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Die Sängerin, Songwriterin und vielseitige Künstlerin Sarah McGuinness ist am bekanntesten für ihre Arbeit an verspielten Indie-Dokumentationen über den Stand-Up-Comedian Eddie Izzard; in ihrer Ein-Frau-Show gibt es jedoch nur flüchtige Anspielungen darauf. Es ist nicht einfach zu definieren, worum es in der Show geht, da es sich um ein verwirrtes Durcheinander aus Autofiction, Metatheater und campiger musikalischer Komödie handelt, das sich selten über eine verlängerte Therapiesitzung hinaus erhebt.
McGuinness’ Akzent, eine weiche Mischung aus London und Nordirland, passt ideal zu einer Handlung, die in ihrer schwierigen Kindheit als Tochter eines britischen Vaters und einer irischen Mutter, die in den 1980er Jahren in Derry aufwuchs, verwurzelt ist. In einer Reihe von bekennenden Monologen („alles ist echt in diesem, alles ist wahr“) durchsetzt mit Liedern, ist McGuinness quälend ehrlich über ihre Erfahrungen mit fremdenfeindlichem Mobbing auf beiden Seiten der Irischen See sowie über körperlichen Missbrauch durch ihre Familie und ihre Rolle als „parentifizierte“ Betreuerin für ihre mehreren jüngeren Geschwister.
McGuinness bemüht sich, ihre Show von Derry Girls abzugrenzen („wir waren die älteren Schwestern dieser Mädchen,“ erklärt die 50-jährige Performerin), nimmt aber offensichtlich Anleihen bei der Sitcom, die das normale nordirische Leben unter zutiefst anormalen Umständen parodiert.
Der insgesamt persönliche kathartische Ton nimmt sich jedoch zu ernst, um zu funktionieren. Wenn McGuinness eine selbstgeschriebene Nummer im Stil einer 80er-Jahre-Power-Ballade in eine Szene über einen Polizeisuchscheinwerfer vor ihrem Elternhaus einfügt, wirkt es wie ein fehlgeleiteter Versuch musikalisches Drama anstelle von schwarzer Komödie zu erschaffen.
Die Handlung wird noch weniger zugkräftig, als McGuinness mit 18 Jahren nach London zieht; ihre Geschichten über Ignoriertwerden und Ausbeutung in der gnadenlosen Welt der 90er-Showbiz-Landschaft fehlen die notwendige Spezifität, wie Kneipentratsch im Gegensatz zu ausgearbeiteter narrativer Dramatik. Sie versucht, das Ganze abwechslungsreicher zu gestalten, indem sie leicht die vierte Wand bricht, ein Ad-lib während eines schnellen Kostümwechsels hier und ein unbeholfenes Flirten mit dem Souffleur dort, als würde sie versuchen, das Drama auszudehnen und gleichzeitig eine Verbindung mit dem Publikum zu erzwingen.
Eine Rettung findet sich in den visuellen Elementen: Zirkusdirektor-Jacketts, Opernhandschuhe und glitzernde Büstenhalter beschwören das Gefühl herauf, dass dies die Show ist, die McGuinness, in ihrer Kindheit geplagt von Unsicherheiten über ihre zarte, kopfdominierte Singstimme, immer aufführen wollte.
Auch die Musik ist einfallsreich; von Musical-Theater inspirierte Cover von ‘Life on Mars’ und ‘Babushka’ zeichnen McGuinness' Selbstfindung in ihrer Jugend nach, und traditionelle irische Musik wird treffend eingesetzt, um ihren Weg zur vollständigen Akzeptanz ihrer Identität zu markieren. McGuinness’ Stimme ist zu einem rauchigen Alt gereift, der perfekt zu den Nummern aus ihrer Kindheitstraum-Show, Cabaret, passt, die über die Show verteilt sind.
Es fehlt jedoch an Kohäsion. Kander-&-Ebb-Fans könnten darauf hinweisen, dass die Botschaft, die McGuinness vermitteln möchte, nämlich dass wir alle ein wenig freundlicher zueinander sein sollten, diametral der von Sally Bowles, die sich im Angesicht politischer und persönlicher Katastrophen abwendet, entgegensteht. Damit verbunden sind einige der anderen Song-Auswahlen schmerzhaft wörtlich: ‘Skyfall’, als die Pandemie ausbricht, zum Beispiel.
Grit, Glitter & Gaslight ist in die Falle getappt, zu glauben, dass jeder Gedanke unbarmherzig auf der Bühne geteilt werden kann, dass Autofiction ein Genre ist, das keinen Stil oder Verfeinerung erfordert. Bei fast zwei Stunden ohne Pause könnte es sicherlich einen Editor gebrauchen.
Grit, Glitter & Gaslight spielt im Circle and Star Theatre bis zum 21. März
Fotokredits: Becky Martin PR