Rezension: MERE MORTALS, Sadler's Wells

Sieben Jahre sind eine lange Zeit, um ein Londoner Publikum warten zu lassen. Das San Francisco Ballet ist die älteste Ballettkompanie Amerikas und wurde mitten in der Großen Depression sowie im Jahr des Endes der Prohibition gegründet – ein Umstand, der vielleicht etwas über die nationale Lust auf Spektakel auch in schwierigen Zeiten aussagt. Sie haben sich entschieden, die Wartezeit mit einer Aufführung über eine Frau zu beenden, die es eigentlich besser hätte sein lassen sollen. Mere Mortals markiert den ersten Auftritt der Kompanie in der Hauptstadt seit 2019 und ihren ersten unter der künstlerischen Leitung von Tamara Rojo. Sie kam vom English National Ballet mit dem Ruf, Institutionen auf den Kopf zu stellen und so lange zu schütteln, bis etwas Interessantes herausfiel. Sie gab ihren Einstand mit einer Kommission an Aszure Barton, eine Choreografin, deren beachtliche Karriere überraschenderweise bisher nie ein abendfüllendes Ballett hervorgebracht hatte. Barton erledigt das Schütteln gemäßigter Weise und das Ergebnis interpretiert Pandora neu, nicht als die bekannte Büchsenöffnerin, sondern als eine Figur, die näher an der Ursprungsversion liegt: die erste sterbliche Frau, vom Gott geschaffen und mit einem versiegelten Gefäß ausgestattet, zusammen mit einem einzigen Rat, den sie ohnehin nicht befolgen würde. Barton verlegt den Mythos in die Gegenwart von Serverfarmen und generativer Panik, sodass Pandoras Neugier zu unserer eigenen wird: der moderne Drang, großartige neue Dinge zu erschaffen und sich erst später zu fragen, was genau eigentlich in den Raum entlassen wurde. Es ist ein kluges Konzept, das KI als die neue "Box" in den Mittelpunkt stellt – ein Wunder, das sich als ebenso gefährlich wie faszinierend erweist. Es gibt eine Art von theatralischem Abend, der so visuell überwältigend ist, dass Kritik sich anfühlt wie Zwischenrufe bei einem Feuerwerk, und Mere Mortals gehört dazu. Man muss den hier präsentierten Ehrgeiz bewundern, auch wenn man nicht genau erkennt, wozu er eigentlich dient. Bartons Ensemblearbeit hat eine echte Bedrohlichkeit: nervös, mechanisch, die Tänzer bewegen sich, als liefen ihre Nervensysteme leicht außer Takt zueinander – eine eindrückliche Aussage über unser Verhältnis zur Technologie, die mehr aussagt als alles, was Bartons Geschichte vermittelt. Floating Points, dessen ungewöhnlicher Weg zur Komposition einer Ballettpartitur über eine Promotion in Neurowissenschaften und nicht übers Konservatorium führte, liefert eine Livemusik, die erheblich bedrohlich wirkt, und Hamill Industries‘ permanent zusammenbrechende Projektionen von Wettermustern und Sternbildern detonieren hinter allem mit dem Selbstvertrauen von Menschen, die ein Jahrzehnt damit verbracht haben, Festivalpublikum für den Anblick des Erhabenen zu begeistern. Das auffällige Kostümdesign von Michelle Jank nimmt den Ball auf, den die Dramaturgie hat fallen lassen. Vielleicht sollte sie auch zwei Gehälter bekommen. Anfangs ist die Kompanie als eine ziemlich schicke Besatzungstruppe gekleidet – eine sich bewegende, mitternachtsschwarze Masse aus Kilts und Jacken, jede Individualität von der höchsten Ebene des Sadler's Wells unsichtbar – und gerade als man denkt, dass dies unbeabsichtigt eine bessere Tanzinterpretation von The Matrix als Danny Boyle’s bewusste Version ist, tauchen alle in Goldlamé auf, das so reflektierend ist, dass man sich darin rasieren könnte. Pandora wird zu Recht während der gesamten Zeit in schwarzem Leder getrennt gehalten, und Barton macht Jennifer Stahl zur einzigen Person im Gebäude, die nicht gleichzeitig als dystopische Statistin oder Diskokugel fungieren muss. Das Problem ist, dass der Mythos immer wieder verliert. Wenn man die Zusammenfassung in den Programmhinweisen weglässt, sieht man einfach wunderschöne, gut einstudierte Tänzer, die irgendetwas mit Technologie und Katastrophen machen. Wayne McGregor löste ein fast identisches Problem in Autobiography, indem er die Struktur selbst von einem Algorithmus erzeugen ließ und somit Form als Argument präsentierte. Bartons Form ist Spektakel als Moodboard, angedeutet statt ausgearbeitet. Das alles bringt Mere Mortals in die seltsame Lage, seine eigene These unbeabsichtigt zu bestätigen: Die Menschheit baut weiter großartige neue Maschinen und fragt nie, ob ihre neueste Erfindung gefährlicher ist, als sie wert ist. Zeus erklärte die Box auch nie. Zumindest hatte er den Vorwand, ein Gott mit wichtigeren Dingen zu sein. Mere Mortals läuft noch bis zum 12. September. Foto: Andrew Perry/Edinburgh International Festival

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