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La cantautora y polifacética Sarah McGuinness es mejor conocida por su trabajo produciendo documentales indie caprichosos sobre el comediante Eddie Izzard; sin embargo, en su espectáculo de una sola mujer, solo hay referencias pasajeras a esto. Intentar definir de qué trata el espectáculo no es tarea fácil, porque es una amalgama confusa de autoficción, metateatro y comedia musical campy, que rara vez se eleva más allá de una sesión de terapia extendida.
El acento de McGuinness, una suave mezcla de Londres e Irlanda del Norte, es ideal para una trama enraizada en su problemática infancia como hija de un padre británico y una madre irlandesa creciendo en el Derry de la década de 1980. En una serie de monólogos confesionales (“todo es real en esto, todo es verdad”) intercalados con canciones, McGuinness es dolorosamente honesta sobre sus experiencias de acoso xenofóbico a ambos lados del Mar de Irlanda, así como del abuso físico por parte de su familia y de convertirse en una cuidadora ‘parentificada’ para sus varios hermanos menores.
McGuinness se esfuerza por distinguir su espectáculo de Derry Girls (“éramos las hermanas mayores de esas chicas,” explica la artista de más de 50 años), pero claramente toma inspiración de esa comedia que parodia cómo la vida normal en Irlanda del Norte continuaba bajo circunstancias profundamente anormales.
Sin embargo, el tono general de catarsis personal se toma demasiado en serio para que esto funcione. Cuando McGuinness inserta un número autoescrito al estilo de una balada poderosa de los 80 en una escena sobre un reflector policial fuera de su casa, se siente como un intento equivocado de drama musical en lugar de comedia negra.
La historia se vuelve aún menos contundente cuando McGuinness se muda a Londres a los 18 años; sus relatos de ser ignorada y explotada en el despiadado mundo del espectáculo de los 90 carecen de una especificidad necesaria, como si se tratara de chismes compartidos en el pub en lugar de drama narrativo elaborado. Intenta variar el ritmo manipulando levemente la cuarta pared, un improvisado durante un cambio rápido aquí y un flirteo incómodo con el apuntador allá, como si tratara de alargar el drama y forzar una conexión con el público al mismo tiempo.
Hay un punto a favor que se encuentra en lo visual: chaquetas de maestro de ceremonias, guantes de ópera y bustiers deslumbrantes evocan la sensación de que este es el espectáculo que McGuinness, plagada de inseguridades en su juventud sobre su voz cantarina y con predominio de la cabeza, siempre quiso realizar.
La música también es imaginativa; versiones impregnadas de teatro musical de ‘Life on Mars’ y ‘Babushka’ marcan el autodescubrimiento de la joven McGuinness en la adolescencia, y la música tradicional irlandesa se utiliza de manera conmovedora para señalar su camino hacia la total aceptación de su identidad. La voz de McGuinness ha madurado hasta convertirse en un alto ahumado perfecto para los números de su espectáculo soñado de infancia, Cabaret, que salpican el espectáculo.
Sin embargo, carece de cohesión. Los fanáticos de Kander & Ebb podrían señalar que el mensaje que McGuinness quiere transmitir, que todos deberíamos ser un poco más amables entre nosotros, es diametralmente opuesto a Sally Bowles’ dándole vuelta a la cara ante el desastre político y personal. A su vez, algunas de las otras elecciones de canciones son dolorosamente literales: ‘Skyfall’ cuando llega la pandemia, por ejemplo.
Grit, Glitter & Gaslight ha caído en la trampa de pensar que cada pensamiento puede compartirse sin reservas en el escenario, que la autoficción es un género que no requiere estilo ni refinamiento. Con casi dos horas de duración sin un intervalo, ciertamente podría necesitar un editor.
Grit, Glitter & Gaslight se presenta en el Circle and Star Theatre hasta el 21 de marzo
Crédito de las fotos: Becky Martin PR