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La chanteuse-compositrice et multitâche Sarah McGuinness est surtout connue pour son travail de production de documentaires indépendants fantaisistes sur l'humoriste Eddie Izzard ; dans son spectacle solo, cependant, il n'y a que de brèves références à cela. Définir le sujet du spectacle n'est pas simple, car c'est un mélange confus d'autofiction, de métathéâtre et de comédie musicale excentrique qui dépasse rarement une session de thérapie prolongée.
L'accent de McGuinness, un doux mélange de Londres et de l'Irlande du Nord, convient idéalement à une intrigue ancrée dans son enfance troublée en tant que fille d'un père britannique et d'une mère irlandaise grandissant dans le Derry des années 1980. Dans une série de monologues confessionnels ("tout est réel ici, tout est vrai") entrecoupés de chansons, McGuinness est d'une honnêteté méticuleuse au sujet de ses expériences de harcèlement xénophobe des deux côtés de la mer d'Irlande, ainsi que de la maltraitance physique de sa famille et de son rôle de "carer" parentifié pour ses nombreux frères et sœurs plus jeunes.
McGuinness s'efforce de distinguer son spectacle de Derry Girls ("nous étions les grandes sœurs de ces filles," explique la performeuse de cinquante ans), mais elle s'inspire clairement de la façon dont la sitcom ridiculise la normalité de la vie en Irlande du Nord dans des circonstances profondément anormales.
Cependant, le ton général de la catharsis personnelle se prend trop au sérieux pour que cela fonctionne. Lorsque McGuinness insère un numéro de sa composition dans le style d'une ballade puissante des années 80 dans une scène à propos d'un projecteur de police devant sa maison familiale, cela ressemble plus à une tentative mal avisée de drame musical qu'à une comédie noire.
L'histoire devient encore moins percutante lorsque McGuinness déménage à Londres à l'âge de 18 ans ; ses récits d'indifférence et d'exploitation dans le monde impitoyable du showbiz des années 90 manquent de la spécificité nécessaire, ressemblant davantage à des potins partagés dans un pub qu'à un drame narratif élaboré. Elle essaie de varier le rythme en jouant légèrement avec le quatrième mur, avec des improvisations lors d'un changement rapide ici et une maladroite flirtation avec le prompteur là, comme si elle essayait d'étoffer le drame tout en établissant un lien forcé avec le public.
Il y a une grâce salvatrice dans les visuels : des habits de maître de cérémonie, des gants d'opéra et des bustiers scintillants évoquent que c'est le spectacle que McGuinness, rongée par les insécurités dans sa jeunesse à propos de sa voix chantée légère, centrée sur la tête, a toujours voulu jouer.
La musique est imaginative, aussi ; des reprises infusées de théâtre musical de 'Life on Mars' et 'Babushka' tracent la découverte de soi de la jeune McGuinness à l'adolescence, et la musique traditionnelle irlandaise est utilisée de manière poignante pour marquer son chemin vers l'acceptation pleine de son identité. La voix de McGuinness a mûri en un alto fumé parfait pour les numéros de son spectacle de rêve d'enfance, Cabaret, parsemés tout au long du spectacle.
Il manque cependant de cohésion. Les fans de Kander & Ebb pourraient faire remarquer que le message que McGuinness veut transmettre, que nous devrions tous être un peu plus gentils les uns envers les autres, est diamétralement opposé à Sally Bowles détournant le regard face au désastre politique et personnel. À leur tour, certains autres choix de chansons sont douloureusement littéraux : 'Skyfall' lorsque la pandémie frappe, par exemple.
Grit, Glitter & Gaslight est tombé dans le piège de penser que chaque pensée peut être partagée sans réserve sur scène, que l'autofiction est un genre qui ne nécessite ni style ni raffinement. Avec presque deux heures de spectacle sans intervalle, cela aurait certainement besoin d'un éditeur.
Grit, Glitter & Gaslight joue au Circle and Star Theatre jusqu'au 21 mars
Crédits photo : Becky Martin PR