaucoup de chance.

Avez-vous récemment vécu quelque chose en tant que membre de l'audience qui vous a inspiré ? Théâtre, film, livre, télévision… ?

Oui ! J'ai vu des pièces incroyables cette année. J'ai vu Liberation et cela a changé ma vie. Je l'ai tellement aimé. Je suis allée seule voir Oedipus et cela a également changé ma vie. J'étais juste assise là, réinspirée. Je ne perds jamais vraiment l'inspiration, mais j'étais à [Oedipus], regardant ces performances, en me disant : wow, c'est pour ça que nous faisons cela. Cette compagnie, qui était si cohésive, m'a fait oublier la fin d'une histoire que je connaissais depuis toujours. Je me suis dit : cela ne peut pas finir de cette manière ? La conception audiovisuelle, la vidéo, comment l'ensemble du spectacle était fait avec un minuteur à l'arrière… j'étais juste assise là, sidérée. Je suis partie en me sentant vraiment, vraiment énergisée et inspirée. J'étais vraiment heureuse d'avoir eu la chance de voir cela.

Cette production était incroyable et j'ai aussi adoré Liberation. Vous avez mentionné quelque chose auquel je pense, qui est : J'adore voir du théâtre avec d'autres personnes, mais parfois, il y a quelque chose de vraiment spécial à y aller seul et à avoir juste vos propres pensées avec lesquelles vous asseoir après la performance. Tout le monde devrait le faire de temps en temps, car cela transforme votre esprit d'une manière différente lorsque vous voyez quelque chose tout seul.

Je pense que c'est vital. Je le pense vraiment. Et j'adore le faire. J'adore me traiter et sortir seule. Il y a quelque chose à ne pas discuter avec la personne à côté de vous pendant l'entracte, ou pendant le spectacle, ou avant et après. Il y a quelque chose à s'asseoir là avec ses propres pensées et à le traiter. Je garde mon téléphone éteint tout le temps. C'est comme : je vais vraiment forcer moi-même à m'asseoir pendant 15 minutes à l'entracte et à penser à ce que je viens de regarder. C'est vraiment cool. Je suis d'accord pour dire que tout le monde devrait faire cela.

Ça reflète aussi deux expériences diamétralement opposées, vraiment positives, du moins pour moi. J'ai eu cette expérience que vous avez eue à Oedipus et ensuite j'ai eu cette autre expérience chez Liberation où, parce que personne n’avait ses téléphones et qu'ils étaient dans les pochettes, tout le monde parlait entre eux. C'était l'opposé et c'était génial. Le théâtre était bruyant parce que tout le monde parlait de la pièce avec des gens assis près d'eux avec qui ils n'auraient jamais parlé. Je pense que ces deux expériences ont leur propre valeur. C'est intéressant comment cela peut impacter votre expérience théâtrale.

A Walk on the Moon est dans le théâtre où Liberation était à l'origine et je n'ai pas pu le voir hors Broadway mais j'ai passé du temps là maintenant depuis quelques semaines, imaginant à quel point il aurait été bien de voir [Liberation] dans cet espace petit. À mon avis, ils ont pu prendre l'intimité de cet espace et l'amener dans la maison de Broadway. Mais je ne peux même pas imaginer être assise là avec eux et être aussi près d'eux pendant que tout cela se passait.

Avez-vous vu quoi que ce soit au Pels auparavant ?  

Jamais. Mais ce qui est si cool, c'est que la dernière fois que j'ai passé beaucoup de temps dans la rue, c'était pendant Be More Chill, alors je passe littéralement un été sur la 46ème rue, tout comme je l'ai fait en 2019, ce qui est super. Je suis en train de marcher devant les mêmes endroits, les mêmes bodegas et magasins, et j'ai tellement de flashbacks de cet été.

Pour les personnes qui ne le savent pas, parce que la porte de scène du Lyceum est sur la 46ème rue mais l'entrée du théâtre est sur la 45ème rue, c'est vraiment comme si vous travailliez sur les deux blocs lorsque vous y êtes.

Une chose à laquelle je pense toujours, c'est comment l'école de théâtre de performing arts était dans l'école secondaire sur ce bloc. Maintenant c'est [le Jacqueline Kennedy Onassis High School for International Careers] mais c'était autrefois l'école du Fame High School. J'ai interviewé quelques personnes au fil des ans, y compris Danny Burstein, qui ont parlé de la manière dont le bloc était différent lorsqu'il y avait la porte de scène du Lyceum, l'école de performing arts, et les Pels, qui était un théâtre off-Broadway qui avait un autre nom pendant certaines années. Si vous regardez le film Fame, vous pouvez les voir danser sur des voitures le long de ce bloc de la 46ème rue.

Oh mon Dieu ! Je n'avais aucune idée. Comme c'est cool.

J'adore que vous preniez le temps de l'apprécier alors que vous dirigez une nouvelle comédie musicale.

J'apprécie vraiment mes pauses. Parce que le Pels est dans un sous-sol, chaque fois que je peux sortir dans la rue, marcher autour… Quand nous étions au Lyceum, j'allais toujours au Abbodanza pour prendre de petites boissons et revenir. Maintenant, je suis comme : qu'est-ce qu'il y a d'autre sur cette rue ?

Nous devons parler de Be More Chill, bien sûr. Pour ceux qui ne savent pas, quel a été votre parcours avec le spectacle ?

Mon parcours a commencé en 2018, en faisant une nouvelle musique de Joe Iconis, Love In Hate Nation, à l'université et en vous rencontrant ainsi que Joe à l'époque, à Penn State. Grâce à cette expérience, j'ai eu une audition pour être une couverture hors scène pour le transfert hors Broadway de Be More Chill, qui allait au Signature Theatre. C'était juste avant que je ne sois diplômée. Je suis allée en ville et j'ai passé cette audition et j'ai été retenue.

Ce qui est si cool, c'est que Maria Wirries [de The Lost Boys] et moi étions les deux premières de notre classe à déménager en ville parce qu'elle faisait Dear Evan Hansen cet été-là à Broadway et j'étais en répétition pour [Be More Chill]. C'était insensé [et] incroyable. C'était mon premier été à New York et je travaillais sur une nouvelle comédie musicale. Puis quelque chose se produit qui n'arrive jamais où vous avez rassemblé tout le monde et avez dit : "Nous allons à Broadway". J'étais comme : je viens d'arriver ! Je viens d'arriver ! C'était un vrai cadeau. Et j'ai fait mes débuts à Broadway et hors Broadway, au milieu du spectacle. C'était sauvage et c'était l'expérience d'une vie, d’être part de quelque chose comme ça, un petit spectacle qui pouvait. Les six de nous [à Broadway] nous sommes devenus très proches et avons tous continué à faire des choses plutôt cool.

J'ai un si joli souvenir de vos débuts à Broadway. Je quittais rarement le théâtre ; je voulais toujours y être pour regarder, et sinon, au moins écouter depuis les coulisses. Mais Stephanie Wessels et moi sommes allées dîner au Dos Caminos. Nous étions assises là à manger quand quelqu'un m'a envoyé un texto : ça pourrait avoir été Will : "TALIA VA JOUER !!!!" Nous avons littéralement jeté des nachos et de la guacamole. Nous avons donné de l'argent à la table et avons couru à Lyceum. Ce n'est qu'à deux pâtés de maisons, mais je me souviens avoir couru frénétiquement à travers Times Square pour voir vos débuts à Broadway. Ensuite, nous sommes arrivés et vous étiez déjà sur scène, en train de jouer ! C'était incroyable de voir vos débuts à Broadway d'une manière totalement inattendue, en jouant au milieu du spectacle.

C'était dingue. Cela met les choses en perspective quand ils vous mettent dans un petit costume pour bébé et que vous vous retrouvez soudainement à ramper sur scène. Vous vous dites : vous savez quoi ? Je vais m'amuser avec ça. Tout ira bien.

Comment était-ce d'apprendre plusieurs rôles et de jouer différentes parties dans un seul spectacle ?

Je suis tellement heureuse de l'avoir fait. J'ai tellement appris. J'ai énormément de respect pour quiconque couvre ou fait partie des swings ou des doublures et je ne pourrais jamais le refaire. Mon cerveau ne fonctionne pas de cette manière. Je veux dire qu'il fonctionne de cette manière, mais ce n'est pas la meilleure façon dont il fonctionne ! C'était vraiment intéressant et cela m'a beaucoup appris [sur moi]. J'étais fameux assistant cappitaine de danse pour le spectacle, ce qui était fou, et m'a beaucoup appris sur les rouages de tout. Vous apprenez vraiment à connaître une scène lorsque vous devez apprendre ce que chaque personne dans cette scène fait et le contraire des différents mouvements. J'ai eu des scènes où je jouais les trois personnages qui étaient dans la scène, se parlant les uns aux autres. C'était vraiment cool et j'ai travaillé très dur, et j'ai beaucoup appris sur moi-même. Mais j'ai aussi réalisé que j'ai des amis qui se réveillent en se disant : quel personnage vais-je jouer aujourd'hui ? Je couvre 12 rôles et pourrais en faire n'importe lequel, ou une combinaison, allons-y. Et ce n'est [pas moi]. Je me réveillerais avec de l'angoisse dans la poitrine, en me disant : j'ai juste besoin de jouer un rôle.

Cela me donne envie de vous demander, eu égard à votre connaissance de Wicked grâce à vos années d'Elphaba, si, pour une raison folle, vous deviez jouer Galinda, pourriez-vous le faire ? Combien d'heures de répétition vous faudrait-il ? 

Vous savez quoi ? J'ai l'impression que je ferais un travail médiocre. Je ne pourrais aussi pas le faire car je ne pourrais pas entrer dans la bulle.

Exact. Trop grande.

Je suis trop grande ! J'ai l'impression que je ferais un travail médiocre [dans l'ensemble] mais je pourrais définitivement le chanter.

Les gens pourraient oublier, s'ils n'apprennent pas le spectacle, qu'il ne s'agit pas seulement de chanter la partition et de dire les répliques - c'est où est la piste, comment descendre dans la bulle…

Elle a beaucoup de changements rapides assez [difficiles] ; je ne veux même pas m'en approcher !

Je pensais récemment à la réouverture de la pandémie COVID, combien de personnes sont montées sur scène de manière inattendue. Il y avait beaucoup de : oh, vous avez joué ce rôle il y a six ans, mais quelqu'un est absent à cause de COVID, pouvez-vous y aller ? Et même avec des gens qui n'avaient jamais joué de rôles auparavant. Il y avait tant de courses d'urgence qui ne se produisent pas normalement.

Oh, certainement. Et toute la culture a changé d'une manière, je pense, excellente. Je n'oublierai jamais quand j'ai appris que j'avais été appelée à jouer dans Be More Chill [à l'avance], étant à la billetterie, achetant des billets pour des amis [pour me voir] et en voyant les gens faire la queue voir ma carte de nom là [sur le tableau des doublures] et s'en aller : oh non, nous voyons une doublure ce soir. J'étais juste devant eux, achetant des billets. Mais je pense que cela change de manière formidable maintenant. Je pense que les doublures sont beaucoup plus célébrées, du type : Oh mon Dieu, nous avons la chance de voir cela, ce sont vraiment cool, et ce que cela aurait toujours dû être.

Il y a un certain niveau d'ignorance parfois, où les gens doivent apprendre qu'une doublure n'est pas nécessairement un deuxième choix ou moins bonne. Il y a tant de choses qui entrent en jeu.

Est-ce que Mary Testa n'a pas couvert Liza Minnelli dans The Rink ? 

Oui ! 

Ensuite, quand vous voyiez Liza Minnelli absente, vous voyiez une jeune Mary Testa sur scène ! Pensez-y. Tant de gens ont commencé par être des doublures et ce n'est qu'une performance différente, jamais une moins bonne.

J'ai fait une liste à un moment donné. Il y a un nombre incroyable de [fois] où, si vous voyiez une doublure jouer dans un spectacle, vous voyiez une étoile future. Même si ce n'est pas le cas toutefois, vous pourriez découvrir quelqu'un que vous aimez [que vous ne connaissiez pas]. Il y a tellement de spécial à voir une performance qui n'est pas celle qui se produit chaque jour. J'ai envie d'aller voir Hannah Solow dans Oh, Mary! Je dois m'y rendre quand elle est sur scène.

Je l'ai vue, la seule fois où j'ai vu le spectacle. Je l'ai fait exprès parce qu'elle était là et elle est incroyable. Elle s'approprie ce qu'elle fait et juste par le fait d'être elle, elle déchire.

Elle est incroyable. Je dois aller la voir.

Vous devez.

Y a-t-il quelque chose sur le fait d'être un acteur professionnel qui surprendrait vraiment votre moi adolescent ? Si vous pouviez prendre une machine à remonter le temps, qu'aimeriez-vous dire à votre moi adolescent sur le théâtre ?

Je pense qu'il y a un peu de chagrin qui vient avec [l'apprentissage] que c'est un travail. Vous allez avoir des jours qui ne sont pas si bons. Mais ce n'est pas parce que vous ne l'aimez pas. C'est parce que c'est du travail et que c'est notre métier. Ma partie préférée de la journée [en tant qu'enfant] serait quand je sortais de l'école et allais à répétition. J'essaie de retrouver cette joie chaque jour, mais parfois c'est difficile, et cela ne signifie pas que vous ne l'aimez plus. Cela signifie juste que vous devez vous rappeler que c'est [aussi] un travail.

L'autre chose que je dirais à elle, c'est que toutes les choses qui vous font sentir étranges et différentes sont les choses pour lesquelles les gens vont vous célébrer quand vous serez plus âgée.

Y a-t-il autre chose que vous voudriez ajouter à propos de A Walk on the Moon ? Si quelqu'un envisage de venir le voir, que voudriez-vous leur dire ?

Je pense que la musique du spectacle est vraiment, vraiment bonne. AnnMarie Milazzo a écrit une partition qui est très évocatrice de l'époque, mais ce n'est pas de la mimique. Et ce n'est pas une comédie musicale juke-box. J'ai suivi des discussions sur les forums et ils disaient : nous n'avons pas besoin d'une autre comédie musicale juke-box des années 1960. Mais ce n'est pas le cas ! C'est [une partition originale] et une histoire vraiment douce et la compagnie est vraiment belle. Je pense que si vous voulez un spectacle vraiment agréable et réconfortant où vous allez vous déhancher sur la musique, [c'est cela]. Le groupe est sur scène avec nous et ils sont incroyables. Nous avons le guitariste de Sting dans notre groupe. Cela va être très amusant. Nous jouons jusqu'au 22 août.

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Crédit photo : Tricia Baron/Joan Marcus
 

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